Warum machst du Kunst?
Kunst begleitet mich, seit ich denken kann, doch der eigentliche Wendepunkt war die Entdeckung des Urban Sketching. Durch schnelle Skizzen vor Ort entdeckte ich die Magie der Aquarellmalerei – und die unglaublichen Möglichkeiten, Emotionen, Atmosphäre und Bewegung allein mit Wasser, Pigmenten und der Schwerkraft auszudrücken.

Das Zusammenspiel von kontrollierten Pinselstrichen und unvorhersehbaren Farbverläufen faszinierte mich sofort. Aquarell ist lebendig – es fließt, reagiert, überrascht. Das Medium zwingt einen, loszulassen, im Moment zu arbeiten und das natürliche Verhalten des Wassers anzunehmen. Genau darin liegt für mich seine Schönheit.

Im Laufe der Jahre hat sich meine künstlerische Praxis weiterentwickelt: Ich skizziere nicht mehr nur, sondern schaffe auch eigenständige Aquarellkunstwerke, in denen ich bewusst mit Transparenz, Tiefe und der schönen Unberechenbarkeit des Mediums spiele.

Wie lange malen Sie schon?
Schon als Kind habe ich das Zeichnen, Basteln und Bauen geliebt. Mit der Zeit, durch Schule, Nebenjob und mein Studium, blieb mir immer weniger Zeit für diese Leidenschaft. 2017 entdeckte ich sie jedoch durch das Urban Sketching wieder. Ich verliebte mich in das schnelle Festhalten von Szenen vor Ort und in die Arbeit mit Aquarellfarben.

Haben Sie eine formale künstlerische Ausbildung genossen?
Ja, ich habe eine formale künstlerische Ausbildung. In der Schule habe ich fortgeschrittene Kunstkurse belegt, was mir eine solide Grundlage gegeben hat. Darüber hinaus habe ich zahlreiche Online-Kurse bei renommierten Künstlern sowie Präsenzseminare absolviert. Durch diese Erfahrungen konnte ich meinen eigenen künstlerischen Stil entwickeln und verfeinern.

Gleichzeitig betrachte ich mich größtenteils als Autodidakt – ich experimentiere gern mit verschiedenen Materialien und lerne durch Übung stetig dazu. Ich male nicht, weil ich es gelernt habe, sondern weil es mich antrieb.

Sind Sie ein professioneller Künstler oder ein Hobbykünstler?
Ich würde mich selbst als Hobbykünstler bezeichnen. Ich schätze die Freiheit sehr, die mir die finanzielle Unabhängigkeit vom Verkauf meiner Kunst oder meines Wissens bietet. Ich glaube, diese Unabhängigkeit wirkt sich äußerst positiv auf meinen kreativen Prozess aus.

Es erlaubt mir, ganz nach meinen momentanen Vorlieben und Inspirationen zu gestalten – ohne Druck oder Verpflichtungen. Meine Herangehensweise ist von Neugier und Leidenschaft geprägt, nicht von Erwartungen. Das hilft mir, authentisch zu bleiben und offen für Neues zu sein.

Wer und/oder was dient Ihnen als Inspiration?
Ich lasse mich von den Dingen inspirieren, die ich im Alltag und auf Reisen sehe und erlebe. Ich genieße es, meine Umgebung genau zu beobachten und zu versuchen, diese Eindrücke in meine Kunst einfließen zu lassen.

Ich lasse mich auch von anderen Künstlern inspirieren – von ihren Techniken, Stilen und ihrer Weltsicht. Ich greife gerne Elemente aus verschiedenen Quellen auf und kombiniere sie auf meine eigene Weise. Inspiration ist für mich ein fortwährender Prozess des Beobachtens, Lernens und Umgestaltens dessen, was mir begegnet, zu etwas Persönlichem und Bedeutungsvollem.

Welche Musik hörst du beim Malen?
Das hängt ganz von der Situation und meiner Stimmung ab. Ich höre sehr gerne Musik – von Klassik über Hip-Hop bis Rock – und wähle das, was sich im jeweiligen Moment richtig anfühlt.

Musik ist allerdings nicht zwingend notwendig für meinen kreativen Prozess. Manchmal male ich mit Musik, manchmal bevorzuge ich die Stille. Beides kann auf unterschiedliche Weise inspirierend sein.

Hattest du einen Mentor?
Ich hatte eigentlich nie einen Mentor. Das meiste, was ich weiß, habe ich mir durch Selbststudium und kontinuierliches Üben angeeignet.

Dennoch wurde ich auf meinem Weg von vielen Künstlern beeinflusst – durch Kurse, Workshops und ihre Werke –, was mich auf unterschiedliche Weise geprägt hat. Ich sehe meinen Weg als weitgehend selbstbestimmt an, geformt von Neugier, Experimentierfreude und der Bereitschaft, stetig dazuzulernen.

Malst du jeden Tag?
Ich versuche, jeden Tag zu malen, da es eine gute Übung ist und mir hilft, im kreativen Fluss zu bleiben und effizienter zu werden. Ich finde Inspiration im Alltag, sodass immer etwas eine Idee auslösen kann.

Allerdings klappt es nicht immer – manchmal bin ich zu müde oder mit anderen Dingen beschäftigt. Für mich ist künstlerisches Schaffen auch eine Möglichkeit, mich zu entspannen und neue Kraft zu tanken, eine Art Ruheoase im Alltag. Deshalb versuche ich, es so natürlich wie möglich zu gestalten und nicht zu erzwingen.

Malst du ein Bild nach dem anderen oder arbeitest du an mehreren gleichzeitig?
Das kommt ganz darauf an. Beim Malen mit Aquarellfarben muss man oft warten, bis die einzelnen Schichten getrocknet sind, bevor man weitermachen kann. Daher kann es hilfreich sein, in dieser Zeit zwischen verschiedenen Bildern zu wechseln. Manchmal verschafft mir auch eine Pause von einem Bild eine neue Perspektive.

Trotzdem schließe ich oft ein Werk ab, bevor ich mit dem nächsten beginne. Das hilft mir, konzentriert zu bleiben und mich voll und ganz auf den Prozess einzulassen. Gleichzeitig bleibe ich flexibel und passe mich den Gegebenheiten und den Anforderungen des Kunstwerks an.

Erstellen Sie zuerst ein Konzept?
Das kommt auf das jeweilige Werk an. Manchmal plane ich gerne im Voraus und notiere mir sogar die einzelnen Schritte, die ich unternehmen möchte, insbesondere wenn ich bestimmte Effekte erzielen oder bestimmte Techniken anwenden will. So ein Plan kann wirklich hilfreich sein.

Gleichzeitig entstehen viele meiner Kunstwerke spontan. Ich lasse gerne Raum für Intuition und sogar ein wenig Zufall und lasse das Werk sich ohne festen Plan natürlich entwickeln.

Malen Sie lieber im Atelier oder im Freien?
Ich genieße beides. Das Malen im Freien bereitet mir viel Freude – ich liebe es, Inspirationen im Moment direkt in meinem Skizzenbuch festzuhalten und gleichzeitig die Atmosphäre und das Wetter zu genießen.

Gleichzeitig hat die Arbeit in meinem Heimstudio auch ihre Vorteile. Manchmal lässt das Wetter das Malen im Freien einfach nicht zu, und im Studio habe ich alles, was ich brauche, direkt vor mir. Ich kann mich leichter vorbereiten, Pausen einlegen, wann immer ich will, und arbeiten, ohne mein gesamtes Material mit mir herumtragen zu müssen.

Wie viele Kernfarben verwenden Sie?
Ich mag die Vielfalt der Farben und schätze besonders die Diversität und Qualität der Pigmente von Daniel Smith. In meinen Kunstwerken arbeite ich oft mit einer reduzierten Farbpalette – meist drei bis fünf Farben –, um Harmonie und Fokus zu schaffen.

Ich arbeite auch gelegentlich gerne monochrom, da ich mich so ganz auf die Farbwerte konzentrieren und die subtilen Variationen innerhalb eines einzigen Farbtons erkunden kann.

Tuben, Pfannen oder Stäbe?
Das kommt auf die Situation an. Für bestimmte Techniken sind Tubenfarben in pastöser Form wichtig und vorteilhaft. Wenn ich in meinem Heimstudio arbeite, verwende ich in der Regel Tubenfarben.

Beim Urban Sketching bevorzuge ich Näpfchen oder Stäbchen, da ich mein Equipment leicht und tragbar halten möchte. Besonders gerne verwende ich Stäbchen, weil ich dafür eine maßgeschneiderte Halterung entworfen und diese per 3D-Druck an meine Bedürfnisse angepasst habe. So lassen sich mehrere Stäbchen unterschiedlicher Größe übersichtlich verstauen. Der Deckel dient gleichzeitig als Wasserbehälter und bietet eine sichere Möglichkeit, die Stäbchen zu transportieren und aufzubewahren.

Verwenden Sie Maskierungsflüssigkeit?
Ja, ich verwende Maskierflüssigkeit manchmal, besonders wenn ich sicherstellen möchte, dass bestimmte Bereiche meines Gemäldes unberührt bleiben oder weiß bleiben. Sie ist ein sehr nützliches Hilfsmittel in der Aquarellmalerei, um Lichter und Details zu erhalten.

Woran erkennen Sie, dass Ihr Werk fertig ist?
Das ist eine gute – aber auch schwierige – Frage. Normalerweise weiß ich, dass ein Werk fertig ist, wenn ich mit dem Ergebnis zufrieden bin. Manchmal hilft es, etwas Abstand vom Kunstwerk zu gewinnen oder es später noch einmal zu betrachten, um Abstand zu gewinnen. Oft wird dadurch deutlich, ob etwas fehlt oder angepasst werden muss.

Generell habe ich gelernt, dass weniger oft mehr ist. Es ist wichtig, der Fantasie des Betrachters Raum zu lassen, und wenn ein Werk erst einmal überstrapaziert ist, gibt es kein Zurück mehr.