En la pintura a la acuarela existen muchas técnicas para proteger las zonas claras del papel, como los líquidos de enmascaramiento y las cintas adhesivas, pero yo prefiero preservar las zonas claras pintando a su alrededor... pintando el espacio negativo.
La pintura negativa es un enfoque único de pintar alrededor de un objeto para definirlo en una composición. Cuando trabajamos con acuarela, tenemos el desafío que otros medios no tienen: es lo que no La pintura se convierte en el elemento más importante. Imagínate como un escultor de piedra, cincelando hasta que solo quedan los destellos más preciados.
No uso pinturas opacas para la técnica de pintura negativa. Las pinturas opacas son excelentes para dar toques de acento al final, pero no para veladuras (una capa transparente de color aplicada sobre un área seca previamente pintada). La técnica de pintura negativa requiere numerosas veladuras que se volverían turbias con pinturas opacas. Para determinar si tus pinturas son opacas o transparentes, lee la etiqueta del producto, consulta la carta de colores o realiza esta sencilla prueba. Con un rotulador permanente negro, traza una línea gruesa sobre un trozo de papel de acuarela. Aplica un poco de pintura con la consistencia de la crema sobre la línea negra. Si la línea se difumina, la pintura es opaca. Los colores de la línea superior son opacos y los de la línea inferior son transparentes.
Cuando dibujo para una pintura negativa, presto especial atención al espacio negativo: las formas entre los elementos. Busco variedad de formas y tamaños. Dibujo lo suficiente para plasmar las formas generales, pero no me limito a lo que veo. De hecho, es importante comprender que se desarrollarán formas adicionales durante el proceso de pintura, así que no hay que dibujar en exceso.
Para determinar qué 3 colores usaré para la imprimación, hago numerosas muestras. Las muestras contendrán rojo, azul y amarillo. Los colores no tienen por qué ser primarios. Al mezclar los colores, es importante que la pintura tenga la misma consistencia para facilitar una buena mezcla sobre el papel. Busco colores que transmitan la sensación subyacente del tema. Los 3 colores que seleccioné aquí son: Oro de quinacridona (QG), Azul de cobalto (CB) y Rosa de quinacridona (QR).
Humedezco todo el papel con agua limpia y aplico los tres colores por separado sobre la superficie húmeda. Pinto en ángulo para favorecer la mezcla, ya que la pintura se desliza por el papel. No trabajo demasiado la superficie con el pincel, sino que dejo que la pintura se mezcle sobre el papel. Dejo secar completamente.
Utilizaré los tres colores originales durante todo el proceso de pintura. Los considero mis colores madre, pero añadiré otros a medida que la obra avance. Empiezo pintando contornos definidos en la rosa y algunas hojas, y los suavizo con agua a medida que me alejo del sujeto. A esto lo llamo la etapa inicial de una pintura, porque a menudo se ve y se siente extraña. Dejo secar completamente. Me concentro en el espacio y las formas intermedias.
Con cada veladura, creo nuevas formas negativas y tonos más oscuros. A veces, suavizo los bordes con una ligera bruma de un pulverizador mientras la pintura aún está húmeda. Deja secar completamente entre veladuras, de lo contrario los colores se volverán opacos.
En la etapa final, pinto los tonos más oscuros y las formas más pequeñas. Utilizo un verde intenso y profundo hecho con turquesa ftalocianina y Siena tostada italiana. Mientras la mezcla de pintura verde aún está húmeda sobre el papel, dejo caer una pequeña cantidad de Carmesí de alizarina permanente. La adición de este rojo realza los verdes. Puedes ver un ejemplo justo debajo de la rosa de la izquierda. Coloco selectivamente los tonos más oscuros cerca de los claros para intensificar el punto focal. Termino con algunos detalles.
