Il existe de nombreuses techniques pour préserver les zones claires du papier en aquarelle, notamment les liquides de masquage et les rubans adhésifs – mais je préfère préserver les zones claires en peignant autour d'elles… en peignant l'espace négatif.
La peinture négative est une approche unique qui consiste à peindre autour d'un objet pour le définir dans une composition. En aquarelle, nous sommes confrontés à un défi que les autres médiums n'ont pas : c'est ce que nous ne le faites pas La peinture devient l'élément essentiel. Imaginez-vous comme un sculpteur sur pierre, taillant la pierre jusqu'à ce qu'il ne reste que les reflets les plus précieux.
Je n'utilise pas de peintures opaques pour la peinture en négatif. Les peintures opaques sont idéales pour les touches finales, mais pas pour les glacis (un lavis transparent appliqué sur une zone déjà peinte et sèche). La technique de la peinture en négatif exige de nombreux glacis qui, avec des peintures opaques, donneraient un résultat brouillé. Pour déterminer si vos peintures sont opaques ou transparentes, consultez l'étiquette du produit, le nuancier ou effectuez ce test simple : tracez un trait épais avec un marqueur noir permanent sur une feuille de papier aquarelle. Appliquez ensuite un peu de peinture de consistance crème sur ce trait. Si le trait est partiellement masqué, la peinture est opaque. Les couleurs de la ligne du haut sont opaques, et celles de la ligne du bas sont transparentes.
Lorsque je dessine pour une peinture en négatif, je suis particulièrement attentive à l'espace négatif – les formes entre les éléments. Je recherche la variété des formes et des tailles. Je dessine suffisamment pour saisir les formes générales, mais je ne me limite pas à ce que je vois. En fait, il est important de comprendre que des formes supplémentaires se développeront au cours du processus de création, il ne faut donc pas trop dessiner.
Pour déterminer les trois couleurs que j'utiliserai pour la sous-couche, je réalise de nombreux échantillons. Ces échantillons contiennent du rouge, du bleu et du jaune. Il n'est pas nécessaire que ce soient des couleurs primaires. Lors du mélange, il est important que la peinture ait la même consistance afin de favoriser un bon mélange sur le papier. Je recherche des couleurs qui traduisent l'atmosphère du sujet. Les trois couleurs que j'ai sélectionnées ici sont : Quinacridone Or (QG), Bleu cobalt (CB), et Rose de quinacridone (QR).
J'humidifie entièrement la feuille de papier avec de l'eau claire et j'y applique les trois couleurs séparément. Je peins en biais pour favoriser le mélange, la peinture coulant le long du papier. Je ne travaille pas trop la surface avec le pinceau, mais je laisse plutôt la peinture se mélanger sur le papier. Je laisse sécher complètement.
J'utiliserai les trois couleurs originales tout au long du processus de création. Je les considère comme mes “ couleurs mères ”, mais j'ajouterai d'autres couleurs au fur et à mesure que la peinture évolue. Je commence par peindre des contours nets sur la rose et certaines feuilles, puis j'estompe ces contours à l'eau en m'éloignant du sujet. C'est ce que j'appelle l'adolescence d'une peinture, car elle paraît souvent maladroite. Laisser sécher complètement. Je me concentre ensuite sur l'espace et les formes.
À chaque glacis, je crée de nouvelles formes négatives et des valeurs plus foncées. J'adoucis parfois les contours avec une légère brume d'aérosol tant que la peinture est encore humide. Il faut bien laisser sécher entre chaque glacis, sinon les couleurs deviendront ternes.
Dans la dernière étape, je peins les zones les plus sombres et les formes les plus petites. J'utilise un vert profond et riche, obtenu avec Turquoise phtalo et Terre de Sienne brûlée italienne. Tant que le mélange de peinture verte est encore humide sur le papier, je dépose une petite quantité de Alizarine cramoisie permanente. L'ajout de ce rouge dynamise les verts. Vous pouvez en voir un exemple juste en dessous de la rose de gauche. Je choisis avec soin de placer mes tons les plus foncés près des tons clairs afin d'intensifier la zone focale. Je termine par quelques détails.
