Esistono molte tecniche per preservare le zone chiare della carta nella pittura ad acquerello, tra cui liquidi mascheranti e nastri adesivi, ma io preferisco preservare le zone chiare dipingendo intorno ad esse... dipingendo lo spazio negativo.
La pittura negativa è un approccio unico che consiste nel dipingere attorno a un oggetto per definirlo in una composizione. Quando lavoriamo con l'acquerello, abbiamo la sfida che altri mezzi non hanno: è ciò che noi non La pittura diventa l'elemento più importante. Immagina di essere uno scultore che scolpisce la pietra, fino a quando non rimangono solo le luci più preziose.
Non uso colori opachi per la pittura negativa. I colori opachi sono ottimi per i tocchi finali, ma non per le velature (una velatura trasparente di colore applicata su una superficie asciutta e precedentemente dipinta). La tecnica della pittura negativa richiede numerose velature che, con i colori opachi, risulterebbero opache e poco omogenee. Per capire se i vostri colori sono opachi o trasparenti, leggete l'etichetta del prodotto, consultate la cartella colori o fate questo semplice test. Con un pennarello indelebile nero, tracciate una linea spessa su un foglio di carta per acquerello. Stendete un po' di colore dalla consistenza cremosa sulla linea nera. Se la linea viene oscurata, il colore è opaco. I colori sulla linea superiore sono opachi, mentre quelli sulla linea inferiore sono trasparenti.
Quando realizzo uno schizzo preparatorio per un dipinto in negativo, presto particolare attenzione allo spazio negativo, ovvero alle forme tra gli elementi. Desidero una varietà di forme e dimensioni. Disegno quanto basta per definire le forme generali, ma non mi limito a ciò che vedo. Anzi, è importante capire che ulteriori forme verranno sviluppate durante il processo di pittura, quindi è bene non esagerare con i disegni.
Per determinare quali 3 colori userò per la preparazione del fondo, realizzo numerosi campioni. I campioni conterranno un rosso, un blu e un giallo. I colori non devono necessariamente essere colori primari veri e propri. Quando mescolo i colori, è importante che la pittura abbia la stessa consistenza per favorire una buona miscelazione sulla carta. Cerco colori che abbiano la sensazione di fondo del soggetto. I 3 colori che ho selezionato qui sono Oro chinacridato (QG), Blu cobalto (CB) e Rosa chinacridone (QR).
Inumidisco l'intero foglio con acqua pulita e applico i 3 colori separatamente sulla carta bagnata. Dipingo inclinando il pennello per favorire la miscelazione, in modo che il colore coli lungo la carta. Non lavoro eccessivamente la superficie con il pennello, ma lascio che il colore si mescoli sulla carta. Lascio asciugare completamente.
Utilizzerò i 3 colori originali durante tutto il processo di pittura. Li considero i miei "colori madre", ma aggiungerò altri colori man mano che il dipinto si evolve. Inizio dipingendo contorni netti intorno alla rosa e ad alcune foglie, e ammorbidisco i bordi con l'acqua man mano che mi allontano dal soggetto. Questo è ciò che chiamo l'adolescenza di un dipinto, perché spesso appare e risulta goffo. Lascio asciugare completamente. Mi concentro sullo spazio e sulle forme intermedie.
Con ogni velatura, creo nuove forme negative e valori più scuri. A volte smorzo i bordi con una leggera nebulizzazione da un flacone spray mentre il colore è ancora umido. Lascia asciugare completamente tra una velatura e l'altra, altrimenti i colori diventeranno torbidi.
Nella fase finale, dipingo i toni più scuri e le forme più piccole. Uso un verde intenso e ricco ottenuto con Turchese ftalocianina E Terra di Siena bruciata italiana. Mentre la miscela verde di pittura è ancora bagnata sulla carta, ne verso una piccola quantità Rosso Alizarina Permanente. L'aggiunta di questo rosso ravviva i verdi. Potete vederne un esempio proprio sotto la rosa a sinistra. Scelgo con cura di posizionare le tonalità più scure vicino a quelle più chiare per intensificare l'area focale. Concludo con alcuni dettagli.
