Er zijn veel technieken om lichte gedeelten van het papier te behouden bij aquarelverf, zoals maskeervloeistoffen en tape – maar ik geef er de voorkeur aan om de lichte gedeelten te behouden door eromheen te schilderen... door de negatieve ruimte te beschilderen.
Negatieve schilderkunst is een unieke benadering waarbij rond een object wordt geschilderd om het in een compositie te definiëren. Bij het werken met aquarelverf staan we voor een uitdaging die andere mediums niet hebben – het is wat we niet doen Verf wordt dan het belangrijkste element. Zie jezelf als een steenhouwer die stukjes weghakt, tot alleen de meest kostbare lichtjes overblijven.
Ik gebruik geen dekkende verf voor negatief schilderen. Dekkende verf is geweldig voor accenten aan het einde, maar niet voor glazuurverf (een transparante laag kleur die over een droog, eerder geschilderd oppervlak wordt aangebracht). De negatief schildertechniek vereist meerdere glazuurlagen, die met dekkende verf troebel zouden worden. Om te bepalen of je verf dekkend of transparant is, lees je het etiket, raadpleeg je de kleurenkaart of doe je deze eenvoudige test. Trek met een zwarte watervaste stift een dikke lijn over een vel aquarelpapier. Breng vervolgens met een kwast wat verf met de consistentie van room aan op de zwarte lijn. Als de lijn ook maar enigszins vervaagt, is de verf dekkend. De kleuren op de bovenste lijn zijn dekkend en op de onderste lijn zijn transparant.
Als ik schetsen maak voor een negatief schilderij, let ik vooral op de negatieve ruimte – de vormen tussen de objecten. Ik wil variatie in vorm en grootte. Ik schets genoeg om de algemene vormen vast te leggen, maar ik ben niet gebonden aan wat ik zie. Sterker nog, het is belangrijk om te begrijpen dat er tijdens het schilderproces nog meer vormen zullen ontstaan, dus schets niet te veel.
Om te bepalen welke 3 kleuren ik voor de onderschildering ga gebruiken, maak ik talloze kleurstalen. Deze stalen bevatten rood, blauw en geel. De kleuren hoeven geen echte primaire kleuren te zijn. Bij het mengen van de kleuren is het belangrijk dat de verf een gelijkmatige consistentie heeft, zodat de kleuren goed mengen op het papier. Ik zoek naar kleuren die de onderliggende sfeer van het onderwerp weergeven. De 3 kleuren die ik hier heb gekozen zijn: Quinacridon-goud (QG), Kobaltblauw (CB), en Quinacridone Rose (QR).
Ik maak het hele papier nat met schoon water en breng de drie kleuren afzonderlijk aan op het natte papier. Ik schilder onder een hoek om het mengen te bevorderen, doordat de verf langs het papier naar beneden loopt. Ik bewerk het oppervlak niet te veel met een kwast, maar laat de verf juist op het papier mengen. Laat het volledig drogen.
Ik zal de drie originele kleuren gedurende het hele schilderproces gebruiken. Ik beschouw deze als mijn 'moederkleuren', maar ik zal gaandeweg extra kleuren toevoegen naarmate het schilderij zich ontwikkelt. Ik begin met het schilderen van scherpe lijnen tegen de roos en een deel van de bladeren, en verzacht de lijnen met water naarmate ik verder van het onderwerp af werk. Dit noem ik de adolescentie van een schilderij, omdat het er vaak onhandig uitziet en aanvoelt. Laat het goed drogen. Ik concentreer me op de ruimte en de vormen ertussen.
Met elke glazuurlaag creëer ik nieuwe negatieve vormen en donkerdere tinten. Soms verzacht ik de randen met een lichte nevel uit een spuitfles terwijl de verf nog nat is. Laat de verf goed drogen tussen de glazuurlagen, anders worden de kleuren troebel.
In de laatste fase schilder ik de donkerste tinten en de kleinste vormen. Ik gebruik een rijke, diepe groene kleur die ik maak met Phthalo Turkoois En Italiaanse gebrande sienna. Terwijl het groene verfmengsel nog nat is op het papier, laat ik een kleine hoeveelheid vallen. Permanent Alizarine Karmijn. De toevoeging van dit rood fleurt het groen op. Je kunt hier een voorbeeld van zien direct onder de roos links. Ik plaats mijn donkerste tinten selectief dicht bij mijn lichte tinten om het focuspunt te versterken. Ik werk af met een paar details.
