Les ombres de l'après-midi jouent sur le visage des roches blanches et rose saumon que Georgia O'Keeffe a d'abord portées à l'attention du monde il y a plus de 50 ans. Le méandre et le rythme de la lumière me fascinent alors que je fais un rapide croquis de valeur/composition.

Où commencer?  Mes élèves connaissent ma devise : "Le plus léger, le plus brillant ou le plus effrayant, d'abord !" Pendant que je fais un sous-lavage intégral de Jaune d'auréoline  pour la lumière du soleil omniprésente du Nouveau-Mexique - nous décidons de commencer par le rocher. J'explique que j'utiliserai principalement des pigments granulaires pour aider à décrire les couches de grès. Je mélange beaucoup de peintures sur le papier pour avoir la joie de les voir danser ensemble. La plupart de mes peintures seront réalisées sur du papier pressé à froid de 140 livres collé sur une planche.

Vous arrive-t-il de commencer par le ciel ?  Je le fais si la peinture parle du ciel. Parce que dans cette peinture, la roche est au centre et que je veux que la valeur de la roche blanche ombragée soit juste légèrement plus claire que le ciel, je choisis d'ajouter le ciel plus tard. Je sais que je pourrai mieux ajuster la valeur du ciel à la roche plutôt que l'inverse. Je commence par les couches supérieures blanchâtres, en traitant la partie ombrée avec le mélange #1 tout en ajoutant lentement plus de bleu de cobalt au fur et à mesure que la roche émerge dans la lumière - pour l'ombre centrale. Je ne peux tout simplement pas m'empêcher d'ajouter un peu d'Auréoline au bleu pour les regarder se mélanger.

Qu'en est-il de toutes les crevasses et fissures ?  Je laisserai la plupart de ceux-ci à la fin lorsque les variations naturelles des pigments pourront mieux me montrer où les placer. En attendant, je suggère juste la surface inégale, mouillé sur mouillé - avec parcimonie.

Passons aux couches rouges inférieures…  Je peins en rubans horizontaux en prenant soin d'aller légèrement sur la zone éclairée par le soleil. J'ai utilisé des mélanges #2, #3, #4 plus des passages de Rose Madder* — laissant quelques éclats blancs horizontaux pour accentuer les couches. Je peins autour des formes d'arbres et porte certains des mélanges les plus légers au premier plan - autour de certains arbres et à travers certains autres.

*Note de l'éditeur - Rose Madder Genuine n'est plus disponible. Nous offrons maintenant Rose Garance Permanente.

Côté gauche, en partant du haut :

• Mélange incroyable #9 – Jaune d'auréoline et Bleu cobalt
• Mélange incroyable #1 – Titane chamois et Violette de cobalt
• Quinacridone Rose accent dans la crevasse de Garance Rose
• Auréoline sous-lavage
• Mélange incroyable #4 – Quinacridone Rose, Orange Brûlée Quinacridone et Rouge Vénitien
• Plus sec Or quinacridone appliqué dans humide, faible Bleu cobalt zone vitrée
• Mélange incroyable #6 – Nouveau Gamboge avec Orange Brûlée Quinacridone, Sienne brûlée et Turquoise Outremer
• Accents de Bleu céruléen
• Violette de cobalt, Quinacridone Rose, Bleu outremer ajouté dans les passages des ombres portées Amazing Mix #10 – Bleu cobalt et Garance Rose

Côté droit, en partant du haut :

• Jaune d'auréoline avec Titane chamois
• Mélange incroyable #1 – Titane chamois et Violette de cobalt avec Bleu cobalt ajoutée
• Glaçage bleu cobalt sur Amazing Mix #2 – Titane chamois et Garance Rose
• Mélange incroyable #10 – Bleu cobalt et Garance Rose sur sous-jacent Amazing Mix #2 – Titane chamois et Garance Rose, Mélange incroyable #3 – Terre lunaire et Sienne brûlée et incroyable mélange #4 – Quinacridone Rose, Orange Brûlée Quinacridone et Rouge Vénitien
• Mélange incroyable #5 – Orange Brûlée Quinacridone, Sienne brûlée et Turquoise Outremer avec Amazing Mix #7 – Vert cobalt et Nickel azoïque et incroyable mélange #8 – Naphtamide Bordeaux et Quinacridone Magenta utilisé dans tous les arbres
• Violette de Quinacridone, Violette de carbazole et Bleu outremer mélangé dans des ombres avec du vert foncé.

Et si vous pensez que les couleurs sont trop claires ou pas assez vives… allez-vous ajouter plus de peintures maintenant ?  Non. Je sais qu'à la fin, j'ajouterai les ombres portées, ce qui assombrit considérablement les zones ombragées des rochers. Je préfère garder les passages rocheux frais et propres plutôt que de trop m'en soucier maintenant. Je peux faire des ajustements plus tard. « Gratification différée » — mantra de l'aquarelliste ! Il est temps de mettre une partie de l'obscurité la plus sombre afin que je puisse commencer à voir toute la gamme de valeurs de la peinture. J'ai besoin d'entrer dans les arbres et la végétation du premier plan.

Quels verts utilisez-vous?  J'aime mélanger tous mes légumes verts. Mes mélanges préférés pour les pins foncés et les piñons sont #5 et #6, qui peuvent être refroidis avec le Turquoise Outremer ou réchauffé avec le Orange Brûlée Quinacridone pour les côtés ombragés ou ensoleillés de l'arbre. Je commence chaque arbre du côté ensoleillé avec des oranges ou des jaunes et j'ajoute les tons plus bleus au fur et à mesure que je passe à l'ombre. Au fur et à mesure que je continue avec la végétation, j'en profite pour ajouter des verts #6 et #7, en mélangeant toujours sur le papier et en laissant les pigments se mélanger d'eux-mêmes autant que possible. Pendant que je peins les verts, je me souviens de mettre du Burnt Sienna (#8) à vie. Passons maintenant au ciel pour que tout le papier soit recouvert…

Quel bleu allez-vous utiliser pour le ciel ?  Bon, il va falloir que j'y réfléchisse. Pour garder la peinture principalement chaude, je devrai peut-être faire autre chose - comme utiliser plus de jaune dans le ciel, en particulier à l'horizon pour contraster avec le premier plan. Je vais utiliser #9. En retournant le papier et en l'inclinant vers moi, j'applique l'Auréoline sur toute la zone au-dessus du premier plan. Ensuite, je brosse en Cobalt Blue pour le ciel supérieur, en regardant sécher. En retournant le tableau, je décide d'appliquer des coups de pinceau bleu cobalt pâle à l'horizon inférieur pour les collines lointaines. J'ajoute un peu de Quinacridone Gold avec un pinceau plus sec pour le plaisir et la variété.

Et après?  Nous sommes arrivés à ce que j'appelle « l'adolescence » - un point où la plupart des peintures sont abandonnées ou jetées. Mais vraiment, c'est le moment de prendre du recul et de voir ce qui fonctionne, ce qui ne fonctionne pas et de décider quoi faire à ce sujet.

Après la « Critique adolescente », je sais que j'ai besoin de contraste et d'entrer dans l'ombre portée ! Je mélange une flaque de #10 pour la couleur d'ombre prédominante. La glaçure transparente lavande à bleu laissera transparaître les beaux passages inférieurs des peintures sédimentaires. Je commence en haut à droite et déplace lentement et soigneusement la peinture horizontalement d'avant en arrière sur la page en prenant soin de créer un bord intéressant à l'ombre ainsi qu'aux arbres éclairés en dessous. Tant que le lavage #10 reste humide, je peux rentrer ou accentuer avec une peinture plus foncée et plus sèche. Je continue à créer des motifs intéressants et des passages de #10 horizontalement à travers le chemin, en l'utilisant pour délimiter les bords de la végétation et suggérer l'écoulement des terres. Dans ces formes d'ombre, j'ajoute d'autres couleurs - Cobalt Violet, Quinacridone Pink, Cobalt Blue, Aureolin, Ultramarine Blue - même Buff Titanium - toutes les peintures que j'ai utilisées auparavant dans cette peinture - pour la continuité et le plaisir !

Avez-vous déjà utilisé un pinceau plus petit pour les détails ?  J'aime essayer d'utiliser uniquement mon pinceau plat 1″ parce qu'il me permet de rester lâche et de pratiquer ce que j'appelle des "coups de danse" - en retournant des traits gestuels sombres dans la lumière avec le bord du pinceau, en prenant soin de créer de la variété. Parfois, cependant, j'utilise un petit rond pour des détails particuliers et plus de contrôle.

Comment décidez-vous des détails à mettre?  Je plisse les yeux et laisse la peinture faire des suggestions. Une zone trop plate suggère la création d'un passage légèrement plus sombre - ce qui peut être accompli avec une fissure. Je vais en faire un et ensuite décider si j'en ai besoin de plus. Je sais qu'une fissure de haut en bas aidera à lier la peinture et suggérera en outre la transparence des ombres.

En prenant soin de choisir une zone qui suggérait déjà une fracture, je crée une « ligne » verticale qui s'étend du haut pour disparaître derrière un arbre. La forme de la « ligne » varie avec les couches et les couleurs de la roche. Il devient plus large, plus étroit, change de couleur, saute et passe de la lumière à la zone rocheuse ombragée. J'ajoute quelques autres suggestions d'irrégularités à la surface de la roche et je ne peux tout simplement pas m'empêcher de soulever un éclat de lumière de la pointe du "poignard de lumière" à l'arbre. Lien.

Je continue à adoucir quelques contours ici et là, à donner de la vitalité aux noirs — et pour le dessert… quelques notes de couleurs bien placées pour ajouter un peu de peps ! Quelques touches de Cobalt Turquoise dans l'arbre avant gauche; un soupçon d'orange périnone ou de vermillon biologique dans une crevasse rocheuse ; une touche de céruléen dans l'ombre des feuillages.