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Les ombres de l'après-midi jouent sur les rochers blancs et rose saumon que Georgia O'Keeffe a fait découvrir au monde il y a plus de cinquante ans. Le jeu et le rythme de la lumière me fascinent tandis que je réalise une esquisse rapide des valeurs et de la composition.

Par où commencer ?  Mes élèves connaissent ma devise : “ Le plus clair, le plus brillant ou le plus effrayant, en premier ! ” Pendant que je fais un sous-couche général de Jaune d'auréoline  Sous la lumière omniprésente du Nouveau-Mexique, nous décidons de commencer par la roche. J'explique que j'utiliserai principalement des pigments granulaires pour représenter les différentes couches de grès. Je mélange plusieurs couleurs directement sur le papier, pour le plaisir de les voir s'entremêler. La majeure partie de ma peinture sera réalisée sur du papier grain fin de 300 g/m², pressé à froid et collé sur un support rigide.

Vous arrive-t-il de commencer par le ciel ?  Je procède ainsi si le tableau représente le ciel. Dans celui-ci, le rocher est le sujet principal et je souhaite que sa teinte blanche ombrée soit légèrement plus claire que le ciel. C'est pourquoi je choisis d'ajouter le ciel plus tard. Je sais qu'il me sera plus facile d'ajuster la valeur du ciel à celle du rocher que l'inverse. Je commence par les couches supérieures blanchâtres, en traitant la partie ombrée avec le mélange #1 tout en ajoutant progressivement du bleu cobalt à mesure que le rocher apparaît à la lumière – pour l'ombre portée. Je ne peux m'empêcher d'ajouter un peu d'auréoline au bleu pour observer leur mélange.

Et toutes les crevasses et fissures ?  Je réserverai la plupart de ces techniques pour la fin, lorsque les variations naturelles des pigments me guideront au mieux dans leur application. En attendant, je suggère simplement une surface irrégulière, application humide sur humide – avec parcimonie.

Passons aux couches rouges inférieures…  Je peins en bandes horizontales, en veillant à effleurer les zones ensoleillées. J'utilise les mélanges #2, #3 et #4, auxquels j'ajoute quelques touches de Rose Garance*, laissant apparaître de fines bandes blanches horizontales pour souligner les différentes couches. Je peins autour des formes des arbres et j'applique les mélanges les plus clairs au premier plan, autour de certains arbres et à travers d'autres.

Note de la rédaction : La Rose Madder Genuine n’est plus produite. Nous proposons désormais : Rose Madder Permanent.

color map jan hart

Côté gauche, en partant du haut :

Côté droit, en partant du haut :

Et si vous trouvez que les couleurs sont trop claires ou pas assez vives… allez-vous ajouter plus de peinture maintenant ?  Non. Je sais qu'à la fin, j'ajouterai les ombres portées, ce qui assombrira considérablement les zones ombragées des rochers. Je préfère conserver la netteté et la clarté des passages rocheux plutôt que de trop m'en préoccuper maintenant. Je pourrai faire des ajustements plus tard. “ La patience est une vertu ” : le mantra de l'aquarelliste ! Il est temps d'appliquer les tons les plus foncés pour commencer à percevoir toute la gamme de valeurs de la toile. Je dois travailler les arbres et la végétation au premier plan.

Quels légumes verts utilisez-vous ?  J'aime mélanger tous mes engrais verts. Mes mélanges préférés pour les pins et les pignons sont le #5 et le #6, qui peuvent être refroidis avec le Turquoise outremer ou réchauffés avec le Quinacridone Orange brûlé Pour les côtés ombragés et ensoleillés de l'arbre, je commence par peindre chaque arbre du côté ensoleillé avec des tons orangés ou jaunes, puis j'ajoute des nuances plus bleues en allant vers l'ombre. Au fur et à mesure que je peins la végétation, j'intègre des verts #6 et #7, en les mélangeant toujours directement sur le papier et en laissant les pigments se mélanger d'eux-mêmes autant que possible. Pendant que je peins les verts, je n'oublie pas d'ajouter de la terre de Sienne brûlée (#8) pour la conservation. Je passe maintenant au ciel afin de couvrir toute la feuille…

Quelle couleur de bleu utiliserez-vous pour le ciel ?  Bon, il va falloir que j'y réfléchisse. Pour conserver une dominante chaude dans le tableau, je devrai peut-être faire autre chose : utiliser davantage de jaune dans le ciel, surtout à l'horizon, pour créer un contraste avec le premier plan. J'utiliserai la teinte #9. Je retourne la feuille et l'incline vers moi, puis j'applique de l'auréoline sur toute la zone au-dessus du premier plan. Ensuite, je peins le bleu cobalt pour la partie supérieure du ciel, en observant le séchage. Je retourne le tableau et décide d'appliquer de légers coups de pinceau bleu cobalt à l'horizon inférieur pour représenter les collines au loin. J'ajoute une touche d'or quinacridone avec un pinceau plus sec, pour apporter une note ludique et variée.

Et ensuite ?  Nous voici arrivés à ce que j'appelle “ l'adolescence ” — un stade où la plupart des tableaux sont abandonnés ou jetés. Mais en réalité, c'est le moment de prendre du recul, d'analyser ce qui fonctionne, ce qui ne fonctionne pas, et de décider de la marche à suivre.

Après la “ Critique de l'adolescent ”, je sais qu'il me faut du contraste et travailler les ombres portées ! Je prépare une petite quantité de #10 pour la couleur dominante des ombres. Le glacis transparent, tirant sur le lavande et le bleu, laissera transparaître les magnifiques coulures des peintures sédimentaires. Je commence en haut à droite et, lentement et avec précaution, je déplace la peinture horizontalement d'avant en arrière sur la page, en veillant à créer un contour intéressant pour l'ombre ainsi que pour les arbres éclairés en contrebas. Tant que le lavis de #10 reste humide, je peux l'estomper ou l'accentuer avec une peinture plus foncée et plus sèche. Je continue en créant des motifs et des passages intéressants de #10 horizontalement sur le chemin, l'utilisant pour délimiter les contours de la végétation et suggérer le relief. Dans ces formes d'ombre, j'ajoute des touches d'autres couleurs — Violet cobalt, Rose quinacridone, Bleu cobalt, Auréoline, Bleu outremer — et même Beige titane — toutes les peintures que j'ai déjà utilisées dans cette œuvre — pour assurer la continuité et apporter une touche ludique !

Vous arrive-t-il d'utiliser un pinceau plus petit pour les détails ?  J'aime utiliser uniquement mon pinceau plat de 2,5 cm, car cela me permet de rester spontanée et de pratiquer ce que j'appelle les “ coups dansants ” : des traits gestuels, passant du foncé au clair avec le bord du pinceau, en veillant à varier les couleurs. Parfois, j'utilise cependant un petit pinceau rond pour des détails précis et un meilleur contrôle.

Comment décider quels détails inclure ?  Je plisse les yeux et laisse la peinture me guider. Une zone trop plate suggère la création d'un passage légèrement plus sombre, ce que je peux réaliser avec une fissure. J'en ferai une et déciderai ensuite s'il en faut davantage. Je sais qu'une fissure de haut en bas contribuera à harmoniser la composition et à accentuer la transparence des ombres.

En choisissant soigneusement une zone suggérant déjà une fracture, je trace une “ ligne ” verticale qui s'étend du sommet jusqu'à disparaître derrière un arbre. La forme de cette “ ligne ” varie selon les couches et les couleurs de la roche. Elle s'élargit, se rétrécit, change de couleur, zigzague et traverse la zone éclairée pour rejoindre la zone ombragée. J'ajoute quelques autres irrégularités à la surface de la roche et ne peux m'empêcher de faire jaillir un fin trait de lumière de l'extrémité de cette “ dague lumineuse ” vers l'arbre. Connexion.

Je continue en adoucissant ici et là les contours, en ravivant les tons sombres — et pour finir… quelques touches de couleur bien placées pour une note de peps ! Quelques pointes de Turquoise Cobalt sur l’arbre au premier plan à gauche ; un soupçon d’Orange Périnone ou de Vermillon Bio dans une anfractuosité rocheuse ; une touche de Céruléen dans l’ombre du feuillage.

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