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Le ombre pomeridiane giocano sulla superficie delle rocce bianche e rosa salmone che Georgia O'Keeffe portò per la prima volta all'attenzione del mondo oltre 50 anni fa. Il movimento sinuoso e il ritmo della luce mi affascinano mentre realizzo un rapido schizzo di valori tonali e composizione.

Da dove cominciare?  I miei studenti conoscono il mio motto: "Il più chiaro, il più luminoso o il più spaventoso, prima!" Mentre eseguo un lavaggio di base completo Giallo aureolina  Per la luce solare pervasiva del New Mexico, decidiamo di iniziare dalla roccia. Spiego che userò principalmente pigmenti granulari per descrivere gli strati di arenaria. Mescolo molti dei colori direttamente sulla carta, così da poter godere della loro magia e vederli danzare insieme. La maggior parte del mio dipinto sarà realizzata su carta pressata a freddo da 140 libbre, fissata con nastro adesivo a un supporto rigido.

Inizi mai a disegnare dal cielo?  Lo faccio se il dipinto riguarda il cielo. Poiché in questo dipinto il punto focale è la roccia e voglio che il valore della roccia bianca in ombra sia leggermente più chiaro del cielo, scelgo di aggiungere il cielo in seguito. So che sarò in grado di regolare meglio il valore del cielo in base alla roccia, piuttosto che il contrario. Inizio con gli strati superiori biancastri, trattando la parte in ombra con la miscela #1 mentre aggiungo lentamente più blu cobalto man mano che la roccia emerge alla luce, per l'ombra principale. Non riesco a resistere alla tentazione di aggiungere un po' di aureolina al blu per vedere come si mescolano.

Che dire di tutte le fessure e crepe?  Lascerò la maggior parte di questi dettagli per la fine, quando le variazioni naturali dei pigmenti mi indicheranno al meglio dove applicarli. Nel frattempo, suggerisco semplicemente una superficie irregolare, bagnata su bagnata, ma con parsimonia.

Passiamo agli strati rossi inferiori…  Dipingo con strisce orizzontali, avendo cura di passare leggermente sulle zone illuminate dal sole. Ho usato le miscele #2, #3, #4 più passaggi di Rosa Robbia* — lasciando alcune schegge orizzontali bianche per accentuare gli strati. Dipingo intorno alle forme degli alberi e porto alcune delle miscele più chiare in primo piano — intorno ad alcuni alberi e attraverso altri.

*Nota dell'editore: Rose Madder Genuine è fuori produzione. Ora offriamo Rosa Robbia Permanente.

color map jan hart

Lato sinistro, dall'alto:

Lato destro, dall'alto:

E se pensassi che i colori siano troppo chiari o non abbastanza brillanti... aggiungeresti altro colore adesso?  No. So che alla fine aggiungerò le ombre proiettate, che scuriranno notevolmente le zone in ombra delle rocce. Preferisco mantenere i passaggi rocciosi freschi e puliti piuttosto che preoccuparmene troppo ora. Posso apportare modifiche in seguito. "Gratificazione differita" - il mantra dell'acquerellista! È ora di aggiungere un po' di nero più scuro in modo da poter iniziare a vedere l'intera gamma di valori del dipinto. Devo arrivare agli alberi e alla vegetazione in primo piano.

Che verdure usi?  Mi piace mescolare tutti i miei verdi. I miei mix preferiti per i pini scuri e i piñons sono #5 e #6, che possono essere raffreddati con il turchese oltremare o riscaldato con il Chinacridone Arancia Bruciata Per i lati in ombra e quelli soleggiati dell'albero. Inizio ogni albero dal lato soleggiato con arancioni o gialli e aggiungo le tonalità più bluastre man mano che mi sposto verso l'ombra. Mentre continuo con la vegetazione, colgo l'occasione per aggiungere i verdi #6 e #7, mescolandoli sempre direttamente sulla carta e lasciando che i pigmenti si mescolino il più possibile. Mentre dipingo i verdi, mi ricordo di aggiungere un po' di Terra di Siena Bruciata (#8) per dare vita al colore. Ora passo al cielo, in modo che l'intero foglio sia coperto...

Quale tonalità di blu userai per il cielo?  Beh, dovrò pensarci. Per mantenere il dipinto prevalentemente caldo, potrei dover fare qualcos'altro, come usare più giallo nel cielo, soprattutto all'orizzonte, per creare contrasto con il primo piano. Userò il #9. Capovolgendo il foglio e inclinandolo verso di me, applico l'Aureolina su tutta l'area sopra il primo piano. Poi stendo il Blu Cobalto per la parte superiore del cielo, osservandolo mentre si asciuga. Rigirando il dipinto, decido di applicare delle leggere pennellate di Blu Cobalto all'orizzonte inferiore per le colline in lontananza. Aggiungo un po' di Oro Chinacridone con un pennello più asciutto per variare e dare un tocco di originalità.

Cosa succederà ora?  Siamo giunti a quella che io chiamo "Adolescenza": un momento in cui la maggior parte dei quadri viene abbandonata o buttata via. Ma in realtà, è il momento di fare un passo indietro, osservare cosa funziona, cosa non funziona e decidere cosa fare al riguardo.

Dopo la "Critica dell'adolescente", so di aver bisogno di contrasto e di lavorare sulle ombre proiettate! Preparo una pozza di #10 per il colore predominante dell'ombra. La velatura trasparente dal lavanda al blu permetterà alle splendide sfumature di pittura sedimentaria di trasparire. Inizio dall'angolo in alto a destra e muovo lentamente e con attenzione il colore orizzontalmente avanti e indietro sulla pagina, facendo attenzione a creare un bordo interessante per l'ombra e per gli alberi illuminati sottostanti. Finché la velatura di #10 rimane umida, posso rifinire o accentuare con colori più scuri e asciutti. Continuo creando motivi e passaggi interessanti di #10 orizzontalmente lungo il sentiero, usandolo per delineare i bordi della vegetazione e suggerire il flusso del terreno. In queste forme d'ombra spruzzo altri colori: Violetto Cobalto, Rosa Chinacridone, Blu Cobalto, Aureolina, Blu Oltremare, persino Titanio Ocra, tutti colori che ho già usato in questo dipinto, per continuità e per un tocco di originalità!

Utilizzi mai un pennello più piccolo per i dettagli?  Mi piace usare solo il mio pennello piatto da 2,5 cm perché mi aiuta a mantenere un movimento fluido e a praticare quella che chiamo "Pennellate danzanti": passo da pennellate gestuali di scuro a chiaro con il bordo del pennello, cercando di creare varietà. A volte, però, uso anche un piccolo pennello rotondo per dettagli particolari e per un maggiore controllo.

Come si decide quali dettagli includere?  Socchiudo gli occhi e lascio che il dipinto mi suggerisca delle idee. Un'area troppo piatta suggerisce la creazione di un passaggio leggermente più scuro, che si può ottenere con una crepa. Ne farò una e poi deciderò se ne servono altre. So che una crepa dall'alto verso il basso contribuirà a dare coesione al dipinto e a suggerire ulteriormente la trasparenza delle ombre.

Scegliendo con cura un'area che suggerisse già una frattura, creo una "linea" verticale che si estende dall'alto fino a scomparire dietro un albero. La forma della "linea" varia a seconda degli strati e dei colori della roccia. Si allarga, si restringe, cambia colore, salta e attraversa la zona rocciosa illuminata per entrare in quella in ombra. Aggiungo qualche altro accenno di irregolarità sulla superficie rocciosa e non resisto alla tentazione di sollevare un velo di luce dalla punta del "pugnale di luce" verso l'albero. Connessione.

Proseguo ad ammorbidire alcuni contorni qua e là, ad aggiungere vitalità alle zone scure e, per finire... qualche tocco di colore ben piazzato per dare un po' di brio! Qualche goccia di turchese cobalto nell'albero in primo piano a sinistra; un accenno di arancio perinone o vermiglio organico in una fessura nella roccia; un tocco di ceruleo nelle ombre del fogliame.

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