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Die Nachmittagsschatten spielen auf den weißen und lachsrosafarbenen Felsen, die Georgia O'Keeffe vor über 50 Jahren erstmals der Weltöffentlichkeit präsentierte. Das Spiel des Lichts fasziniert mich, während ich eine schnelle Skizze zu Tonwerten und Bildkomposition anfertige.

Wo soll ich anfangen?  Meine Schüler kennen mein Motto: “Das Hellste, Strahlendste oder Gruseligste zuerst!” Während ich eine gründliche Unterwäsche durchführe Aureolin Gelb  Angesichts des allgegenwärtigen Sonnenlichts in New Mexico beschließen wir, mit dem Gestein zu beginnen. Ich erkläre, dass ich hauptsächlich körnige Pigmente verwenden werde, um die Sandsteinschichten darzustellen. Viele der Farben mische ich direkt auf dem Papier, um das faszinierende Zusammenspiel der Farben zu beobachten. Der Großteil meines Gemäldes entsteht auf 140 lb. schwerem, kaltgepresstem Papier, das auf eine Platte geklebt ist.

Beginnt ihr jemals mit dem Himmel?  Ich mache das, wenn es im Gemälde um den Himmel geht. Da in diesem Gemälde der Fels im Mittelpunkt steht und ich den Tonwert des schattierten weißen Felsens etwas heller als den Himmel gestalten möchte, füge ich den Himmel erst später hinzu. Ich weiß, dass ich den Tonwert des Himmels so besser an den des Felsens anpassen kann als umgekehrt. Ich beginne mit den weißlichen oberen Schichten und behandle den schattigen Bereich mit der Mischung #1, während ich langsam mehr Kobaltblau hinzufüge, sobald der Felsen ins Licht tritt – für den Kernschatten. Ich kann einfach nicht widerstehen, dem Blau etwas Aureolin beizumischen und zu sehen, wie sich die Farben vermischen.

Und was ist mit all den Spalten und Rissen?  Die meisten dieser Techniken hebe ich mir für den Schluss auf, wenn die natürlichen Farbvariationen der Pigmente mir am besten zeigen, wo sie platziert werden sollen. Bis dahin empfehle ich lediglich die unebene Oberfläche, Nass-in-Nass – sparsam.

Weiter zu den unteren roten Schichten…  Ich male in horizontalen Streifen und achte darauf, die sonnenbeschienenen Bereiche nur leicht zu übermalen. Ich verwendete die Mischungen #2, #3 und #4 sowie Passagen mit Krapprot* – wobei ich einige weiße, horizontale Streifen aussparte, um die Farbschichten zu betonen. Ich ummale die Baumformen und trage einige der hellsten Mischungen in den Vordergrund – um einige Bäume herum und durch einige hindurch.

*Anmerkung der Redaktion – Rose Madder Genuine ist nicht mehr erhältlich. Wir bieten jetzt Folgendes an Rosenfärberkrapp (dauerhaft).

color map jan hart

Linke Seite, von oben:

Rechte Seite, von oben:

Was ist, wenn Sie die Farben als zu hell oder nicht leuchtend genug empfinden…würden Sie dann jetzt noch mehr Farbe hinzufügen?  Nein. Ich weiß, dass ich am Ende die Schlagschatten hinzufügen werde, wodurch die schattigen Bereiche der Felsen deutlich dunkler werden. Ich möchte die Felspassagen lieber frisch und klar halten, anstatt mir jetzt zu viele Gedanken darüber zu machen. Anpassungen kann ich später vornehmen. “Aufgeschobene Belohnung” – das Mantra des Aquarellmalers! Es ist an der Zeit, die dunkelsten Stellen anzulegen, damit ich den gesamten Tonwertumfang des Bildes erkennen kann. Ich muss mich den Bäumen und der Vegetation im Vordergrund widmen.

Welches Grünzeug verwenden Sie?  Ich mische meine Grüntöne gerne. Meine Lieblingsmischungen für die dunklen Kiefern und Pinien sind #5 und #6, die mit dem gekühlt werden können. Ultramarin-Türkis oder erwärmt mit Chinacridon Gebrannte Orange Für die Schatten- und Sonnenseiten des Baumes beginne ich mit Orange- oder Gelbtönen auf der Sonnenseite und füge dann die bläulicheren Töne hinzu, je weiter ich in den Schatten vordringe. Während ich die Vegetation weiter male, nutze ich jede Gelegenheit, die Grüntöne #6 und #7 zu verwenden. Ich mische die Farben immer direkt auf dem Papier und lasse die Pigmente so gut wie möglich von selbst verlaufen. Beim Malen der Grüntöne denke ich daran, etwas Gebrannte Siena (#8) für mehr Lebendigkeit hinzuzufügen. Nun zum Himmel, sodass das gesamte Papier bedeckt ist…

Welchen Blauton wirst du für den Himmel verwenden?  Nun, darüber muss ich nachdenken. Um dem Bild einen überwiegend warmen Ton zu verleihen, muss ich vielleicht etwas ändern – zum Beispiel mehr Gelb im Himmel verwenden, besonders am Horizont, um einen Kontrast zum Vordergrund zu schaffen. Ich nehme die Farbe #9. Ich drehe das Papier um und neige es zu mir hin. Dann trage ich Aureolin auf die gesamte Fläche oberhalb des Vordergrunds auf. Anschließend pinsle ich Kobaltblau für den oberen Himmel auf und beobachte, wie es trocknet. Ich drehe das Bild wieder um und entscheide mich, mit hellen kobaltblauen Pinselstrichen den unteren Horizont für die fernen Hügel zu gestalten. Zum Schluss trage ich mit einem trockeneren Pinsel etwas Chinacridongold auf – einfach so, um etwas Abwechslung zu schaffen.

Was kommt als Nächstes?  Wir sind in einer Phase angelangt, die ich “Adoleszenz” nenne – ein Punkt, an dem die meisten Gemälde aufgegeben oder weggeworfen werden. Doch eigentlich ist es an der Zeit, innezuhalten und zu betrachten, was funktioniert, was nicht, und zu entscheiden, was man dagegen tun möchte.

Nach der “Jugendlichen Kritik” weiß ich, dass ich Kontrast brauche und mich mit den Schlagschatten auseinandersetzen muss! Ich mische einen Klecks #10 für die vorherrschende Schattenfarbe an. Die transparente, lavendelblaue Lasur lässt die schönen, darunterliegenden Farbschichten durchscheinen. Ich beginne oben rechts und verteile die Farbe langsam und vorsichtig horizontal hin und her über das Papier, wobei ich darauf achte, sowohl dem Schatten als auch den darunterliegenden, beleuchteten Bäumen eine interessante Kante zu geben. Solange die #10-Lasur feucht bleibt, kann ich mit dunklerer, trockenerer Farbe nachbessern oder Akzente setzen. Anschließend gestalte ich interessante Muster und horizontale Farbverläufe mit #10 entlang des Weges, um Vegetationsränder abzugrenzen und die Oberflächenstruktur anzudeuten. In diese Schattenformen tupfe ich weitere Farben – Kobaltviolett, Chinacridonrosa, Kobaltblau, Aureolin, Ultramarinblau – sogar Titanweiß – all die Farben, die ich bereits in diesem Bild verwendet habe – für Kontinuität und weil es Spaß macht!

Verwenden Sie für Detailarbeiten manchmal einen kleineren Pinsel?  Ich verwende am liebsten nur meinen 2,5 cm breiten Flachpinsel, weil er mir lockere Bewegungen ermöglicht und ich so meine sogenannten “Tanzenden Striche” üben kann – dabei setze ich mit der Pinselkante schwungvolle, dunkle und helle Striche und achte darauf, Abwechslung zu schaffen. Manchmal benutze ich aber auch einen kleinen Rundpinsel für bestimmte Details und mehr Kontrolle.

Wie entscheiden Sie, welche Details Sie aufnehmen?  Ich kneife die Augen zusammen und lasse das Gemälde Anregungen geben. Eine zu flache Stelle legt die Schaffung einer etwas dunkleren Passage nahe – was sich mit einem Riss erreichen lässt. Ich werde einen Riss setzen und dann entscheiden, ob ich weitere benötige. Ich weiß, dass ein Riss von oben nach unten das Gemälde harmonischer wirken lässt und die Transparenz der Schatten verstärkt.

Ich wähle sorgfältig eine Stelle, die bereits einen Riss erkennen lässt, und zeichne eine vertikale Linie, die von oben nach unten verläuft und hinter einem Baum verschwindet. Die Form der Linie variiert mit den Gesteinsschichten und deren Farben. Sie wird breiter, schmaler, ändert ihre Farbe, unterbricht den Lichteinfall und verläuft vom Licht in den Schatten. Ich füge noch einige weitere Andeutungen von Unregelmäßigkeiten in der Gesteinsoberfläche hinzu und kann nicht widerstehen, einen Lichtstrahl von der Spitze des “Lichtdolchs” auf den Baum zu lenken. Verbindung.

Anschließend weiche ich hier und da einige Kanten ab, verleihe den dunklen Bereichen mehr Lebendigkeit – und zum Schluss … noch ein paar gezielt gesetzte Farbtupfer für den gewissen Pfiff! Ein paar Tupfer Kobalt-Türkis im vorderen linken Baum; ein Hauch Perinone-Orange oder Bio-Zinnoberrot in einer Felsspalte; ein Hauch Himmelblau in den Schatten des Laubes.

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