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Für dieses Porträtgemälde betitelt Feen, Ich begann mit einem Foto meiner Freundin Amy, einer Tänzerin und professionellen Fee, die mit mir auf einem Festival ein spontanes Fotoshooting gemacht hat. Ich mochte ihren wehmütigen Ausdruck und ihre phantasievolle Kostümierung als Hauptinspiration für das Gemälde. Dieses Stück ist ein Beispiel für meinen typischen Porträtmalprozess in Aquarell.
Ich arbeite gerne mit einem Referenzfoto als Ausgangspunkt, weil ein Foto flüchtige Ausdrücke und Bewegungen sowie die Erinnerungen an eine bestimmte Zeit und einen bestimmten Ort einfangen kann. Obwohl ich es auch genieße, das Modell nach dem Leben zu malen (und diese Praxis beeinflusst alle meine anderen Zeichnungen und Malereien), ist ein lebendes Modell in Bezug auf das, was mehrere Stunden lang aufrechterhalten werden kann, begrenzter. Manchmal stelle ich bestimmte Models ein, von denen ich Fotos machen möchte (oder ich drücke Freunde und Familienmitglieder in den Dienst), manchmal bringe ich meine Kamera zu Veranstaltungen, um organischere Momente festzuhalten. Ich arbeite besonders gerne mit Tänzern, Schauspielern und allen Arten von Performern, da sie sich vor der Kamera sehr wohl fühlen. Ich habe vielleicht ein bestimmtes Konzept im Kopf, wenn ich mit dem Fotografieren als Referenz beginne, oder ich archiviere die Fotos einfach und sehe, was sie später für mich inspirieren.
Ich suche nach Ausdrücken, Gesten und Licht, die mich auf Fotos inspirieren, aber ich kümmere mich nicht darum, die ursprüngliche Komposition des Fotos beizubehalten oder alles genau so zu malen, wie es auf dem Foto zu sehen ist.
In diesem Fall schneide ich zuerst ein größeres Ganzkörperfoto aus und bewege dann das Porträt um 2/3 nach rechts von einer horizontalen Komposition, sodass wir dem Blick des Motivs durch die Komposition folgen können. Ich plane, die überflüssigen Hintergrundinformationen zu eliminieren und die Umgebung auf ausdrucksstarke Weise zu behandeln. Ich plane auch, die Gesamtfarben etwas wärmer zu malen als das, was meine Kamera aufgenommen hat, da das Foto einen leichten kühlen Stich hat.
Ich arbeite gerne auf 300 lb kaltgepresstem (rauem) Papier. Ich dehne mein Papier nicht, aber ich könnte es an ein Brett klemmen, um die Handhabung des Stücks während der Arbeit zu erleichtern. Ich beginne mit einer ziemlich gut definierten Vorzeichnung, die es mir ermöglicht, lockerer und entspannter mit dem Malprozess umzugehen – ich weiß, dass ich mein Konterfei bereits festgenagelt habe. Um das Papier vor dem Malen nicht zu überarbeiten, übertrage ich die Grundlinien für das Bild entweder von einer separaten Vorzeichnung oder einer Entwurfskopie meiner Fotografie und verfeinere und entwickle dann die Zeichnung mit einem Druckbleistift HB #2. Ich versuche übermäßiges Löschen zu vermeiden.
Schritt 1: Ausdrucksstarker Hintergrund
Da ich für dieses Stück einen lockeren, ausdrucksstarken Hintergrund haben möchte, fange ich dort an. Ich arbeite hauptsächlich nass in nass und male eine sanfte Interpretation der natürlichen Umgebung auf dem Foto, wobei ich äußere Elemente auslasse. Ich füge auch einen großen rosa Schwad hinzu, der von der Blume ausstrahlt, um eine Art magisches Gefühl zu erzeugen. Ich lasse einen Teil des Hintergrunds in die Schattenseite der Figur übergehen. Ich streue auch etwas Salz in Bereiche des Hintergrunds, während es halbnass ist, um kleine Salzblüten als zusätzliches atmosphärisches Element zu erzeugen. Wenn ich einen großen Bereich wie einen Hintergrund bearbeite, versuche ich, den größtmöglichen Pinsel zu verwenden, und wechsle nur dann zu kleineren Pinseln, um mehr Kontrolle zu haben, wenn es nötig ist.
Schritt 2: Kühle Untermalung
Mein grundlegender Prozess zum Malen eines Porträts in Aquarell beginnt mit einer kühlfarbigen Untermalung. Dies ist eine persönliche Eigenart, die ich durch Ausprobieren entwickelt habe, als ich direkt nach der Kunstschule viele, viele Porträtaufträge gemalt habe. Um glaubwürdiges Fleisch zu malen, müssen nicht nur warme Farben verwendet werden, sondern auch einige kühle. Ich stellte fest, dass das Malen einiger Cools dazu beitrug, sie unter die Oberfläche der Haut zu bringen, und es half mir auch, von Anfang an ein gutes Gefühl für die Gesamtwertstruktur des Gemäldes zu bekommen.
Es ist wichtig zu beachten, dass dies KEINE vollwertige Untermalung ist, wie man es bei einer Umbra-Grisaille in der Ölmalerei tun könnte. Da alles, was in einem Aquarell auf die Seite gebracht wird, durch nachfolgende transparente Schichten sichtbar bleibt, wäre es völlig überwältigend, mit dieser ersten kühlen Schicht über Bord zu gehen. Ich konzentriere mich nur auf die kühlen Schatten, die ich sehe. Große Teile des Porträts bleiben zu diesem Zeitpunkt unbemalt.
Himmelblaues Chrom ist die Farbe, die ich in dieser Phase am häufigsten verwende. Es hat eine leichte Wärme und ist selbst bei voller Stärke nicht zu tief im Wert. Allerdings werde ich in dieser Phase manchmal Grün, andere Blau- und Violetttöne integrieren, abhängig vom Teint des Motivs oder der Beleuchtung der Szene. Bei einem Motiv mit dunkler Haut könnte sich die kühle Untermalung dahingehend verschieben, dass mehr Ultramarinblau und Violett verwendet werden.
Während dieser Phase achte ich auch darauf, das Weiß der Augen und alle sichtbaren Zähne größtenteils in einen subtilen kühlen Schatten zu legen. Abgesehen von hellen Glanzlichtern in diesen Bereichen sind sie nie ganz weiß wie das Papier. Ich trage die kühlen Schatten normalerweise auch in andere Bereiche wie Kleidung, um die Konsistenz zu gewährleisten.
Insgesamt tendiere ich dazu, in Formen von Wert und Farbe zu denken, wobei ich meinen Formen ziemlich harte Kanten lasse. Ich kann den Rand eines Übergangs innerhalb eines Gesichts mit nur ein wenig klarem Wasser oder mit einer trockenen Pinselstruktur weicher machen, aber Glätte ist etwas, womit ich mich nicht befasse. Ich halte es nicht für ein grundlegendes Merkmal des Aquarells. Die Hauptbeziehungen sind grundlegender bei der Schaffung der Illusion von Realismus. Und alle Blüten oder organischen Texturen, die im Laufe des Malens entstehen, werden begrüßt und geschätzt.
Aquarellblütendetail.
Schritt 3: Hellste warme Hauttöne
Sobald die vorherige Schicht vollständig trocken ist (ich benutze einen Fön, wenn ich ungeduldig bin), schaue ich auf mein Foto und identifiziere sowohl die reinen weißen Highlights auf dem Fleisch als auch die hellsten hellen warmen Hauttöne. Ich habe alle Fleischbereiche mit Ausnahme der weißen Highlights in dieser hellen Hautfarbe stark gewaschen. Es geht direkt über die kühle Untermalung. Indisches Gelb, Pyrrol Scharlachrot, Permanentes Alizarin Purpur, und Chinacridon Rose sind die Farben, aus denen ich normalerweise wähle, wenn ich diese Farbe mische. Es gibt keine genaue Formel – es hängt davon ab, was ich beobachte. In diesem Fall scheinen die hellsten hellen Bereiche im Gesicht des Motivs mehr gelblich zu werden, daher habe ich hauptsächlich Indian Yellow und Pyrrol Scarlet verwendet, gut verdünnt. Während diese Waschung nass war, tropfe ich ein wenig Pyrrol Scarlet unter das Kinn des Motivs, wo es einen besonders warmen, sonnigen Glanz gibt.
Schritt 4: Warme Fleischfarben in mittleren Tönen
Noch einmal lasse ich die vorherige Schicht vollständig trocknen. Jetzt lege ich meine warme Hautfarbe in Mitteltönen auf die hellsten Lichter und lasse einige dieser vorherigen hellen Bereiche unbemalt. Normalerweise verwende ich die gleichen Farben wie oben, obwohl ich für dunklere Haut auch einführen kann Gebrannte Siena in diesem Stadium. Die Mitteltöne bei diesem Thema sehen für mich eher rosa aus, also verwende ich kühlere Rottöne in der Mischung. Auch in dieser Schicht wird es von einem Bereich zum nächsten Abwechslung geben. Es ist wichtig, beim Malen der warmen Mitteltöne nicht zu zögernd zu sein. In diesem Stadium des Malens sind sie das Dunkelste im Gesicht, was dazu führen kann, dass man dazu neigt, sie zu hell malen zu wollen. Lieber jetzt etwas aggressiver, als am Ende des Bildes zu merken, dass alle Mitteltöne zu verwaschen sind.
Schritt 5: Blockieren
Bevor ich dem Gesicht weitere Details hinzufüge, vergewissere ich mich, dass alle anderen Bereiche des Gemäldes mit einer geeigneten Lichtfarbe ausgeblendet sind. Ich versuche, ein Gemälde als Ganzes zu bearbeiten, damit ich die Gesamtzusammenhänge verstehen kann, anstatt einen Bereich vollständig fertigzustellen, während ein anderer noch völlig unbemalt ist.
In diesem Stadium kann ich dazu übergehen, hauptsächlich kleinere Pinsel zu verwenden, da die Bereiche, die ich bearbeite, kleiner werden. Ich baue Details und dunklere Bereiche nach Bedarf auf, um das Gemälde zu vervollständigen. Farben hier könnten alles sein. Wenn ich einige Schatten auf dem Fleisch verdunkele, kann ich wieder einige kühle Farben verwenden. Kleine Schatten, die die Merkmale definieren, können warme Dunkeltöne oder kühle Dunkeltöne sein. Ich mische neutrale und dunkle Töne mit einer Vielzahl komplementärer Farbpaare.
Augendetail
Es ist wichtig, dass sich die hellen und dunklen Bereiche des fertigen Gemäldes gut ausbalanciert anfühlen und eine angenehme Bewegung auf der Seite erzeugen. Manchmal neigen Anfänger dazu, die Nasenlöcher und die Pupillen zu den einzigen dunklen Bereichen im Gesicht zu machen, was seltsam aussieht. Und wenn es um Details wie die Textur von Haaren, Augenbrauen und Wimpern geht, ist es wichtig, genau zu beobachten und sich nicht auf eine Cartoon-Idee zu verlassen, wie diese Dinge aussehen. Denken Sie zuerst an größere Formen, wobei einzelne Haare an bestimmten Stellen nur eine Verbesserung darstellen.
Tipps zum Malen von Porträts in Aquarell:
- Verwenden Sie den größten Pinsel, der für einen Bereich bequem ist, und wechseln Sie dann zu einem kleinen für mehr Kontrolle oder Details, nur wenn Sie es wirklich brauchen. Verlieren Sie sich nicht in dem Versuch, eine große Fläche mit einem winzigen Pinsel zu bedecken.
- Stellen Sie sich vor, die wichtigsten Wertänderungen im Gesicht aufzuschlüsseln, als würden Sie eine Schablone erstellen. Große Formen und genaue Werte sind wichtiger als das reibungslose Überblenden eines Werts in den nächsten. Eine Beschäftigung mit Verschmelzung und Glätte kann zu einem überarbeiteten Gemälde oder einem Gesicht ohne Struktur führen.
- Nehmen Sie den grundlegenden Charakter des Aquarells an. Erlaube ihm, bis zu einem gewissen Grad zu leben und zu tun, was er will. Akzeptieren Sie Blüten, Gezeitenlinien und andere organische Texturen, die während des Malprozesses auf natürliche Weise entstehen, als einen schönen, natürlichen Teil des Prozesses, anstatt sie zu bekämpfen oder zu versuchen, sie zu korrigieren. Ein organischer Unfall ist schöner, als einen Bereich zu überlasten, indem man versucht, ihn zu einem bestimmten Verhalten zu zwingen.
- Isolieren Sie keine Merkmale – stellen Sie sich eine Nase oder Lippen nicht als Objekte vor, die getrennt vom Rest des Gesichts bearbeitet werden müssen. Arbeiten Sie in großen zusammenhängenden Formen.
- Wenn realistische, vollfarbige Hauttöne das Ziel sind (im Gegensatz zu einer absichtlich begrenzten Palette – die auch großartig sein kann), ist es wichtig, sowohl ein warmes als auch ein kühles Rot zu haben. Alles Fleisch enthält sowohl kühle Töne als auch warme Töne.
- Für kleine Stücke und Reisen verwende ich eine Kunststoffpalette mit einzelnen Vertiefungen für die Farbe und großen Unterteilungen zum Mischen. Für große Gemälde verwende ich eine Vielzahl von Emaille-Fleischerschalen und individuelle Keramikschalen.
Ich liebe, wie pigmentreich DANIEL SMITH Aquarellfarben sind, die es mir ermöglichen, leicht eine intensive Farbsättigung zu erreichen. Sie lassen sich leicht wieder zu voller Stärke benetzen, selbst wenn sie auf einer Palette getrocknet werden – einfach wie neu, ohne Schrubben oder Reiben! Die große Auswahl an Farben, darunter solche mit einzigartigen Eigenschaften, die anderswo nicht erhältlich sind, bedeutet, dass jeder Künstler genau die Palette auswählen kann, die für ihn am besten geeignet ist, und genau das findet, was unter allen Umständen erforderlich ist.
