Für dieses Porträtgemälde mit dem Titel Feen, Ich begann mit einem Foto meiner Freundin Amy, einer Tänzerin und professionellen Fee, die auf einem Festival spontan mit mir ein Fotoshooting machte. Ihr verträumter Ausdruck und ihr fantasievolles Kostüm gefielen mir so gut, dass sie mich zu dem Gemälde inspirierten. Dieses Werk ist ein Beispiel für meinen typischen Prozess der Porträtmalerei mit Aquarellfarben.
Ich arbeite gern mit einem Referenzfoto als Ausgangspunkt, weil ein Foto flüchtige Ausdrücke und Bewegungen sowie die Erinnerungen an einen bestimmten Ort und eine bestimmte Zeit einfangen kann. Obwohl ich auch gern nach dem Leben male (und diese Praxis all meine anderen Zeichnungen und Gemälde beeinflusst), ist ein lebendes Modell in Bezug auf die Dauer der Pose begrenzter. Manchmal engagiere ich bestimmte Modelle für Fotoshootings (oder ich bitte Freunde und Familie um Mithilfe), manchmal nehme ich meine Kamera mit zu Veranstaltungen, um spontanere Momente festzuhalten. Besonders gern arbeite ich mit Tänzern, Schauspielern und Künstlern aller Art, da sie sich vor der Kamera sehr wohlfühlen. Manchmal habe ich ein bestimmtes Konzept im Kopf, wenn ich mit dem Fotografieren für Referenzzwecke beginne, manchmal speichere ich die Fotos einfach ab und lasse mich später von ihnen inspirieren.
Ich suche in Fotos nach Ausdrücken, Gesten und Licht, die mich inspirieren, aber ich mache mir keine Gedanken darüber, die ursprüngliche Komposition des Fotos beizubehalten oder alles genau so zu malen, wie es auf dem Foto zu sehen ist.
In diesem Fall schneide ich zunächst einen Ausschnitt aus einem größeren Ganzkörperfoto und verschiebe das Porträt dann um zwei Drittel nach rechts in einer horizontalen Komposition, sodass der Blick des Porträtierten durch das Bildfeld verfolgt werden kann. Ich plane, überflüssige Hintergrundinformationen zu entfernen und die Umgebung ausdrucksstark darzustellen. Außerdem möchte ich die Farben insgesamt etwas wärmer gestalten, als sie die Kamera eingefangen hat, da das Foto einen leichten Kühlstich aufweist.
Ich arbeite gern auf 300lb-Kaltpresspapier (rau). Ich spanne das Papier nicht, klemme es aber manchmal auf ein Brett, um es beim Malen besser handhaben zu können. Ich beginne mit einer recht detaillierten Vorzeichnung, die mir beim Malen mehr Freiheit und Entspannung erlaubt – ich weiß ja, dass ich die Konturen bereits festgelegt habe. Um das Papier nicht zu überarbeiten, übertrage ich die Grundlinien des Bildes entweder von einer separaten Vorzeichnung oder einer Kopie meines Fotos und verfeinere und entwickle die Zeichnung dann mit einem HB #2 Druckbleistift. Ich versuche, übermäßiges Radieren zu vermeiden.
Schritt 1: Ausdrucksstarker Hintergrund
Da ich für dieses Bild einen lockeren, ausdrucksstarken Hintergrund wünsche, beginne ich damit. Ich arbeite hauptsächlich nass in nass und male eine sanfte Interpretation der natürlichen Umgebung im Foto, wobei ich überflüssige Elemente auslasse. Außerdem füge ich einen breiten rosa Farbtupfer hinzu, der von der Blume ausstrahlt, um eine Art magische Stimmung zu erzeugen. Ich lasse Teile des Hintergrunds in die Schattenseite der Figur übergehen. Im halbnassen Zustand streue ich etwas Salz auf den Hintergrund, um kleine Salzflocken als zusätzliches atmosphärisches Element zu erzeugen. Wenn ich eine große Fläche wie einen Hintergrund bearbeite, verwende ich möglichst den größten Pinsel und wechsle nur dann zu kleineren Pinseln, um mehr Kontrolle zu haben, wenn es nötig ist.
Schritt 2: Kühle Untermalung
Mein grundlegender Prozess beim Malen eines Porträts in Aquarell beginnt mit einer Untermalung in kühlen Farben. Diese Eigenart habe ich mir durch Ausprobieren angeeignet, als ich direkt nach dem Kunststudium unzählige Porträtaufträge anfertigte. Um realistische Haut darzustellen, braucht man nicht nur warme, sondern auch kühle Farben. Ich stellte fest, dass das Auftragen einiger kühler Farben zuerst dazu beitrug, sie unter der Hautoberfläche zu verankern und mir von Anfang an ein gutes Gefühl für die Gesamtstruktur des Bildes zu vermitteln.
Es ist wichtig zu betonen, dass es sich hier NICHT um eine vollflächige Untermalung handelt, wie man sie beispielsweise bei einer Umbra-Grisaille in der Ölmalerei anfertigt. Da alles, was in Aquarell auf das Papier aufgetragen wird, auch durch die nachfolgenden transparenten Schichten hindurchscheint, wäre eine zu dicke erste Schicht völlig erdrückend. Ich konzentriere mich lediglich auf die kühlen Schatten, die ich sehe. Große Teile des Porträts bleiben in diesem Stadium unbemalt.
Ceruleanblau Chrom Das ist die Farbe, die ich in dieser Phase am häufigsten verwende. Sie hat einen leichten Wärmeton und wirkt selbst in voller Stärke nicht zu dunkel. Manchmal integriere ich in dieser Phase jedoch auch Grün-, Blau- und Violetttöne, abhängig vom Hautton des Motivs oder der Lichtverhältnisse. Bei einem Motiv mit dunkler Hautfarbe kann die kühle Untermalung beispielsweise durch die Verwendung von mehr Ultramarinblau und Violetttönen ergänzt werden.
In dieser Phase achte ich auch darauf, das Weiß der Augen und alle sichtbaren Zähne größtenteils in einen dezenten, kühlen Schatten zu tauchen. Abgesehen von einigen hellen Glanzlichtern auf diesen Stellen, sind sie nie vollständig so weiß wie das Papier. Um ein einheitliches Gesamtbild zu erzielen, ziehe ich die kühlen Schatten meist auch in andere Bereiche wie die Kleidung hinein.
Im Allgemeinen denke ich eher in Wert- und Farbformen und lasse meine Formen recht scharfkantig. Manchmal weiche ich die Übergänge in einem Gesicht mit etwas klarem Wasser oder durch die Trockenpinseltechnik etwas ab, aber auf absolute Glätte lege ich keinen Wert. Ich betrachte sie nicht als grundlegendes Merkmal der Aquarellmalerei. Die grundlegenden Beziehungen sind viel wichtiger, um die Illusion von Realismus zu erzeugen. Und jegliche Unregelmäßigkeiten oder organische Texturen, die beim Malen entstehen, werden bewusst aufgenommen und geschätzt.
Aquarell-Blütendetail.
Schritt 3: Hellste warme Hauttöne
Sobald die vorherige Farbschicht vollständig getrocknet ist (ich benutze einen Föhn, wenn ich ungeduldig bin), betrachte ich mein Foto und markiere sowohl die reinweißen Glanzlichter auf der Haut als auch die hellsten, warmen Hauttöne. Ich trage eine großflächige Lasur in diesem hellen Hautton auf alle Hautpartien auf, außer auf die weißen Glanzlichter. Sie kommt direkt über die kühle Untermalung. Indisches Gelb, Pyrrol Scarlet, Permanent Alizarin Crimson, Und Chinacridon Rose Das sind die Farben, die ich normalerweise zum Mischen dieser Farbe verwende. Es gibt keine feste Formel – es kommt darauf an, was ich beobachte. In diesem Fall scheinen die hellsten Stellen im Gesicht des Modells eher gelblich zu wirken, daher habe ich hauptsächlich Indischgelb und Pyrrolscharlach, stark verdünnt, verwendet. Solange die Lasur noch feucht war, habe ich etwas Pyrrolscharlach unter das Kinn des Modells geträufelt, wo ein besonders warmer, sonniger Schimmer herrscht.
Schritt 4: Mittlere, warme Hauttöne
Ich lasse die vorherige Farbschicht erneut vollständig trocknen. Nun trage ich meinen mittleren, warmen Hautton über die hellsten Stellen auf und lasse einige der zuvor hellen Bereiche unbemalt. Normalerweise verwende ich dieselben Farben wie zuvor, bei dunklerer Haut kann ich jedoch auch andere Farben hinzufügen. Gebrannte Siena In diesem Stadium wirken die Mitteltöne eher rosastichig, daher mische ich kühlere Rottöne. Auch innerhalb dieser Farbschicht gibt es Unterschiede zwischen den einzelnen Bereichen. Es ist wichtig, beim Malen der warmen Mitteltöne nicht zu zögern. In dieser Phase des Gemäldes sind sie der dunkelste Bereich im Gesicht, was dazu verleiten kann, sie zu hell zu malen. Es ist besser, jetzt etwas energischer vorzugehen, als am Ende festzustellen, dass alle Mitteltöne zu blass wirken.
Schritt 5: Blockieren
Bevor ich weitere Details im Gesicht ausarbeite, stelle ich sicher, dass alle anderen Bereiche des Gemäldes mit einer passenden hellen Farbe grundiert sind. Ich versuche, ein Gemälde als Ganzes zu betrachten, um die Gesamtkompositionen zu verstehen, anstatt einen Bereich vollständig fertigzustellen, während ein anderer noch völlig unbemalt ist..
In dieser Phase verwende ich meist kleinere Pinsel, da die bearbeiteten Flächen kleiner werden. Details und dunklere Bereiche arbeite ich nach Bedarf aus, um das Gemälde fertigzustellen. Die Farben sind dabei völlig frei. Beim Verdunkeln der Hautpartien greife ich unter Umständen wieder auf kühle Farben zurück. Kleine Schatten, die die Gesichtszüge definieren, können in warmen oder kühlen dunklen Tönen gehalten sein. Neutrale und dunkle Farben mische ich mithilfe verschiedener Komplementärfarbpaare.
Augendetails
Es ist wichtig, dass die Hell-Dunkel-Kontraste im fertigen Gemälde harmonisch wirken und eine angenehme Dynamik erzeugen. Anfänger neigen manchmal dazu, nur die Nasenlöcher und Pupillen dunkel darzustellen, was seltsam aussieht. Bei Details wie der Haarstruktur, den Augenbrauen und Wimpern ist genaues Hinsehen wichtig, anstatt sich an einer stereotypen, cartoonhaften Vorstellung zu orientieren. Konzentrieren Sie sich zunächst auf die größeren Formen; einzelne Haare dienen dann lediglich als zusätzliche Details.
Tipps zum Malen von Porträts mit Aquarellfarben:
- Verwenden Sie zunächst den größten Pinsel, der für eine Fläche angenehm ist, und wechseln Sie erst dann zu einem kleineren, um mehr Kontrolle zu erlangen oder Details zu bearbeiten, wenn dies wirklich nötig ist. Versuchen Sie nicht, mit einem winzigen Pinsel eine große Fläche abzudecken.
- Stellen Sie sich das Aufschlüsseln der wichtigsten Helligkeitsveränderungen im Gesicht wie das Erstellen einer Schablone vor. Große Formen und präzise Helligkeitswerte sind wichtiger als ein sanfter Übergang zwischen den einzelnen Werten. Eine übermäßige Konzentration auf Übergänge und Glätte kann zu einem überarbeiteten Gemälde oder einem Gesicht ohne Struktur führen.
- Akzeptiere den grundlegenden Charakter der Aquarellmalerei. Erlaube ihr, lebendig zu sein und sich – bis zu einem gewissen Grad – frei zu entfalten. Betrachte Farbverläufe, Farblinien und andere organische Texturen, die während des Malprozesses entstehen, als einen schönen, natürlichen Bestandteil des Prozesses, anstatt gegen sie anzukämpfen oder sie zu korrigieren. Ein organischer Zufall ist schöner, als eine Fläche zu überarbeiten und sie in eine bestimmte Richtung zu lenken.
- Isolieren Sie keine einzelnen Gesichtszüge – betrachten Sie Nase oder Lippen nicht als Objekte, die separat vom Rest des Gesichts bearbeitet werden müssen. Arbeiten Sie mit großen, zusammenhängenden Formen.
- Wenn realistische, farbintensive Hauttöne das Ziel sind (im Gegensatz zu einer bewusst eingeschränkten Farbpalette – die ebenfalls sehr gut sein kann), ist es wichtig, sowohl einen warmen als auch einen kühlen Rotton zu verwenden. Jede Haut enthält sowohl kühle als auch warme Töne.
- Für kleinere Arbeiten und auf Reisen verwende ich eine Kunststoffpalette mit einzelnen Farbnäpfen und größeren Unterteilungen zum Mischen. Für größere Gemälde nutze ich verschiedene emaillierte Metzgerschalen und einzelne Keramikschalen.
Ich liebe die Pigmentdichte der DANIEL SMITH Aquarellfarben, mit der ich mühelos intensive Farbsättigung erziele. Sie lassen sich selbst nach dem Trocknen auf der Palette sofort wieder vollständig anfeuchten – wie neu, ganz ohne Schrubben oder Reiben! Die große Farbauswahl, darunter auch Farben mit einzigartigen Eigenschaften, die es sonst nirgends gibt, ermöglicht es jedem Künstler, die perfekte Palette für sich zu finden und in jeder Situation genau das Richtige zu wählen.
