Voor dit portretschilderij getiteld Feeën, Ik begon met een foto van mijn vriendin Amy, een danseres en professionele fee, die spontaan met me poseerde tijdens een festival. Haar melancholieke uitdrukking en fantasierijke kostuums vormden de belangrijkste inspiratie voor het schilderij. Dit werk is een voorbeeld van mijn gebruikelijke portretschilderproces in aquarel.
Ik werk graag met een referentiefoto als uitgangspunt, omdat een foto vluchtige uitdrukkingen en bewegingen kan vastleggen, evenals de herinneringen aan een bepaalde tijd en plaats. Hoewel ik het ook leuk vind om het model naar levend model te schilderen (en deze praktijk beïnvloedt al mijn andere teken- en schilderwerk), is een levend model beperkter in wat ik meerdere uren kan volhouden. Soms huur ik specifieke modellen in die ik wil fotograferen (of vraag ik vrienden en familieleden om mee te doen), andere keren neem ik mijn camera mee naar evenementen om meer spontane momenten vast te leggen. Ik werk vooral graag met dansers, acteurs en allerlei soorten artiesten, omdat ze zich erg op hun gemak voelen voor de camera. Soms heb ik een bepaald concept in gedachten wanneer ik begin met het maken van referentiefoto's, of ik bewaar de foto's gewoon en kijk wat ze me later inspireren.
Ik zoek in foto's naar uitdrukkingen, gebaren en licht die me inspireren, maar ik maak me geen zorgen over het behouden van de oorspronkelijke compositie van de foto, of over het exact naschilderen van alles zoals op de foto te zien is.
In dit geval snijd ik eerst een deel van een grotere foto van het hele lichaam uit en verplaats ik het portret vervolgens 2/3 naar rechts in een horizontale compositie, zodat we de blik van het onderwerp door de compositie kunnen volgen. Ik ben van plan om overbodige achtergrondinformatie te verwijderen en de omgeving op een expressieve manier weer te geven. Ik wil de kleuren ook iets warmer schilderen dan mijn camera heeft vastgelegd, aangezien de foto een lichte koele tint heeft.
Ik werk graag op ruw (300lb) koudgeperst papier. Ik span het papier niet op, maar ik klem het soms wel vast aan een plank om het makkelijker te kunnen hanteren tijdens het schilderen. Ik begin met een vrij gedetailleerde voorstudie, waardoor ik losser en meer ontspannen kan schilderen – ik weet immers dat ik de gelijkenis al goed heb vastgelegd. Om te voorkomen dat ik het papier te veel bewerk voordat ik begin met schilderen, neem ik de basislijnen van de afbeelding over van een aparte voorstudie of een conceptversie van mijn foto. Vervolgens verfijn en ontwikkel ik de tekening met een HB #2 vulpotlood. Ik probeer zo min mogelijk te gummen.
Stap 1: Expressieve achtergrond
Omdat ik een losse, expressieve achtergrond voor dit werk wil, begin ik daarmee. Ik werk voornamelijk nat-in-nat en schilder een zachte interpretatie van de natuurlijke omgeving op de foto, waarbij ik overbodige elementen weglaat. Ik voeg ook een grote strook roze toe die vanuit de bloem uitstraalt, om een soort magische sfeer te creëren. Ik laat een deel van de achtergrond overgaan in de schaduwzijde van de figuur. Ik strooi ook wat zout op delen van de achtergrond terwijl deze nog halfnat is, om kleine zoutwolkjes te creëren als extra sfeerelement. Wanneer ik aan een groot oppervlak zoals een achtergrond werk, probeer ik het grootste penseel te gebruiken dat ik kan vinden, en schakel ik alleen over op kleinere penselen voor meer controle wanneer dat nodig is.
Stap 2: Koele onderlaag
Mijn basisproces voor het schilderen van een portret in aquarel begint met een onderschildering in koele kleuren. Dit is een persoonlijke eigenaardigheid die ik door vallen en opstaan heb ontwikkeld toen ik na mijn kunstopleiding talloze portretten in opdracht schilderde. Het schilderen van geloofwaardige huid vereist niet alleen het gebruik van warme kleuren, maar ook van koele tinten. Ik ontdekte dat het aanbrengen van een aantal koele tinten eerst hielp om ze onder het huidoppervlak te fixeren, en het gaf me ook direct een goed gevoel voor de algehele waardestructuur van het schilderij.
Het is van cruciaal belang om te benadrukken dat dit GEEN volledige onderschildering is zoals je die bijvoorbeeld bij een umber grisaille in olieverf zou aanbrengen. Omdat alles wat je met aquarelverf op het papier zet, zichtbaar blijft door de daaropvolgende transparante lagen, zou het te veel van deze eerste koele laag volledig overheersend zijn. Ik concentreer me daarom alleen op de koele schaduwen die ik zie. Grote delen van het portret blijven in dit stadium onbeschilderd.
Ceruleumblauw chroom Dit is de kleur die ik het vaakst gebruik voor deze fase. Hij heeft een lichte warmte en is, zelfs op volle sterkte, niet te donker. Soms integreer ik echter ook groen, andere blauwtinten en paars in deze fase, afhankelijk van de huidskleur van het onderwerp of de belichting van de scène. Bij een onderwerp met een donkere huid kan de koele onderschildering verschuiven naar meer ultramarijnblauw en paars.
Tijdens deze fase zorg ik er ook voor dat het wit van de ogen en eventuele zichtbare tanden grotendeels in een subtiele, koele schaduw vallen. Afgezien van eventuele heldere highlights op deze plekken, zijn ze nooit volledig wit, zoals het papier zelf. Ik laat de koele schaduwen meestal ook terugkomen in andere delen, zoals de kleding, voor een consistente uitstraling.
Over het algemeen denk ik in vormen en kleuren, waarbij ik de randen van mijn vormen vrij scherp laat. Ik verzacht de overgang binnen een gezicht soms met een beetje helder water of met een droge penseeltextuur, maar gladheid is niet iets waar ik me mee bezighoud. Ik beschouw het niet als een fundamenteel kenmerk van aquarel. De belangrijkste verhoudingen zijn belangrijker voor het creëren van de illusie van realisme. En alle bloemen of organische texturen die tijdens het schilderen ontstaan, worden omarmd en gewaardeerd.
Detail van een bloem in aquarelverf.
Stap 3: Lichtste warme huidtinten
Zodra de vorige laag volledig droog is (ik gebruik een föhn als ik ongeduldig ben), bekijk ik mijn foto en identificeer ik zowel de puur witte highlights op de huid als de lichtste, warme huidtinten. Ik breng een brede laag van deze lichte huidskleur aan op alle huidgedeelten, behalve de witte highlights. Deze laag gaat direct over de koele onderschildering heen. Indisch geel, Pyrrol Scarlet, Permanent Alizarine Karmijn, En Quinacridone Rose Dit zijn de kleuren die ik meestal gebruik bij het mengen van deze kleur. Er is geen exacte formule – het hangt af van wat ik observeer. In dit geval lijken de lichtste delen van het gezicht van het model geler te worden, dus gebruikte ik voornamelijk Indisch geel en Pyrrol Scarlet, goed verdund. Terwijl deze verflaag nog nat was, bracht ik een beetje Pyrrol Scarlet aan onder de kin van het model, waar een bijzonder warme, zonnige gloed te zien is.
Stap 4: Middentinten warme huidtinten
Ik laat de vorige laag opnieuw volledig drogen. Nu breng ik mijn warme, middentoon huidskleur aan over de lichtste gedeeltes, waarbij ik sommige van de eerder aangebrachte lichte plekken onbeschilderd laat. Meestal gebruik ik dezelfde kleuren als hierboven, hoewel ik voor een donkere huid soms ook andere kleuren toevoeg. Gebrande Sienna In dit stadium lijken de middentinten op dit onderwerp wat rozeachtig, dus gebruik ik koelere roodtinten in de mix. Er zal ook variatie zijn tussen de verschillende gebieden in deze laag. Het is belangrijk om niet te aarzelen bij het schilderen van de warme middentinten. In dit stadium van het schilderij zijn ze het donkerste deel van het gezicht, wat kan leiden tot de neiging om ze te licht te schilderen. Het is beter om nu wat assertiever te zijn, dan aan het einde van het schilderij te beseffen dat alle middentinten te flets zijn.
Stap 5: Blokkeren
Voordat ik verder ga met het uitwerken van details aan het gezicht, zorg ik ervoor dat alle andere delen van het schilderij zijn ingevuld met een passende lichte kleur. Ik probeer een schilderij als geheel te bewerken, zodat ik de algehele verhoudingen kan begrijpen, in plaats van één gebied volledig af te werken terwijl een ander nog helemaal onbeschilderd is..
In dit stadium schakel ik mogelijk over op voornamelijk kleinere penselen, omdat de vlakken die ik bewerk kleiner worden. Ik werk details en donkere gebieden naar behoefte uit om het schilderij af te maken. De kleuren kunnen hier van alles zijn. Naarmate ik de schaduwen op de huid donkerder maak, gebruik ik soms weer koele kleuren. Kleine schaduwen die de gelaatstrekken definiëren, kunnen warme of koele donkere tinten zijn. Ik meng neutrale en donkere kleuren met behulp van verschillende complementaire kleurencombinaties.
Oogdetail
Het is belangrijk dat de licht- en schaduwpartijen in het voltooide schilderij goed in balans zijn en een prettige dynamiek op het papier creëren. Beginners hebben soms de neiging om alleen de neusgaten en de pupillen van de ogen donker te maken, wat er vreemd uitziet. En als het gaat om details zoals de textuur van haar, wenkbrauwen en wimpers, is het belangrijk om goed te observeren en niet meteen uit te gaan van een cartoonachtig beeld van hoe deze eruit moeten zien. Denk eerst aan de grotere vormen, waarbij individuele haren slechts een accent vormen op bepaalde plekken.
Tips voor het schilderen van portretten met aquarelverf:
- Gebruik de grootste kwast die comfortabel aanvoelt voor een bepaald oppervlak, en schakel pas over op een kleinere kwast voor meer controle of details wanneer dat echt nodig is. Probeer niet een groot oppervlak te bedekken met een kleine kwast.
- Zie het opdelen van de belangrijkste waardeverschillen in het gezicht als het maken van een sjabloon. Grote vormen en nauwkeurige waarden zijn belangrijker dan het vloeiend in elkaar overlopen van de ene waarde naar de andere. Een te grote focus op het mengen en gladmaken van de kleuren kan leiden tot een overbewerkt schilderij of een gezicht zonder structuur.
- Omarm het fundamentele karakter van aquarelverf. Laat het tot op zekere hoogte leven en doen wat het wil. Accepteer uitlopers, waterlijnen en andere organische texturen die tijdens het schilderproces op natuurlijke wijze ontstaan als een mooi, natuurlijk onderdeel van het proces, in plaats van ze te bestrijden of te proberen te corrigeren. Een organisch toeval is mooier dan een gebied te veel te bewerken in een poging het op een bepaalde manier te laten gedragen.
- Isoleer geen gelaatstrekken – beschouw een neus of lippen niet als objecten die los van de rest van het gezicht bewerkt moeten worden. Werk met grote, aaneengesloten vormen.
- Als het doel realistische, volle huidtinten zijn (in tegenstelling tot een bewust beperkt kleurenpalet – wat overigens ook prima kan zijn), is het belangrijk om zowel een warme als een koele rode tint te hebben. Alle huid bevat immers zowel koele als warme tinten.
- Voor kleine werkjes en voor op reis gebruik ik een plastic palet met aparte vakjes voor kleur en grote vakken om te mengen. Voor grote schilderijen gebruik ik verschillende geëmailleerde slagersschalen en individuele keramische schaaltjes.
Ik ben dol op de rijke pigmentatie van de DANIEL SMITH-aquarellen, waardoor ik gemakkelijk intense kleurverzadiging kan bereiken. Ze zijn direct weer volledig bevochtigbaar, zelfs als ze op een palet zijn opgedroogd – ze zien er weer als nieuw uit, zonder schrobben of wrijven! De ruime keuze aan kleuren, waaronder kleuren met unieke eigenschappen die nergens anders verkrijgbaar zijn, betekent dat elke kunstenaar precies het palet kan kiezen dat het beste bij hem of haar past en precies kan vinden wat nodig is in elke situatie.
