Deel:
Voor dit portretschilderij getiteld Fae, begon ik met een foto van mijn vriendin Amy, een danseres en professionele fee, die een spontane fotoshoot met me deed op een festival. Ik hield van haar weemoedige uitdrukking en fantasievolle kostuums als de belangrijkste inspiratie voor het schilderij. Dit stuk is een voorbeeld van mijn typische portretschilderproces in aquarel.
Ik werk graag met een referentiefoto als startpunt omdat een foto vluchtige uitdrukkingen en bewegingen kan vastleggen, evenals de herinneringen aan een bepaalde tijd en plaats. Hoewel ik het ook leuk vind om het model naar het leven te schilderen (en deze praktijk vormt de basis voor al mijn andere tekenen en schilderen), is een levend model beperkter in wat enkele uren kan worden volgehouden. Soms huur ik specifieke modellen in waar ik foto's van wil maken (of ik roep vrienden en familieleden in dienst), soms neem ik mijn camera mee naar evenementen om meer organische momenten vast te leggen. Ik werk vooral graag met dansers, acteurs en allerlei artiesten, omdat ze zich erg op hun gemak voelen voor een camera. Ik heb misschien een bepaald concept in gedachten wanneer ik begin met fotograferen ter referentie, of ik berg de foto's gewoon op en kijk wat ze later voor mij inspireren.
Ik zoek naar uitdrukkingen, gebaren en licht die me inspireren in foto's, maar ik maak me geen zorgen over het behouden van de originele compositie van de foto, of het schilderen van alles precies zoals op de foto wordt getoond.
In dit geval snij ik eerst uit een grotere full-body foto en verplaats ik het portret 2/3 naar rechts van een horizontale compositie, zodat we de blik van het onderwerp door de compositie kunnen volgen. Ik ben van plan om de externe achtergrondinformatie te elimineren en op een expressieve manier om te gaan met de omgeving. Ik ben ook van plan om de algehele kleuren een beetje warmer te schilderen dan wat mijn camera heeft vastgelegd, omdat de foto een lichte koele zweem heeft.
Ik werk graag op 300lb koudgeperst (ruw) papier. Ik rek mijn papier niet uit, maar ik zou het misschien op een bord kunnen knippen om het gemakkelijker te maken om het stuk te manipuleren terwijl ik werk. Ik begin met een redelijk goed gedefinieerde voorlopige tekening, waardoor ik losser en meer ontspannen kan zijn in het schilderproces - ik weet dat ik mijn gelijkenis al vastgespijkerd heb. Om overbelasting van het papier te voorkomen voordat ik begin met schilderen, zal ik de basislijnen voor de afbeelding overbrengen van een afzonderlijke voorlopige tekening of een conceptkopie van mijn foto, en vervolgens zal ik de tekening verfijnen en ontwikkelen met een HB #2 mechanisch potlood. Ik probeer overmatig wissen te vermijden.
Stap 1: Expressieve achtergrond
Omdat ik een losse, expressieve achtergrond voor dit stuk wil, begin ik daar. Ik werk meestal nat in nat, waarbij ik een zachte interpretatie van de natuurlijke omgeving op de foto schilder, waarbij ik vreemde elementen weglaat. Ik voeg ook een grote strook roze toe die uit de bloem straalt, om een soort magisch gevoel te creëren. Ik laat een deel van de achtergrond opgaan in de schaduwzijde van de figuur. Ik strooi ook wat zout in delen van de achtergrond terwijl het halfnat is om kleine zoutbloesems te creëren als een extra atmosferisch element. Wanneer ik een groot gebied werk, zoals een achtergrond, probeer ik de grootste borstel te gebruiken die ik kan, en schakel ik alleen over naar kleinere penselen voor meer controle wanneer dat nodig is.
Stap 2: Koele onderschildering
Mijn basisproces voor het schilderen van een portret in aquarel begint met een koelgekleurde onderschildering. Dit is een persoonlijke eigenaardigheid die ik met vallen en opstaan heb ontwikkeld toen ik heel veel portretopdrachten schilderde, rechtstreeks uit de kunstacademie. Het schilderen van geloofwaardig vlees vereist niet alleen warme kleuren, maar ook enkele verkoelingen. Ik ontdekte dat het schilderen van sommige van de cools eerst hielp om ze onder het oppervlak van de huid te plaatsen, en het hielp me ook om vanaf het begin een goed beeld te krijgen van de algehele waardestructuur van het schilderij.
Het is van vitaal belang op te merken dat dit GEEN volledige onderschildering is zoals men een omber grisaille zou kunnen doen in olieverf. Aangezien alles dat in een aquarel op de pagina wordt gezet, zichtbaar blijft door opeenvolgende transparante lagen, zou het volledig overweldigend zijn om overboord te gaan met deze eerste koele laag. Ik concentreer me gewoon op de koele schaduwen die ik zie. Grote delen van het portret blijven in dit stadium onbeschilderd.
Cerulean blauw chroom is de kleur die ik het meest gebruik voor deze fase. Het heeft een lichte warmte en zelfs op volle sterkte is het niet te veel waard. In dit stadium zal ik echter soms groen, ander blauw en paars integreren, afhankelijk van de teint van het onderwerp of de belichting van de scène. Bij een onderwerp met een donkere huid kan de koele onderschildering verschuiven naar het gebruik van meer ultramarijnblauw en paars.
Tijdens deze fase zorg ik er ook voor dat ik het wit van de ogen en eventuele zichtbare tanden meestal in een subtiele koele schaduw zet. Afgezien van eventuele heldere highlights op deze gebieden, zijn ze nooit helemaal het wit van het papier. Ik draag de koele schaduwen meestal ook naar andere gebieden, zoals kleding, voor consistentie.
Over het algemeen heb ik de neiging om te denken in vormen van waarde en kleur, waardoor ik vrij harde randen aan mijn vormen laat. Ik zou de rand van een overgang in een gezicht kunnen verzachten met een klein beetje helder water of met een droge borsteltextuur, maar gladheid is niet iets waar ik me zorgen over maak. Ik beschouw het niet als een fundamenteel kenmerk van aquarel. De belangrijkste relaties zijn fundamenteler in het creëren van de illusie van realisme. En alle bloemen of organische texturen die tijdens het schilderen ontstaan, worden omarmd en gewaardeerd.
Aquarel bloei detail.
Stap 3: Lichtste warme huidtinten
Zodra de vorige laag volledig droog is (ik gebruik een föhn als ik ongeduldig ben), kijk ik naar mijn foto en identificeer ik zowel de puur witte highlights op het vlees als de lichtste lichte warme huidtinten. Ik heb een grote wassing aangebracht op alle delen van het vlees, behalve de witte highlights, in deze lichte vleeskleur. Het gaat recht over de koele onderschildering heen. Indisch Geel, Pyrrol Scarlet, Permanente Alizarine Crimson, en Quinacridon Rose zijn de kleuren waar ik meestal uit kies bij het mengen van deze kleur. Er is niet één exacte formule - het hangt af van wat ik waarneem. In dit geval lijken de lichtste lichte gebieden in het gezicht van het onderwerp meer gelig te verschuiven, dus ik heb voornamelijk Indian Yellow en Pyrrol Scarlet gebruikt, goed verdund. Terwijl deze was nat was, druppel ik een klein beetje Pyrrol Scarlet onder de kin van het onderwerp, waar een bijzonder warme, zonnige gloed is.
Stap 4: Middentoon warme huidskleuren
Nogmaals, ik laat de vorige laag volledig drogen. Nu breng ik mijn middentoon warme huidskleur aan op de lichtste lichten, waardoor sommige van die eerdere lichte gebieden ongeverfd blijven. Ik gebruik meestal dezelfde kleuren als hierboven, hoewel ik voor een donkere huid ook mag introduceren Verbrande Sienna in dit stadium. De middentonen over dit onderwerp zien er voor mij meer roze uit, dus ik gebruik koelere roodtinten in de mix. Ook in deze laag zal er variatie zijn van gebied tot gebied. Het is belangrijk om niet te aarzelend te zijn bij het schilderen van de warme middentonen. In dit stadium van het schilderen zullen ze het donkerste zijn op het gezicht, wat kan leiden tot de neiging om ze te licht te willen schilderen. Het is beter om nu wat agressiever te zijn dan aan het einde van het schilderij te beseffen dat alle middentonen te vervaagd zijn.
Stap 5: Blokkeren
Voordat ik verder ga met het toevoegen van meer details aan het gezicht, zorg ik ervoor dat alle andere delen van het schilderij worden geblokkeerd met een geschikte lichte kleur. Ik probeer een schilderij als een geheel te bewerken, zodat ik de algemene relaties kan begrijpen, in plaats van het ene gebied volledig af te werken terwijl het andere nog volledig ongeschilderd is.
In dit stadium kan ik overschakelen naar het gebruik van voornamelijk kleinere penselen, omdat de gebieden die ik behandel kleiner worden. Ik bouw details en donkere gebieden op als dat nodig is om het schilderij te voltooien. Kleuren kunnen hier van alles zijn. Als ik wat schaduwen op het vlees donkerder maak, kan ik terugkeren naar het gebruik van wat koele kleuren. Kleine schaduwen die de kenmerken bepalen, kunnen warme donkere of koele donkere kleuren zijn. Ik mix neutrale en donkere tinten met een verscheidenheid aan complementaire kleurenparen.
Oogdetail
Het is belangrijk dat de lichte en donkere kleuren in het voltooide schilderij goed uitgebalanceerd aanvoelen en een aangename beweging over de pagina creëren. Soms hebben beginners de neiging om van de neusgaten en de pupillen van de ogen de enige donkere delen van een gezicht te maken, wat er vreemd uitziet. En als het gaat om details zoals de textuur van haar, wenkbrauwen en wimpers, is het belangrijk om zorgvuldig te observeren en niet standaard een cartoon-idee te hebben van hoe deze dingen eruit zien. Denk eerst aan grotere vormen, waarbij individuele haren op bepaalde plaatsen slechts een verbetering zijn.
Tips voor het schilderen van portretten in aquarel:
- Gebruik de grootste borstel die comfortabel is voor een bepaald gebied en schakel dan over naar een kleine borstel voor meer controle of details, alleen als dat echt nodig is. Raak niet verstrikt in het proberen een groot gebied te bedekken met een klein penseel.
- Denk aan het afbreken van de belangrijkste waardeveranderingen in het gezicht, zoals het maken van een stencil. Grote vormen en nauwkeurige waarden zijn belangrijker dan het soepel overvloeien van de ene waarde in de andere. Een preoccupatie met vermenging en gladheid kan leiden tot een overwerkt schilderij, of een gezicht dat geen structuur heeft.
- Omarm het fundamentele karakter van aquarel. Laat het leven en tot op zekere hoogte doen wat het wil doen. Accepteer bloemen, getijdenlijnen en andere organische texturen die van nature tijdens het schilderproces ontstaan als een mooi, natuurlijk onderdeel van het proces in plaats van ze te bestrijden of te corrigeren. Een organisch ongeluk is mooier dan een gebied te overbelasten om het te dwingen zich op een bepaalde manier te gedragen.
- Isoleer geen gelaatstrekken – beschouw een neus of lippen niet als objecten die apart van de rest van het gezicht moeten worden bewerkt. Werk in grote verbonden vormen.
- Als realistische, full-color huidtinten het doel zijn (in tegenstelling tot een opzettelijk beperkt palet - wat ook geweldig kan zijn), is het belangrijk om zowel een warm als een koel rood te hebben. Al het vlees bevat zowel koele als warme tonen.
- Voor kleine stukjes en reizen gebruik ik een plastic palet met individuele vakjes voor kleur en grote scheidingen om te mengen. Voor grote schilderijen gebruik ik verschillende emaille slagerstrays en individuele keramische schalen.
Ik hou ervan hoe pigmentrijk DANIEL SMITH-waterverven zijn, waardoor ik gemakkelijk een intense kleurverzadiging kan bereiken. Ze bevochtigen gemakkelijk weer tot volledige sterkte, zelfs als ze op een palet worden gedroogd - net als nieuw zonder schrobben of wrijven! De brede selectie van kleuren, inclusief die met unieke eigenschappen die nergens anders verkrijgbaar zijn, betekent dat elke kunstenaar precies het palet kan kiezen dat het beste bij hem past, en precies kan vinden wat nodig is in alle omstandigheden.
