Para este retrato titulado Hada, Comencé con una foto de mi amiga Amy, bailarina y hada profesional, quien improvisó una sesión de fotos conmigo en un festival. Su expresión melancólica y su vestuario fantasioso me sirvieron de inspiración para la pintura. Esta obra es un ejemplo de mi proceso habitual de retrato en acuarela.
Me gusta trabajar con una foto de referencia como punto de partida, ya que una foto puede capturar expresiones y movimientos fugaces, así como los recuerdos de un momento y lugar específicos. Aunque también disfruto pintando al natural (y esta práctica influye en todos mis demás dibujos y pinturas), un modelo en vivo tiene limitaciones en cuanto a lo que se puede mantener durante varias horas. A veces contrato modelos específicos para fotografiar (o recurro a amigos y familiares), otras veces llevo mi cámara a eventos para capturar momentos más espontáneos. Me encanta trabajar con bailarines, actores y todo tipo de artistas, ya que se sienten muy cómodos frente a la cámara. Puede que tenga un concepto concreto en mente cuando empiezo a fotografiar como referencia, o simplemente guardo las fotos y veo qué me inspiran más adelante.
Busco expresiones, gestos y luz que me inspiren en las fotos, pero no me preocupo por mantener la composición original de la foto ni por pintar todo exactamente como se muestra en la fotografía.
En este caso, primero recorto una fotografía de cuerpo entero y luego muevo el retrato dos tercios a la derecha de la composición horizontal para poder seguir la mirada del sujeto a través de la imagen. Mi intención es eliminar la información superflua del fondo y representar el entorno de forma expresiva. También planeo aplicar colores más cálidos a la imagen, ya que tiene un ligero tono frío.
Me gusta trabajar sobre papel de 300 lb de grano grueso (prensado en frío). No estiro el papel, pero a veces lo sujeto a un tablero para facilitar su manipulación mientras trabajo. Empiezo con un dibujo preliminar bastante definido, lo que me permite ser más espontáneo y relajado en el proceso de pintura; sé que ya tengo claro mi retrato. Para evitar sobrecargar el papel antes de empezar a pintar, transfiero las líneas básicas de la imagen desde un dibujo preliminar aparte o una copia de mi fotografía, y luego perfecciono y desarrollo el dibujo con un portaminas HB #2. Intento evitar borrar en exceso.
Paso 1: Fondo expresivo
Como busco un fondo suelto y expresivo para esta pieza, empiezo por ahí. Trabajo principalmente con la técnica húmedo sobre húmedo, pintando una interpretación suave del entorno natural de la foto, omitiendo elementos superfluos. También añado una gran franja rosa que irradia desde la flor, para crear una especie de sensación mágica. Dejo que parte del fondo se funda con la sombra de la figura. Además, espolvoreo sal en algunas zonas del fondo mientras aún está semihúmedo para crear pequeñas manchas de sal que aporten un toque atmosférico adicional. Cuando trabajo en una superficie grande como un fondo, intento usar el pincel más grande posible, cambiando a pinceles más pequeños solo cuando necesito mayor control.
Paso 2: Imprimación fría
Mi proceso básico para pintar un retrato en acuarela comienza con una imprimación de colores fríos. Esta es una peculiaridad personal que desarrollé a base de prueba y error al pintar muchísimos retratos por encargo justo después de graduarme de la escuela de arte. Pintar piel de forma realista requiere usar no solo colores cálidos, sino también algunos fríos. Descubrí que pintar primero algunos de los colores fríos ayudaba a fijarlos bajo la superficie de la piel, y también me permitía tener una buena idea de la estructura tonal general de la pintura desde el principio.
Es fundamental tener en cuenta que esta NO es una imprimación de valor total como la que se haría en una grisalla de tierra de sombra en la pintura al óleo. Dado que todo lo que se aplique en acuarela permanecerá visible a través de las capas transparentes posteriores, un exceso de esta primera capa fría resultaría completamente abrumador. Simplemente me centro en las sombras frías que percibo. Grandes secciones del retrato permanecen sin pintar en esta etapa.
Cromo azul cerúleo El azul es el color que más utilizo en esta etapa. Tiene un ligero matiz cálido y, aun en su máxima intensidad, no es demasiado profundo. Sin embargo, a veces integro verdes, otros azules y morados en esta etapa, dependiendo del tono de piel del sujeto o de la iluminación de la escena. En un sujeto de piel oscura, la base fría podría evolucionar hacia el uso de azul ultramar y morados.
Durante esta etapa, me aseguro de sombrear el blanco de los ojos y los dientes visibles con sutiles tonos fríos. Aparte de algunos brillos intensos en estas zonas, nunca llegan a ser completamente blancas. Además, suelo extender las sombras frías a otras áreas, como la ropa, para mantener la coherencia.
En general, suelo pensar en formas de valor y color, dejando contornos bastante definidos. Puede que suavice el borde de una transición dentro de un rostro con un poco de agua o con la textura de un pincel seco, pero la suavidad no es algo que me preocupe. No la considero una característica fundamental de la acuarela. Las relaciones principales son más importantes para crear la ilusión de realismo. Y cualquier florecimiento o textura orgánica que surja durante el proceso de pintura es bienvenido y apreciado.
Detalle de una flor en acuarela.
Paso 3: Tonos de piel cálidos más claros
Una vez que la capa anterior esté completamente seca (uso un secador de pelo si tengo prisa), observo la fotografía e identifico tanto los reflejos blancos puros en la piel como los tonos cálidos más claros. Aplico una capa gruesa de este color claro sobre todas las zonas de la piel, excepto los reflejos blancos. La aplico directamente sobre la capa base fría. Amarillo indio, Escarlata de pirrol, Carmesí de alizarina permanente, y Rosa de quinacridona Estos son los colores que suelo elegir al mezclar este color. No hay una fórmula exacta; depende de lo que observe. En este caso, las zonas más claras del rostro del sujeto parecen adquirir un tono más amarillento, así que utilicé principalmente amarillo indio y escarlata pirrol, bien diluidos. Mientras la mezcla aún estaba húmeda, apliqué un poco de escarlata pirrol debajo de la barbilla del sujeto, donde hay un brillo soleado particularmente cálido.
Paso 4: Tonos medios cálidos de color carne
Una vez más, dejo que la capa anterior se seque por completo. Ahora estoy aplicando mi color carne cálido de tono medio sobre las luces más claras, dejando algunas de esas áreas claras anteriores sin pintar. Por lo general, uso los mismos colores que arriba, aunque para pieles más oscuras, también puedo introducir Siena tostada En esta etapa, los tonos medios de este sujeto me parecen más rosados, así que uso rojos más fríos en la mezcla. También habrá variación entre las distintas áreas de esta capa. Es importante no dudar demasiado al pintar los tonos medios cálidos. En esta etapa, serán lo más oscuro del rostro, lo que puede llevar a querer pintarlos demasiado claros. Es mejor ser un poco más enérgico ahora, en lugar de darse cuenta al final de que todos los tonos medios están demasiado deslavados.
Paso 5: Bloqueo
Antes de añadir más detalles al rostro, me aseguro de que todas las demás áreas del cuadro estén cubiertas con un color claro adecuado. Intento trabajar la pintura en su conjunto para comprender las relaciones generales, en lugar de terminar completamente un área mientras otra permanece sin pintar..
En esta etapa, puedo empezar a usar pinceles más pequeños, ya que las áreas que trabajo se reducen. Añado detalles y zonas más oscuras según sea necesario para completar la pintura. Los colores aquí pueden ser cualquiera. Al oscurecer algunas sombras en la piel, puedo volver a usar colores fríos. Las pequeñas sombras que definen los rasgos pueden ser oscuras cálidas o frías. Mezclo neutros y oscuros usando una variedad de pares de colores complementarios.
Detalle del ojo
Es importante que las luces y las sombras en la pintura terminada estén bien equilibradas y creen un movimiento armonioso en la página. A veces, los principiantes tienden a pintar solo las fosas nasales y las pupilas como zonas oscuras del rostro, lo cual resulta extraño. En cuanto a detalles como la textura del cabello, las cejas y las pestañas, es fundamental observar con atención y no recurrir a una representación caricaturesca. Piensa primero en las formas generales, y utiliza los pelos individuales como un simple detalle en ciertos lugares.
Consejos para pintar retratos en acuarela:
- Utiliza la brocha más grande que te resulte cómoda para la zona que vas a pintar y, si necesitas más precisión, cambia a una más pequeña solo cuando sea realmente necesario. No te obsesiones con intentar cubrir una gran superficie con una brocha diminuta.
- Piensa en desglosar los principales cambios de valor en el rostro como si crearas una plantilla. Las formas grandes y los valores precisos son más importantes que la transición suave entre un valor y otro. Una obsesión con la fusión y la suavidad puede llevar a una pintura recargada o a un rostro sin estructura.
- Acepta la esencia de la acuarela. Permítele fluir y expresarse libremente, hasta cierto punto. Acepta las manchas, las líneas de marea y otras texturas orgánicas que surgen de forma natural durante el proceso pictórico como parte hermosa y natural del mismo, en lugar de luchar contra ellas o intentar corregirlas. Un accidente orgánico es más bello que sobrecargar una zona intentando forzarla a comportarse de cierta manera.
- No aísles los rasgos faciales; no pienses en la nariz o los labios como objetos que deban trabajarse por separado del resto del rostro. Trabaja con formas grandes y conectadas.
- Si el objetivo es lograr tonos de piel realistas y a todo color (en lugar de una paleta intencionadamente limitada, que también puede ser excelente), es importante contar con un rojo cálido y otro frío. Todos los tonos de piel contienen tanto tonos fríos como cálidos.
- Para piezas pequeñas y para viajar, uso una paleta de plástico con compartimentos individuales para el color y divisiones grandes para mezclar. Para cuadros grandes, uso diversas bandejas de carnicero esmaltadas y platos de cerámica individuales.
Me encanta la alta pigmentación de las acuarelas DANIEL SMITH, que me permite lograr una saturación de color intensa con facilidad. Se rehidratan rápidamente y recuperan toda su intensidad incluso después de secarse en la paleta, ¡como nuevas, sin necesidad de frotar ni restregar! La amplia selección de colores, incluyendo algunos con propiedades únicas que no se encuentran en otros productos, permite que cada artista elija la paleta que mejor se adapte a sus necesidades y encuentre justo lo que necesita en cualquier circunstancia.
