Cuota:
Para este retrato titulado hadas, comencé con una foto de mi amiga Amy, bailarina y hada profesional, quien hizo una sesión de fotos improvisada conmigo en un festival. Me gustó su expresión melancólica y su vestuario fantasioso como principal inspiración para la pintura. Esta pieza es un ejemplo de mi típico proceso de pintura de retratos en acuarela.
Me gusta trabajar con una foto de referencia como punto de partida porque una foto puede capturar expresiones y movimientos fugaces, así como los recuerdos de un momento y un lugar en particular. Aunque también disfruto pintando el modelo de la vida (y esta práctica informa todos mis otros dibujos y pinturas), un modelo en vivo es más limitado en lo que se puede sostener durante varias horas. A veces contrato modelos específicos a los que quiero fotografiar (o presiono a amigos y familiares para que trabajen), otras veces llevo mi cámara a eventos para capturar momentos más orgánicos. Particularmente me encanta trabajar con bailarines, actores y todo tipo de intérpretes, ya que se sienten muy cómodos frente a una cámara. Puede que tenga un concepto particular en mente cuando empiezo a tomar fotografías como referencia, o puede que simplemente guarde las fotos y vea lo que me inspiran más adelante.
Busco expresiones, gestos y luces que me inspiren en las fotos, pero no me preocupo por mantener la composición original de la foto, o pintar todo exactamente como se muestra en la fotografía.
En este caso, primero recorto una fotografía más grande de cuerpo entero y luego muevo el retrato 2/3 a la derecha de una composición horizontal para que podamos seguir la mirada del sujeto a través de la composición. Planeo eliminar la información de fondo superflua y manejar el entorno de una manera expresiva. También planeo pintar los colores generales un poco más cálidos que los que capturó mi cámara, ya que la foto tiene un tono ligeramente frío.
Me gusta trabajar en papel prensado en frío (áspero) de 300 libras. No estiro mi papel, pero puedo sujetarlo a una tabla para facilitar la manipulación de la pieza mientras trabajo. Comenzaré con un dibujo preliminar bastante bien definido, lo que me permite estar más suelto y relajado con el proceso de pintura, sé que ya tengo mi imagen clavada. Para evitar sobrecargar el papel antes de comenzar a pintar, transferiré las líneas básicas de la imagen de un dibujo preliminar separado o una copia preliminar de mi fotografía, y luego refinaré y desarrollaré el dibujo con un lápiz mecánico HB #2. Intento evitar el borrado excesivo.
Paso 1: fondo expresivo
Como quiero un trasfondo suelto y expresivo para esta pieza, empiezo por ahí. Trabajo principalmente mojado sobre mojado, pintando una interpretación suave del entorno natural en la foto, dejando fuera los elementos extraños. También agrego una gran franja de rosa que irradia de la flor, para crear una especie de sensación mágica. Permito que parte del fondo se fusione con el lado oscuro de la figura. También espolvoreo un poco de sal en áreas del fondo mientras está semihúmedo para crear pequeñas flores de sal como un elemento atmosférico adicional. Cuando estoy trabajando en un área grande como un fondo, trato de usar el pincel más grande que puedo, solo cambio a pinceles más pequeños para tener más control cuando lo necesito.
Paso 2: pintura base fresca
Mi proceso básico para pintar un retrato en acuarela comienza con una pintura base de colores fríos. Esta es una peculiaridad personal que desarrollé a través de prueba y error cuando pinté montones y montones de encargos de retratos recién salido de la escuela de arte. Pintar carne creíble requiere usar no solo colores cálidos, sino también algunos fríos. Descubrí que pintar algunos de los fríos primero ayudó a fijarlos debajo de la superficie de la piel, y también me ayudó a tener una buena idea de la estructura de valor general de la pintura desde el principio.
Es vital tener en cuenta que esta NO es una pintura base de valor completo como se podría hacer con una grisalla ámbar en una pintura al óleo. Dado que todo lo que se escribe en la página en una acuarela permanecerá visible a través de las capas transparentes posteriores, exagerar con esta capa genial inicial sería completamente abrumador. Solo me enfoco en las sombras geniales que veo. Grandes secciones del retrato permanecen sin pintar en esta etapa.
Cromo azul cerúleo es el color que uso con más frecuencia para esta etapa. Tiene una ligera calidez, e incluso en toda su fuerza, no tiene un valor demasiado profundo. Sin embargo, a veces integro verdes, otras azules y violetas en esta etapa, según la complexión del sujeto o la iluminación de la escena. En un sujeto con piel oscura, la pintura base fría podría pasar a usar más azul ultramar y púrpura.
Durante esta etapa, también me aseguro de poner el blanco de los ojos y los dientes visibles principalmente en una sombra sutil y fría. Aparte de los reflejos brillantes en estas áreas, nunca son completamente del blanco del papel. También suelo llevar las sombras frías a otras áreas como la ropa para darle consistencia.
En general, tiendo a pensar en formas de valor y color, dejando bordes bastante marcados en mis formas. Podría suavizar el borde de una transición dentro de una cara con solo un poco de agua limpia o con una textura de pincel seco, pero la suavidad no es algo que me preocupe. No lo considero una característica fundamental de la acuarela. Las relaciones principales son más fundamentales para crear la ilusión de realismo. Y cualquier flor o textura orgánica que surja en el curso de la pintura es aceptada y apreciada.
Detalle de flor de acuarela.
Paso 3: Tonos de piel cálidos más claros
Una vez que la capa anterior está completamente seca (uso un secador de pelo si estoy impaciente), miro mi fotografía e identifico tanto los reflejos blancos puros en la carne como los tonos cálidos de la carne más claros. Apliqué un gran lavado en todas las áreas de la carne, excepto en los reflejos blancos, en este color carne claro. Va directamente sobre la pintura base fresca. Amarillo indio, Pyrrol escarlata, Carmesí de alizarina permanente, y Rosa de quinacridona son los colores que suelo elegir cuando mezclo este color. No hay una fórmula exacta, depende de lo que observe. En este caso, las áreas de luz más claras en la cara de los sujetos parecen volverse más amarillentas, por lo que usé principalmente Indian Yellow y Pyrrol Scarlet, bien diluidos. Mientras este lavado estaba húmedo, dejo caer un poco de Pyrrol Scarlet debajo de la barbilla del sujeto, donde hay un brillo soleado particularmente cálido.
Paso 4: Colores carne cálidos de tono medio
Una vez más, dejo que la capa anterior se seque por completo. Ahora estoy superponiendo mi color carne cálido de tono medio sobre las luces más claras, dejando algunas de esas áreas claras anteriores sin pintar. Suelo utilizar los mismos colores que el anterior, aunque para pieles más oscuras, también puedo introducir Siena tostado En este punto. Los tonos medios de este tema me parecen más rosados, así que uso rojos más fríos en la mezcla. También habrá variedad de un área a la siguiente en esta capa. Es importante no dudar demasiado al pintar los tonos medios cálidos. En esta etapa del pintado serán lo más oscuro del rostro, lo que puede llevar a una tendencia a querer pintarlos demasiado claros. Es mejor ser un poco más agresivo ahora, en lugar de darse cuenta al final de la pintura de que todos los tonos medios están demasiado desvaídos.
Paso 5: Bloqueo
Antes de pasar a agregar más detalles a la cara, me aseguro de que todas las demás áreas de la pintura estén bloqueadas con un color claro apropiado. Trato de trabajar una pintura como un todo para poder entender las relaciones generales, en lugar de terminar totalmente un área mientras otra todavía está totalmente sin pintar..
En esta etapa, es posible que cambie a usar principalmente pinceles más pequeños, ya que las áreas que estoy manejando son cada vez más pequeñas. Construyo detalles y áreas más oscuras según sea necesario para completar la pintura. Los colores aquí pueden ser cualquier cosa. Mientras oscurezco algunas sombras en la carne, puedo volver a usar algunos colores fríos. Las pequeñas sombras que definen las características pueden ser sombras cálidas o sombras frías. Mezclo neutrales y oscuros usando una variedad de pares de colores complementarios.
detalle de ojos
Es importante que las luces y las sombras en la pintura terminada se sientan bien equilibradas y creen un movimiento agradable alrededor de la página. A veces, los principiantes tienden a hacer que las fosas nasales y las pupilas de los ojos sean las únicas áreas oscuras en una cara, lo que se ve extraño. Y cuando se trata de detalles como la textura del cabello, las cejas y las pestañas, es importante observar con cuidado y no caer en una idea de dibujos animados de cómo se ven estas cosas. Piense primero en formas más grandes, siendo los pelos individuales solo una mejora en ciertos lugares.
Consejos para pintar retratos en acuarela:
- Use el cepillo más grande que sea cómodo para un área, luego cambie a uno pequeño para obtener más control o detalles solo cuando realmente lo necesite. No se deje atrapar por tratar de cubrir una gran área con un cepillo pequeño.
- Piense en desglosar los principales cambios de valor en la cara como si estuviera creando una plantilla. Las formas grandes y los valores precisos son más importantes que combinar suavemente un valor con el siguiente. Una preocupación por la mezcla y la suavidad puede llevar a una pintura con exceso de trabajo o a una cara que carece de estructura.
- Abraza el carácter fundamental de la acuarela. Permita que esté vivo y haga lo que quiera hacer, hasta cierto punto. Acepte las flores, las líneas de marea y otras texturas orgánicas que surgen naturalmente durante el proceso de pintura como una parte hermosa y natural del proceso en lugar de combatirlas o tratar de corregirlas. Un accidente orgánico es más hermoso que sobrecargar un área tratando de obligarla a comportarse de cierta manera.
- No aísle las características: no piense en la nariz o los labios como objetos que deben trabajarse por separado del resto de la cara. Trabaja en grandes formas conectadas.
- Si el objetivo son tonos de piel realistas a todo color (a diferencia de una paleta intencionalmente limitada, que también puede ser excelente), es importante tener un rojo cálido y uno frío. Toda la carne contiene tonos fríos y cálidos.
- Para piezas pequeñas y de viaje utilizo una paleta de plástico con pocillos individuales para el color y grandes divisiones para mezclar. Para pinturas grandes, uso una variedad de bandejas de carnicero esmaltadas y platos individuales de cerámica.
Me encanta lo ricas en pigmentos que son las acuarelas DANIEL SMITH, lo que me permite lograr fácilmente una saturación intensa del color. Fácilmente se vuelven a humedecer con toda su fuerza incluso cuando se dejan secar en una paleta, ¡como nuevos sin frotar ni frotar! La amplia selección de colores, incluidos aquellos con propiedades únicas que no están disponibles en otros lugares, significa que cada artista puede elegir con precisión la paleta que mejor se adapte a sus necesidades y encontrar exactamente lo que se necesita en cualquier circunstancia.
