Per questo ritratto intitolato Fate, Ho iniziato con una foto della mia amica Amy, ballerina e fata professionista, che ha improvvisato un servizio fotografico con me durante un festival. La sua espressione malinconica e il suo costume fantasioso mi sono piaciuti molto e sono diventati la principale fonte d'ispirazione per il dipinto. Quest'opera è un esempio del mio tipico processo di realizzazione di ritratti ad acquerello.
Mi piace lavorare partendo da una foto di riferimento, perché una foto può catturare espressioni e movimenti fugaci, così come i ricordi di un momento e di un luogo specifici. Sebbene mi piaccia anche dipingere dal vivo (e questa pratica influenza tutti i miei altri disegni e dipinti), un modello dal vivo è più limitato in ciò che può essere mantenuto per diverse ore. A volte ingaggio modelli specifici che voglio fotografare (oppure chiedo aiuto ad amici e familiari), altre volte porto la mia macchina fotografica agli eventi per catturare momenti più spontanei. Mi piace particolarmente lavorare con ballerini, attori e artisti di ogni genere, poiché si sentono molto a loro agio davanti all'obiettivo. Potrei avere un concetto preciso in mente quando inizio a scattare le foto di riferimento, oppure potrei semplicemente archiviarle e vedere cosa mi ispirano in seguito.
Nelle fotografie cerco espressioni, gesti e luci che mi ispirino, ma non mi preoccupo di mantenere la composizione originale o di dipingere tutto esattamente come appare nella fotografia.
In questo caso, per prima cosa ritaglio una fotografia a figura intera più grande, poi sposto il ritratto di 2/3 a destra di una composizione orizzontale in modo da poter seguire lo sguardo del soggetto attraverso l'inquadratura. Ho intenzione di eliminare le informazioni superflue dello sfondo e di gestire l'ambiente in modo espressivo. Prevedo anche di dipingere i colori complessivi con tonalità leggermente più calde rispetto a quelle catturate dalla fotocamera, poiché la foto presenta una leggera dominante fredda.
Mi piace lavorare su carta ruvida da 300 libbre (circa 136 g/m²). Non tendo la carta, ma a volte la fisso a un supporto rigido per facilitarne la manipolazione durante il lavoro. Inizio con un disegno preliminare abbastanza definito, che mi permette di essere più libero e rilassato durante la pittura: so di aver già ben chiaro il soggetto. Per evitare di lavorare troppo la carta prima di iniziare a dipingere, riporto le linee di base dell'immagine da un disegno preliminare separato o da una bozza della mia fotografia, e poi perfeziono e sviluppo il disegno con una matita meccanica HB #2. Cerco di evitare di cancellare eccessivamente.
Passaggio 1: Sfondo espressivo
Poiché desidero uno sfondo libero ed espressivo per quest'opera, inizio da lì. Lavoro principalmente con la tecnica bagnato su bagnato, dipingendo una delicata interpretazione dell'ambiente naturale della foto, tralasciando gli elementi superflui. Aggiungo anche un'ampia distesa di rosa che si irradia dal fiore, per creare una sorta di atmosfera magica. Lascio che parte dello sfondo si fonda con l'ombra della figura. Inoltre, spargo del sale in alcune zone dello sfondo ancora semi-umido per creare piccole fioriture di sale che fungano da ulteriore elemento atmosferico. Quando lavoro su una superficie ampia come uno sfondo, cerco di usare il pennello più grande possibile, passando a pennelli più piccoli solo quando necessario per un maggiore controllo.
Passaggio 2: Sottostrato freddo
Il mio processo di base per dipingere un ritratto ad acquerello inizia con una sottostruttura di colori freddi. Questa è una mia peculiarità personale, sviluppata attraverso tentativi ed errori durante le numerose commissioni di ritratti che ho realizzato subito dopo aver terminato gli studi artistici. Dipingere un incarnato realistico richiede l'uso non solo di colori caldi, ma anche di tonalità fredde. Ho scoperto che dipingere prima alcuni colori freddi aiutava a fissarli sotto la superficie della pelle e mi permetteva di avere fin da subito una buona percezione della struttura tonale complessiva del dipinto.
È fondamentale sottolineare che questa NON è una preparazione a pieno tono come si potrebbe fare con l'ombreggiatura grigia nella pittura a olio. Poiché tutto ciò che viene steso sulla carta con l'acquerello rimarrà visibile attraverso gli strati trasparenti successivi, esagerare con questo primo strato di colori freddi sarebbe del tutto eccessivo. Mi concentro solo sulle ombre fredde che vedo. Ampie sezioni del ritratto rimangono non dipinte in questa fase.
Cromo blu ceruleo È il colore che uso più spesso in questa fase. Ha una leggera tonalità calda e, anche a piena intensità, non è troppo scuro. Tuttavia, a volte integro verdi, altri blu e viola in questa fase, a seconda dell'incarnato del soggetto o dell'illuminazione della scena. Su un soggetto con la pelle scura, la sottostruttura fredda potrebbe virare verso l'uso di blu oltremare e viola.
In questa fase, mi assicuro anche di ombreggiare con tonalità fredde e delicate la parte bianca degli occhi e i denti visibili. A parte eventuali punti luce brillanti, queste zone non sono mai completamente bianche come la carta. Di solito, per uniformità, estendono le ombre fredde anche ad altre aree, come gli abiti.
Nel complesso, tendo a pensare in termini di forme, valori e colori, lasciando contorni piuttosto netti alle mie figure. Potrei ammorbidire il bordo di una transizione all'interno di un volto con un po' d'acqua pulita o con una pennellata asciutta, ma la levigatezza non è un aspetto che mi preoccupa. Non la considero una caratteristica fondamentale dell'acquerello. Le relazioni principali sono più importanti per creare l'illusione del realismo. E qualsiasi fioritura o texture organica che emerga nel corso della pittura viene accolta e apprezzata.
Dettaglio di una fioritura ad acquerello.
Passaggio 3: Tonalità di incarnato calde e chiarissime
Una volta che lo strato precedente è completamente asciutto (uso un asciugacapelli se sono impaziente), guardo la mia fotografia e individuo sia i punti luce bianchi puri sulla pelle, sia le tonalità più chiare e calde della pelle. Stendo un ampio strato di questo colore chiaro su tutte le aree della pelle, tranne i punti luce bianchi. Si sovrappone direttamente alla pittura di base fredda. Giallo indiano, Pirrolo Scarlatto, Rosso Alizarina Permanente, E Rosa chinacridone Questi sono i colori che di solito scelgo quando preparo questa tonalità. Non esiste una formula precisa: dipende da ciò che osservo. In questo caso, le zone più chiare del viso del soggetto sembrano virare al giallastro, quindi ho usato principalmente Giallo Indiano e Scarlatto Pirrolo, ben diluiti. Mentre questa velatura era ancora fresca, ho aggiunto qualche goccia di Scarlatto Pirrolo sotto il mento del soggetto, dove c'è un bagliore solare particolarmente caldo.
Passaggio 4: Colori caldi della pelle di media intensità
Ancora una volta, lascio asciugare completamente lo strato precedente. Ora sto applicando il mio colore carne caldo di tonalità media sopra le zone più chiare, lasciando alcune di queste zone chiare precedenti non dipinte. Di solito uso gli stessi colori di cui sopra, anche se per la pelle più scura potrei anche introdurre Terra di Siena bruciata In questa fase, i toni medi di questo soggetto mi sembrano più rosati, quindi utilizzo rossi più freddi nella miscela. Ci sarà anche una certa varietà da un'area all'altra in questo strato. È importante non esitare troppo quando si dipingono i toni medi caldi. In questa fase del dipinto saranno la cosa più scura sul viso, il che può portare alla tendenza a dipingerli troppo chiari. Meglio essere un po' più decisi ora, piuttosto che rendersi conto alla fine del dipinto che tutti i toni medi sono troppo sbiaditi.
Passaggio 5: Blocco
Prima di passare ad aggiungere ulteriori dettagli al viso, mi assicuro che tutte le altre aree del dipinto siano abbozzate con un colore chiaro appropriato. Cerco di lavorare al dipinto nella sua interezza, in modo da comprenderne le relazioni complessive, piuttosto che terminare completamente un'area mentre un'altra è ancora totalmente incompleta..
In questa fase potrei passare a utilizzare principalmente pennelli più piccoli, dato che le aree su cui lavoro si riducono. Aggiungo dettagli e zone più scure secondo necessità per completare il dipinto. I colori in questa fase possono essere di qualsiasi tipo. Man mano che scurisco le ombre sulla pelle, potrei tornare a usare colori freddi. Le piccole ombre che definiscono i lineamenti possono essere scure, calde o fredde. Mescolo colori neutri e scuri utilizzando diverse coppie di colori complementari.
Dettaglio dell'occhio
È importante che le luci e le ombre nel dipinto finito risultino ben bilanciate e creino un piacevole movimento sulla tela. A volte i principianti tendono a rendere scure solo le narici e le pupille degli occhi, il che appare strano. E quando si tratta di dettagli come la consistenza dei capelli, delle sopracciglia e delle ciglia, è importante osservare attentamente e non farsi condizionare da un'idea semplicistica di come dovrebbero apparire. Pensate prima alle forme generali, considerando i singoli capelli come un semplice dettaglio di contorno.
Consigli per dipingere ritratti ad acquerello:
- Utilizza il pennello più grande che ti risulti comodo per l'area da dipingere, poi passa a uno più piccolo per un maggiore controllo o per i dettagli solo quando è strettamente necessario. Non farti prendere dalla frustrazione di cercare di coprire una vasta area con un pennello minuscolo.
- Pensate alla scomposizione delle principali variazioni di valore nel viso come alla creazione di uno stencil. Forme ampie e valori precisi sono più importanti della sfumatura uniforme da un valore all'altro. Un'eccessiva attenzione alla sfumatura e alla levigatezza può portare a un dipinto troppo elaborato o a un viso privo di struttura.
- Abbraccia la natura fondamentale dell'acquerello. Lascia che sia vivo e che faccia ciò che vuole, entro certi limiti. Accetta fioriture, linee di marea e altre texture organiche che emergono naturalmente durante il processo pittorico come una parte bella e naturale del processo stesso, invece di combatterle o cercare di correggerle. Un incidente organico è più bello di un'area sovraccaricata cercando di forzarla a comportarsi in un certo modo.
- Non isolare i singoli tratti del viso: non pensare al naso o alle labbra come a elementi da trattare separatamente dal resto del volto. Lavora piuttosto su forme ampie e connesse tra loro.
- Se l'obiettivo è ottenere tonalità di incarnato realistiche e a colori pieni (a differenza di una tavolozza volutamente limitata, che può comunque essere ottima), è importante avere sia un rosso caldo che un rosso freddo. Ogni incarnato contiene sia tonalità calde che fredde.
- Per i lavori di piccole dimensioni e per i viaggi, utilizzo una tavolozza di plastica con scomparti individuali per i colori e ampi divisori per la miscelazione. Per i dipinti di grandi dimensioni, utilizzo diversi vassoi da macellaio smaltati e piattini di ceramica individuali.
Adoro la ricchezza di pigmenti degli acquerelli DANIEL SMITH, che mi permette di ottenere facilmente intense saturazioni di colore. Si riattivano facilmente con l'acqua anche se lasciati asciugare sulla tavolozza, tornando come nuovi senza bisogno di strofinare! L'ampia selezione di colori, inclusi quelli con proprietà uniche non disponibili altrove, permette a ogni artista di scegliere la tavolozza più adatta alle proprie esigenze e di trovare esattamente ciò che serve in qualsiasi circostanza.
