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Per questo ritratto dipinto intitolato Fa, ho iniziato con una foto della mia amica Amy, una ballerina e fata professionista, che ha fatto un servizio fotografico improvvisato con me a un festival. Mi è piaciuta la sua espressione malinconica e i costumi fantasiosi come ispirazione principale per il dipinto. Questo pezzo è un esempio del mio tipico processo di ritrattistica ad acquerello.
Mi piace lavorare con una foto di riferimento come punto di partenza perché una foto può catturare espressioni e movimenti fugaci, nonché i ricordi di un tempo e di un luogo particolari. Sebbene mi piaccia anche dipingere il modello dal vero (e questa pratica informa tutti gli altri miei disegni e dipinti), un modello dal vivo è più limitato in ciò che può essere sostenuto per diverse ore. A volte assumo modelli specifici di cui voglio scattare foto (o spingo amici e familiari a mettersi in servizio), altre volte porto la mia macchina fotografica agli eventi per catturare momenti più organici. Mi piace particolarmente lavorare con ballerini, attori e tutti i tipi di artisti, dal momento che sono molto a loro agio davanti a una telecamera. Potrei avere in mente un concetto particolare quando inizio a scattare come riferimento, oppure potrei semplicemente archiviare le foto e vedere cosa ispirano per me in seguito.
Cerco espressioni, gesti e luce che mi ispirano nelle foto, ma non mi preoccupo di mantenere la composizione originale della foto o di dipingere tutto esattamente come mostrato nella fotografia.
In questo caso, ritagliamo prima una fotografia a corpo intero più grande, quindi sposto il ritratto di 2/3 a destra di una composizione orizzontale in modo da poter seguire lo sguardo del soggetto attraverso la composizione. Ho intenzione di eliminare le informazioni di base estranee e di gestire l'ambiente in modo espressivo. Ho anche intenzione di dipingere i colori complessivi un po' più caldi di quelli catturati dalla mia fotocamera, poiché la foto ha una leggera dominante fredda.
Mi piace lavorare su carta da stampa a freddo (ruvida) da 300 libbre. Non allungo la mia carta, ma potrei attaccarla a una tavola per facilitare la manipolazione del pezzo mentre lavoro. Inizierò con un disegno preliminare abbastanza ben definito, che mi permette di essere più sciolto e rilassato con il processo di pittura: so di avere già la mia somiglianza inchiodata. Per evitare di lavorare troppo sulla carta prima di iniziare a dipingere, trasferirò le linee di base per l'immagine da un disegno preliminare separato o da una bozza della mia fotografia, quindi rifinirò e svilupperò il disegno usando una matita meccanica HB #2. Cerco di evitare cancellazioni eccessive.
Passaggio 1: sfondo espressivo
Dal momento che voglio uno sfondo ampio ed espressivo per questo pezzo, comincio da lì. Lavoro prevalentemente bagnato su bagnato, dipingendo un'interpretazione morbida dell'ambiente naturale nella foto, tralasciando gli elementi estranei. Aggiungo anche una grande striscia di rosa che si irradia dal fiore, per creare una sorta di sensazione magica. Permetto a parte dello sfondo di fondersi con il lato in ombra della figura. Cospargo anche un po' di sale nelle aree dello sfondo mentre è semi-bagnato per creare piccole fioriture di sale come elemento atmosferico aggiuntivo. Quando lavoro su una vasta area come uno sfondo, cerco di utilizzare il pennello più grande possibile, passando solo a pennelli più piccoli per un maggiore controllo quando necessario.
Passaggio 2: pittura di fondo fresca
Il mio processo di base per dipingere un ritratto ad acquerello inizia con una pittura di fondo dai colori freddi. Questa è una stranezza personale che ho sviluppato attraverso tentativi ed errori quando ho dipinto moltissimi ritratti su commissione appena uscito dalla scuola d'arte. Dipingere una carne credibile richiede l'uso non solo di colori caldi, ma anche di alcuni colori freddi. Ho scoperto che dipingere alcuni dei raffreddori ha inizialmente aiutato a fissarli sotto la superficie della pelle, e mi ha anche aiutato a ottenere un buon senso della struttura complessiva del valore del dipinto fin dall'inizio.
È fondamentale notare che questa NON è una pittura di fondo a pieno valore come si potrebbe fare con una grisaglia d'ombra nella pittura a olio. Dal momento che tutto ciò che viene messo sulla pagina in un acquerello rimarrà visibile attraverso i successivi strati trasparenti, esagerare con questo strato freddo iniziale sarebbe completamente travolgente. Mi concentro solo sulle ombre fredde che vedo. Grandi sezioni del ritratto rimangono non dipinte in questa fase.
Cromo blu ceruleo è il colore che uso più spesso per questa fase. Ha un leggero calore e, anche a piena forza, non ha un valore troppo profondo. Tuttavia, a volte integrerò i verdi, altri blu e viola in questa fase, a seconda della carnagione del soggetto o dell'illuminazione della scena. Su un soggetto con la pelle scura, la pittura di fondo fresca potrebbe passare all'uso di più blu oltremare e viola.
Durante questa fase, mi assicuro anche di mettere il bianco degli occhi e tutti i denti visibili per lo più in una sottile ombra fresca. A parte eventuali punti salienti su queste aree, non sono mai completamente il bianco della carta. Di solito porto anche le ombre fredde in altre aree come i vestiti per coerenza.
Nel complesso, tendo a pensare in forme di valore e colore, lasciando bordi abbastanza netti alle mie forme. Potrei ammorbidire il bordo di una transizione all'interno di un viso con solo un po' di acqua limpida o con una texture a pennello asciutto, ma la levigatezza non è qualcosa di cui mi preoccupo. Non la considero una caratteristica fondamentale dell'acquarello. Le relazioni principali sono più fondamentali nel creare l'illusione del realismo. E tutte le fioriture o le trame organiche che sorgono nel corso della pittura vengono abbracciate e apprezzate.
Particolare della fioritura dell'acquerello.
Passaggio 3: tonalità di carne calde più chiare
Una volta che lo strato precedente è completamente asciutto (uso un asciugacapelli se sono impaziente), guardo la mia fotografia e identifico sia i riflessi bianchi puri sulla carne, sia i toni della carne più chiari e caldi. Ho applicato un lavaggio ampio su tutte le aree della carne, ad eccezione delle alte luci bianche, in questo color carne chiaro. Va proprio sopra la fresca pittura di fondo. Giallo Indiano, Scarlatto Pirrolo, Cremisi Alizarina Permanente, e Quinacridone Rosa sono i colori che di solito scelgo quando mescolo questo colore. Non esiste una formula esatta, dipende da cosa osservo. In questo caso, le aree di luce più chiare sul viso dei soggetti sembrano spostarsi più giallastre, quindi ho usato principalmente Indian Yellow e Pyrrol Scarlet, ben diluiti. Mentre questo lavaggio era bagnato, metto un po' di Pyrrol Scarlet sotto il mento del soggetto, dove c'è un bagliore solare particolarmente caldo.
Passaggio 4: colori carne caldi di tono medio
Ancora una volta, lascio asciugare completamente lo strato precedente. Ora sto sovrapponendo il mio caldo color carne di tono medio sopra le luci più chiare, lasciando alcune di quelle precedenti aree chiare non verniciate. Di solito uso gli stessi colori di cui sopra, anche se per la pelle più scura potrei anche introdurre Terra di Siena Bruciata in questa fase. I toni medi su questo argomento mi sembrano più rosati, quindi uso rossi più freddi nel mix. Ci sarà anche varietà da un'area all'altra in questo livello. È importante non esitare troppo quando dipingi i toni medi caldi. In questa fase del dipinto saranno la cosa più scura sul viso, il che può portare alla tendenza a volerli dipingere troppo chiari. Meglio essere un po' più aggressivi ora, piuttosto che rendersi conto alla fine del dipinto che tutti i mezzitoni sono troppo sbiaditi.
Passaggio 5: blocco
Prima di passare ad aggiungere più dettagli al viso, mi assicuro che tutte le altre aree del dipinto siano bloccate con un colore chiaro appropriato. Cerco di lavorare un dipinto nel suo insieme in modo da poter capire le relazioni generali, piuttosto che finire completamente un'area mentre un'altra è ancora totalmente non dipinta.
A questo punto potrei passare all'uso di pennelli per lo più più piccoli, poiché le aree che sto gestendo stanno diventando più piccole. Costruisco dettagli e aree più scure secondo necessità per completare il dipinto. I colori qui potrebbero essere qualsiasi cosa. Man mano che scurisco alcune ombre sulla carne, potrei tornare a usare alcuni colori freddi. Piccole ombre che definiscono le caratteristiche possono essere scure calde o scure fredde. Mescolo neutri e scuri usando una varietà di coppie di colori complementari.
Particolare dell'occhio
È importante che le luci e le ombre nel dipinto finito siano ben bilanciate e creino un piacevole movimento intorno alla pagina. A volte c'è la tendenza per i principianti a rendere le narici e le pupille degli occhi le uniche aree scure su un viso, il che sembra strano. E quando si tratta di dettagli come la consistenza dei capelli, delle sopracciglia e delle ciglia, è importante osservare attentamente e non seguire un'idea da cartone animato di come appaiono queste cose. Pensa prima alle forme più grandi, con i singoli capelli che sono solo un miglioramento in determinati punti.
Suggerimenti per dipingere ritratti ad acquerello:
- Usa il pennello più grande adatto a un'area, quindi passa a uno piccolo per un maggiore controllo o dettagli solo quando ne hai davvero bisogno. Non farti prendere dal tentativo di coprire molta area con un pennello minuscolo.
- Pensa a scomporre i principali cambiamenti di valore nella faccia come creare uno stencil. Forme grandi e valori accurati sono più importanti della fusione uniforme di un valore nel successivo. Una preoccupazione per la fusione e la levigatezza può portare a un dipinto oberato di lavoro o a un viso privo di struttura.
- Abbraccia il carattere fondamentale dell'acquerello. Permettigli di essere vivo e di fare ciò che vuole fare, in una certa misura. Accetta fioriture, linee di marea e altre trame organiche che emergono naturalmente durante il processo di pittura come una parte bella e naturale del processo piuttosto che combatterle o cercare di correggerle. Un incidente organico è più bello che sovraccaricare un'area cercando di costringerla a comportarsi in un certo modo.
- Non isolare i lineamenti: non pensare a naso o labbra come oggetti che devono essere lavorati separatamente dal resto del viso. Lavora in grandi forme connesse.
- Se l'obiettivo sono i toni dell'incarnato a colori realistici (al contrario di una tavolozza intenzionalmente limitata, che può anche essere fantastica) è importante avere sia un rosso caldo che uno freddo. Tutta la carne contiene toni freddi e toni caldi.
- Per piccoli pezzi e viaggiare, utilizzo una tavolozza di plastica con pozzetti individuali per il colore e grandi divisioni per la miscelazione. Per i dipinti di grandi dimensioni, utilizzo una varietà di vassoi da macellaio smaltati e singoli piatti in ceramica.
Adoro la ricchezza di pigmenti degli acquerelli DANIEL SMITH, che mi consentono di ottenere facilmente un'intensa saturazione del colore. Si inumidiscono prontamente di nuovo alla piena forza anche se lasciati asciugare su una tavolozza - proprio come nuovi senza strofinare o sfregare! L'ampia scelta di colori, compresi quelli con proprietà uniche non disponibili altrove, significa che ogni artista può scegliere con precisione la tavolozza che funziona meglio per loro e trovare esattamente ciò che è richiesto in ogni circostanza.
