Pour ce portrait intitulé Fée, J'ai commencé par une photo de mon amie Amy, danseuse et fée professionnelle, avec qui j'ai improvisé une séance photo lors d'un festival. Son expression mélancolique et son costume féerique m'ont beaucoup inspirée pour cette peinture. Cette œuvre illustre ma méthode habituelle pour réaliser des portraits à l'aquarelle.
J'aime partir d'une photo de référence, car elle permet de saisir des expressions et des mouvements fugaces, ainsi que les souvenirs d'un lieu et d'un moment précis. Bien que j'apprécie également peindre le modèle d'après nature (et cette pratique influence tous mes autres dessins et peintures), un modèle vivant est plus limité dans ce qu'il peut maintenir pendant plusieurs heures. Parfois, j'engage des modèles spécifiques que je souhaite photographier (ou je sollicite mes amis et ma famille), d'autres fois, j'emmène mon appareil photo à des événements pour capturer des moments plus spontanés. J'aime particulièrement travailler avec des danseurs, des acteurs et toutes sortes d'artistes, car ils sont très à l'aise devant l'objectif. Il m'arrive d'avoir un concept précis en tête lorsque je commence à prendre des photos de référence, ou bien je les archive simplement et je vois ce qu'elles m'inspireront plus tard.
Je recherche dans les photos des expressions, des gestes et une lumière qui m'inspirent, mais je ne me soucie pas de conserver la composition originale de la photo, ni de peindre exactement comme sur la photo.
Dans ce cas précis, je recadre d'abord une photo en pied plus large, puis je décale le portrait de deux tiers vers la droite d'une composition horizontale afin de suivre le regard du sujet. Je prévois d'éliminer les éléments superflus en arrière-plan et de traiter l'environnement de manière expressive. Je compte également réchauffer légèrement les couleurs générales par rapport à celles capturées par mon appareil photo, car la photo présente une légère dominante froide.
J'aime travailler sur du papier grain fin de 135 g/m². Je ne tends pas le papier, mais je le fixe parfois sur un support pour faciliter sa manipulation. Je commence par un croquis préparatoire assez précis, ce qui me permet d'aborder la peinture avec plus de liberté et de sérénité : je sais que mon portrait est déjà bien défini. Pour éviter de trop travailler le papier avant de peindre, je reporte les lignes principales de l'image à partir d'un croquis préparatoire séparé ou d'une copie brouillon de ma photographie, puis j'affine et développe le dessin avec un porte-mine HB #2. J'essaie d'éviter de trop gommer.
Étape 1 : Arrière-plan expressif
Comme je souhaite un fond libre et expressif pour cette œuvre, je commence par là. Je travaille principalement à l'huile sur huile, en peignant une interprétation douce de l'environnement naturel de la photo, en omettant les éléments superflus. J'ajoute également une large bande rose rayonnant de la fleur, pour créer une atmosphère presque magique. Je laisse certaines parties du fond se fondre dans l'ombre du personnage. Je saupoudre aussi du sel par endroits sur le fond encore légèrement humide pour créer de petites gerbes de sel, un élément atmosphérique supplémentaire. Lorsque je travaille sur une grande surface comme un fond, j'essaie d'utiliser le plus gros pinceau possible, ne passant aux pinceaux plus fins que lorsque c'est nécessaire pour plus de précision.
Étape 2 : Sous-couche froide
Ma méthode de base pour peindre un portrait à l'aquarelle commence par une sous-couche aux tons froids. C'est une habitude personnelle que j'ai développée à force d'essais et d'erreurs, en réalisant de nombreuses commandes de portraits juste après mes études d'art. Peindre une chair réaliste exige d'utiliser non seulement des couleurs chaudes, mais aussi quelques tons froids. J'ai constaté que peindre d'abord certaines de ces couleurs froides permettait de les intégrer sous la surface de la peau, et cela m'aidait également à appréhender d'emblée la structure générale des valeurs de la toile.
Il est essentiel de préciser qu'il ne s'agit PAS d'une sous-couche à valeurs complètes, comme on le ferait pour une grisaille à l'huile. Puisque tout ce qui est posé sur la page à l'aquarelle restera visible à travers les couches transparentes suivantes, une sous-couche froide trop épaisse serait contre-productive. Je me concentre simplement sur les ombres froides que je perçois. De larges parties du portrait restent non peintes à ce stade.
Chrome bleu céruléen C'est la couleur que j'utilise le plus souvent à cette étape. Elle a une légère nuance chaude et, même à pleine concentration, sa valeur reste modérée. Cependant, il m'arrive d'y intégrer des verts, d'autres bleus et des violets, selon le teint du sujet ou l'éclairage de la scène. Sur un sujet à la peau foncée, la sous-couche froide peut laisser place à des bleus outremer et des violets plus prononcés.
Durant cette étape, je veille également à ombrer subtilement le blanc des yeux et les dents visibles dans des tons froids. Hormis quelques reflets lumineux, ces zones ne sont jamais d'un blanc aussi pur que le papier. Par souci d'homogénéité, j'étends généralement ces ombres froides à d'autres éléments comme les vêtements.
En général, je travaille principalement en termes de valeurs et de couleurs, ce qui donne des contours assez nets à mes formes. Il m'arrive d'adoucir une transition au sein d'un visage avec un soupçon d'eau claire ou une texture de pinceau sec, mais la perfection n'est pas ma priorité. Je ne la considère pas comme une caractéristique essentielle de l'aquarelle. Ce sont les relations principales qui sont plus importantes pour créer l'illusion du réalisme. Et toutes les imperfections ou textures organiques qui apparaissent au fil de la création sont accueillies et appréciées.
Détail d'une floraison à l'aquarelle.
Étape 3 : Teintes chair chaudes les plus claires
Une fois la couche précédente complètement sèche (j'utilise un sèche-cheveux si je suis impatiente), j'observe ma photo et repère les zones de peau d'un blanc pur, ainsi que les tons chair clairs et chauds. J'applique ensuite un large lavis de cette couleur chair claire sur toutes les zones de peau, à l'exception des zones blanches. Il recouvre directement la sous-couche froide. Jaune indien, Pyrrol Scarlet, Alizarine cramoisie permanente, et Rose de quinacridone Voici les couleurs que je choisis habituellement pour mélanger cette teinte. Il n'y a pas de formule unique ; cela dépend de mes observations. Ici, les zones les plus claires du visage du sujet semblent tirer sur le jaunâtre ; j'ai donc utilisé principalement du jaune indien et du rouge pyrrole, bien dilués. Tant que ce lavis est encore humide, j'applique une goutte de rouge pyrrole sous le menton du sujet, là où règne une douce lumière ensoleillée.
Étape 4 : Teintes chair chaudes de tonalité moyenne
Je laisse à nouveau la couche précédente sécher complètement. J'applique ensuite ma couleur chair chaude de tonalité moyenne sur les zones les plus claires, en laissant certaines de ces zones claires non peintes. J'utilise généralement les mêmes couleurs que précédemment, mais pour les peaux plus foncées, je peux également ajouter d'autres teintes. Terre de Sienne brûlée À ce stade, les tons moyens de ce sujet me semblent plus rosés ; j’utilise donc des rouges plus froids dans le mélange. Il y aura également des variations d’une zone à l’autre dans cette couche. Il est important de ne pas trop hésiter lorsqu’on peint les tons moyens chauds. À ce stade de la peinture, ce seront les éléments les plus sombres du visage, ce qui peut inciter à les peindre trop clairs. Mieux vaut être un peu plus expressif maintenant, plutôt que de se rendre compte à la fin de la peinture que tous les tons moyens sont trop délavés.
Étape 5 : Blocage
Avant de passer aux détails du visage, je m'assure que toutes les autres zones du tableau sont esquissées avec une couleur claire appropriée. J'essaie de travailler sur une toile dans son ensemble afin de comprendre les relations globales entre les éléments, plutôt que de terminer une zone alors qu'une autre reste encore totalement vierge..
À ce stade, je privilégie l'utilisation de pinceaux plus fins, car les zones à peindre se réduisent. J'ajoute progressivement les détails et les zones d'ombre pour achever le tableau. Les couleurs peuvent être de toutes sortes. En accentuant les ombres sur la chair, je peux réutiliser des couleurs froides. Les petites ombres qui soulignent les traits peuvent être réalisées dans des tons chauds ou froids. Je mélange les tons neutres et foncés en utilisant diverses paires de couleurs complémentaires.
détail des yeux
Il est important que les zones claires et sombres du tableau final soient bien équilibrées et créent un mouvement harmonieux sur la page. Les débutants ont parfois tendance à ne représenter que les narines et les pupilles comme zones sombres du visage, ce qui donne un résultat étrange. Quant aux détails comme la texture des cheveux, des sourcils et des cils, il est essentiel d'observer attentivement et de ne pas se contenter d'une représentation caricaturale. Il faut d'abord se concentrer sur les formes générales, les poils individuels n'étant qu'un détail par endroits.
Conseils pour peindre des portraits à l'aquarelle :
- Utilisez le plus gros pinceau adapté à la zone à peindre, puis passez à un plus petit pour plus de précision uniquement lorsque c'est vraiment nécessaire. N'essayez pas de couvrir une grande surface avec un pinceau minuscule.
- Imaginez que décomposer les principales variations de valeurs du visage soit comme créer un pochoir. Les grandes formes et la précision des valeurs sont plus importantes que le fondu enchaîné d'une valeur à l'autre. Se préoccuper excessivement du fondu et de la douceur peut donner un tableau surchargé, ou un visage sans structure.
- Appréciez la nature même de l'aquarelle. Laissez-la s'exprimer librement, dans une certaine mesure. Acceptez les effets de couleur, les lignes de marée et autres textures organiques qui apparaissent naturellement au cours du processus de création comme une composante belle et naturelle, plutôt que de les combattre ou de tenter de les corriger. Un accident organique est plus beau qu'un travail excessif visant à contraindre une zone à se comporter d'une certaine manière.
- Ne travaillez pas sur des traits isolés ; ne considérez pas le nez ou les lèvres comme des éléments à travailler séparément du reste du visage. Travaillez par grandes formes continues.
- Si l'objectif est d'obtenir des teintes de chair réalistes et riches en couleurs (par opposition à une palette volontairement restreinte, qui peut également être très réussie), il est important d'avoir à la fois un rouge chaud et un rouge froid. Toutes les carnations contiennent des tons froids et des tons chauds.
- Pour les petits formats et les voyages, j'utilise une palette en plastique avec des godets individuels pour les couleurs et de larges compartiments pour les mélanges. Pour les grands formats, j'utilise divers plateaux de boucher en émail et des coupelles individuelles en céramique.
J'adore la richesse en pigments des aquarelles DANIEL SMITH, qui me permet d'obtenir facilement une saturation de couleur intense. Elles se réhydratent instantanément et retrouvent toute leur intensité, même après séchage sur la palette : comme neuves, sans avoir besoin de les frotter ! La vaste gamme de couleurs, incluant des teintes aux propriétés uniques, permet à chaque artiste de choisir la palette idéale et de trouver exactement ce qu'il lui faut en toutes circonstances.
