Partager:
Pour ce portrait intitulé Fae, j'ai commencé par une photo de mon amie Amy, danseuse et fée professionnelle, qui a fait une séance photo impromptue avec moi lors d'un festival. J'ai aimé son expression mélancolique et ses costumes fantaisistes comme principale source d'inspiration pour la peinture. Cette pièce est un exemple de mon processus typique de peinture de portrait à l'aquarelle.
J'aime travailler avec une photo de référence comme point de départ car une photo peut capturer des expressions et des mouvements fugaces, ainsi que les souvenirs d'un moment et d'un lieu particuliers. Bien que j'aime aussi peindre le modèle d'après nature (et cette pratique informe tous mes autres dessins et peintures), un modèle vivant est plus limité dans ce qui peut être soutenu pendant plusieurs heures. Parfois, j'engage des modèles spécifiques dont je veux prendre des photos (ou je presse des amis et des membres de la famille au service), d'autres fois, j'apporte mon appareil photo à des événements pour capturer des moments plus organiques. J'aime particulièrement travailler avec des danseurs, des acteurs et des performeurs en tout genre, car ils sont très à l'aise devant une caméra. Je peux avoir un concept particulier en tête lorsque je commence à prendre des photos pour référence, ou je peux simplement classer les photos et voir ce qu'elles m'inspirent plus tard.
Je recherche des expressions, des gestes et de la lumière qui m'inspirent dans les photos, mais je ne me soucie pas de conserver la composition originale de la photo ou de tout peindre exactement comme indiqué sur la photo.
Dans ce cas, je recadre d'abord une photo plus grande du corps entier, puis je déplace le portrait aux 2/3 vers la droite d'une composition horizontale afin que nous puissions suivre le regard du sujet à travers la composition. Je prévois d'éliminer les informations de fond superflues et de gérer l'environnement de manière expressive. Je prévois également de peindre les couleurs globales un peu plus chaudes que ce que mon appareil photo a capturé, car la photo a une légère teinte froide.
J'aime travailler sur du papier pressé à froid (rugueux) de 300 livres. Je n'étire pas mon papier, mais je peux le fixer à une planche pour faciliter la manipulation de la pièce pendant que je travaille. Je vais commencer par un dessin préliminaire assez bien défini, ce qui me permet d'être plus lâche et plus détendu avec le processus de peinture – je sais que j'ai déjà ma ressemblance clouée. Pour éviter de trop travailler le papier avant de commencer à peindre, je transférerai les lignes de base de l'image à partir d'un dessin préliminaire séparé ou d'un brouillon de ma photographie, puis j'affinerai et développerai le dessin à l'aide d'un porte-mine HB #2. J'essaie d'éviter un effacement excessif.
Étape 1 : arrière-plan expressif
Puisque je veux un arrière-plan lâche et expressif pour cette pièce, je commence par là. Je travaille principalement humide sur humide, peignant une interprétation douce de l'environnement naturel de la photo, en laissant de côté les éléments étrangers. J'ajoute également une grande bande de rose rayonnant de la fleur, pour créer une sorte de sensation magique. Je permets à une partie de l'arrière-plan de se fondre dans le côté ombré de la figure. Je saupoudre également du sel dans les zones de l'arrière-plan lorsqu'il est semi-humide pour créer de petites fleurs de sel comme élément atmosphérique supplémentaire. Lorsque je travaille sur une grande surface comme un arrière-plan, j'essaie d'utiliser le plus grand pinceau possible, en ne passant qu'aux pinceaux plus petits pour plus de contrôle lorsque j'en ai besoin.
Étape 2 : Refroidir la sous-couche
Mon processus de base pour peindre un portrait à l'aquarelle commence par une sous-couche de couleur froide. C'est une bizarrerie personnelle que j'ai développée par essais et erreurs lorsque j'ai peint de nombreuses commandes de portraits dès la sortie de l'école d'art. Peindre une chair crédible nécessite d'utiliser non seulement des couleurs chaudes, mais aussi des couleurs froides. J'ai trouvé que peindre certains des cools aidait d'abord à les placer sous la surface de la peau, et cela m'aidait également à avoir une bonne idée de la structure de valeur globale de la peinture dès le départ.
Il est essentiel de noter qu'il ne s'agit PAS d'une sous-couche pleine valeur comme on pourrait faire une grisaille d'ombre dans la peinture à l'huile. Étant donné que tout ce qui est déposé sur la page dans une aquarelle restera visible à travers les couches transparentes suivantes, aller trop loin avec cette couche initiale cool serait complètement écrasant. Je me concentre juste sur les ombres fraîches que je vois. De grandes sections du portrait restent non peintes à ce stade.
Chrome bleu céruléen est la couleur que j'utilise le plus souvent pour cette étape. Il a une légère chaleur, et même à pleine puissance, sa valeur n'est pas trop profonde. Cependant j'intégrerai parfois des verts, d'autres bleus et des violets à ce stade, selon la carnation du sujet ou l'éclairage de la scène. Sur un sujet à la peau foncée, la sous-couche froide peut passer à l'utilisation de plus de bleu outremer et de violets.
Au cours de cette étape, je m'assure également de mettre le blanc des yeux et toutes les dents visibles principalement dans une ombre froide subtile. Mis à part les reflets brillants sur ces zones, elles ne sont jamais complètement blanches sur le papier. Je porte aussi généralement les ombres fraîches dans d'autres domaines comme les vêtements pour plus de cohérence.
Dans l'ensemble, j'ai tendance à penser aux formes de valeur et de couleur, laissant des bords assez durs à mes formes. Je pourrais adoucir le bord d'une transition dans un visage avec juste un peu d'eau claire ou avec une texture de pinceau sec, mais la douceur n'est pas quelque chose qui me préoccupe. Je ne considère pas cela comme une caractéristique fondamentale de l'aquarelle. Les relations majeures sont plus fondamentales pour créer l'illusion de réalisme. Et toutes les fleurs ou textures organiques qui apparaissent au cours de la peinture sont embrassées et appréciées.
Détail de la floraison à l'aquarelle.
Étape 3 : les tons chair chauds les plus clairs
Une fois la couche précédente complètement sèche (j'utilise un sèche-cheveux si je suis impatient), je regarde ma photo et j'identifie à la fois les reflets blancs purs sur la chair, et les tons chair les plus clairs et chauds. J'ai appliqué un large lavis sur toutes les zones de chair, sauf les reflets blancs, dans cette couleur chair claire. Il va juste au-dessus de la sous-couche fraîche. Jaune indien, Pyrrol écarlate, Alizarine permanente pourpre, et Quinacridone Rose sont les couleurs que je choisis habituellement lorsque je mélange cette couleur. Il n'y a pas de formule exacte, cela dépend de ce que j'observe. Dans ce cas, les zones claires les plus claires du visage des sujets semblent devenir plus jaunâtres, j'ai donc utilisé principalement du jaune indien et du pyrrol écarlate, bien dilués. Pendant que ce lavis était humide, je dépose un peu de Pyrrol Scarlet sous le menton du sujet où il y a une lueur ensoleillée particulièrement chaude.
Étape 4 : Couleurs chair chaudes mi-tons
Encore une fois, je laisse la couche précédente sécher complètement. Maintenant, je superpose ma couleur chair chaude mi-ton sur les lumières les plus claires, laissant certaines de ces zones claires précédentes non peintes. J'utilise généralement les mêmes couleurs que ci-dessus, bien que pour les peaux plus foncées, je puisse également introduire Sienne brûlée à ce stade. Les tons moyens de ce sujet me semblent plus rosés, j'utilise donc des rouges plus froids dans le mélange. Il y aura également de la variété d'une zone à l'autre dans cette couche. Il est important de ne pas être trop hésitant lorsque vous peignez les tons moyens chauds. À ce stade de la peinture, ils seront la chose la plus sombre du visage, ce qui peut entraîner une tendance à vouloir les peindre trop clairs. Mieux vaut être un peu plus agressif maintenant, plutôt que de se rendre compte à la fin du tableau que tous les tons moyens sont trop délavés.
Étape 5 : Blocage
Avant de passer à l'ajout de plus de détails sur le visage, je m'assure que toutes les autres zones de la peinture sont bloquées avec une couleur claire appropriée. J'essaie de travailler une peinture dans son ensemble afin que je puisse comprendre les relations globales, plutôt que de finir totalement une zone alors qu'une autre est encore totalement non peinte.
À ce stade, je peux passer à l'utilisation de pinceaux plus petits, car les zones que je manipule deviennent plus petites. Je construis des détails et des zones plus sombres au besoin pour compléter la peinture. Les couleurs ici pourraient être n'importe quoi. Au fur et à mesure que j'assombris certaines ombres sur la chair, je peux revenir à l'utilisation de couleurs froides. Les petites ombres qui définissent les traits peuvent être des ombres chaudes ou des ombres froides. Je mélange des neutres et des foncés en utilisant une variété de paires de couleurs complémentaires.
Détail des yeux
Il est important que les lumières et les ténèbres de la peinture finie soient bien équilibrées et créent un mouvement agréable autour de la page. Parfois, les débutants ont tendance à faire des narines et des pupilles les seules zones sombres d'un visage, ce qui semble étrange. Et quand il s'agit de détails comme la texture des cheveux, des sourcils et des cils, il est important d'observer attentivement et de ne pas se fier à une idée de dessin animé de ce à quoi ces choses ressemblent. Pensez d'abord aux formes plus grandes, les poils individuels n'étant qu'une amélioration à certains endroits.
Conseils pour peindre des portraits à l'aquarelle :
- Utilisez la plus grande brosse confortable pour une zone, puis passez à une petite pour plus de contrôle ou de détails uniquement lorsque vous en avez vraiment besoin. Ne vous laissez pas prendre à essayer de couvrir une grande surface avec une petite brosse.
- Pensez à décomposer les principaux changements de valeur dans le visage comme créer un pochoir. De grandes formes et des valeurs précises sont plus importantes que le mélange en douceur d'une valeur dans la suivante. Un souci de mélange et de douceur peut conduire à une peinture trop travaillée, ou à un visage qui manque de structure.
- Adoptez le caractère fondamental de l'aquarelle. Permettez-lui d'être vivant et de faire ce qu'il veut faire, dans une certaine mesure. Acceptez les fleurs, les lignes de marée et autres textures organiques qui apparaissent naturellement pendant le processus de peinture comme une belle partie naturelle du processus plutôt que de les combattre ou d'essayer de les corriger. Un accident organique est plus beau que de surmener une zone en essayant de la forcer à se comporter d'une certaine manière.
- N'isolez pas les traits - ne considérez pas un nez ou des lèvres comme des objets qui doivent être travaillés séparément du reste du visage. Travaillez en grandes formes connectées.
- Si l'objectif est d'obtenir des tons chair réalistes et colorés (par opposition à une palette intentionnellement limitée, ce qui peut également être excellent), il est important d'avoir à la fois un rouge chaud et un rouge froid. Toute chair contient des tons froids ainsi que des tons chauds.
- Pour les petites pièces et les voyages, j'utilise une palette en plastique avec des puits individuels pour la couleur et de grandes divisions pour le mélange. Pour les grandes peintures, j'utilise une variété de plateaux de boucher en émail et de plats individuels en céramique.
J'aime la richesse en pigments des aquarelles DANIEL SMITH, qui me permettent d'obtenir facilement une saturation intense des couleurs. Ils se réhumidifient facilement à pleine force même lorsqu'ils sont laissés à sécher sur une palette - comme neufs sans frotter ni frotter ! Le large choix de couleurs, y compris celles aux propriétés uniques non disponibles ailleurs, signifie que chaque artiste peut choisir précisément la palette qui lui convient le mieux et trouver exactement ce qu'il faut en toute circonstance.
