¿Por qué haces arte?
El arte me ha acompañado desde que tengo memoria, pero el verdadero punto de inflexión fue descubrir el dibujo urbano. A través de bocetos rápidos en exteriores, descubrí la magia de la acuarela y las increíbles posibilidades de expresar emoción, atmósfera y movimiento con tan solo agua, pigmento y la gravedad.

La interacción entre pinceladas controladas y veladuras impredecibles me fascinó al instante. La acuarela está viva: fluye, reacciona, sorprende. Este medio te obliga a soltarte, a trabajar con el momento y a aceptar el comportamiento natural del agua. Ahí reside, precisamente, su belleza para mí.

Con el paso de los años, mi práctica creativa ha evolucionado: ya no solo hago bocetos, sino que también creo obras de arte en acuarela independientes en las que juego conscientemente con la transparencia, la profundidad y la hermosa imprevisibilidad del medio.

¿Cuánto tiempo llevas pintando?
Desde pequeña me ha encantado dibujar, hacer manualidades y construir cosas. Con el tiempo, entre los estudios, el trabajo a tiempo parcial y mi formación académica, tuve cada vez menos tiempo para dedicarme a esta pasión. Sin embargo, en 2017 la redescubrí a través del dibujo urbano, donde me enamoré de capturar escenas rápidamente en exteriores y trabajar con acuarela.

¿Recibiste formación artística formal?
Sí, tengo formación artística formal. Cursé clases avanzadas de arte en la escuela, lo que me proporcionó una sólida base. Además, he completado numerosos cursos en línea con artistas de renombre, así como seminarios presenciales. Gracias a estas experiencias, he trabajado en el desarrollo y perfeccionamiento de mi propio estilo artístico.

Al mismo tiempo, me considero en gran medida autodidacta: disfruto experimentando con diferentes materiales y aprendiendo continuamente a través de la práctica. Pinto no porque haya recibido formación, sino porque me impulsa la pasión por hacerlo.

¿Eres artista profesional o aficionado?
Me considero un aficionado. Valoro enormemente la libertad que supone no depender económicamente de la venta de mi arte o mis conocimientos. Creo que esta independencia influye muy positivamente en mi proceso creativo.

Me permite crear basándome únicamente en lo que disfruto y lo que me inspira en el momento, sin presión ni obligación alguna. Mi enfoque se guía por la curiosidad y la pasión, más que por las expectativas, lo que me ayuda a ser auténtico y estar abierto a la experimentación.

¿En quién o en qué te inspiras?
Encuentro inspiración en las cosas que veo y experimento en mi vida cotidiana, así como durante mis viajes. Disfruto observando atentamente mi entorno e intentando comprender cómo puedo plasmar esas impresiones en mi arte.

También me inspiran otros artistas: sus técnicas, estilos y formas de ver el mundo. Me gusta tomar elementos de diferentes fuentes y combinarlos a mi manera. Para mí, la inspiración es un proceso continuo de observación, aprendizaje y transformación de lo que encuentro en algo personal y significativo.

¿Qué tipo de música escuchas mientras pintas?
Depende mucho de la situación y de mi estado de ánimo. Disfruto de una gran variedad de música, desde clásica hasta hip hop y rock, y elijo lo que me parece adecuado en cada momento.

Dicho esto, la música no es esencial para mi proceso creativo. A veces pinto con música, y otras veces prefiero el silencio. Ambos pueden ser igualmente inspiradores de diferentes maneras.

¿Has tenido algún mentor?
En realidad, no he tenido ningún mentor. La mayor parte de lo que sé lo he aprendido mediante el autoaprendizaje y la práctica constante.

Dicho esto, a lo largo de mi trayectoria he recibido la influencia de muchos artistas —a través de cursos, talleres y sus obras— que me han guiado de diversas maneras. Considero que mi camino ha sido en gran medida autodirigido, moldeado por la curiosidad, la experimentación y la voluntad de seguir aprendiendo.

¿Pintas todos los días?
Intento pintar todos los días, ya que es una práctica excelente que me ayuda a mantener la creatividad y a ser más eficiente. Encuentro inspiración en mi vida cotidiana, así que siempre hay algo que puede despertar una idea.

Dicho esto, no siempre funciona: a veces estoy demasiado cansada o ocupada con otras cosas. Para mí, crear arte también es una forma de relajarme y recargar energías, un espacio de calma en mi día a día, así que intento que sea algo natural, no forzado.

¿Pintas una pieza a la vez o trabajas en varias simultáneamente?
Depende mucho. Al trabajar con acuarela, a menudo hay que esperar a que se sequen las capas antes de continuar, así que puede ser útil alternar entre diferentes piezas durante ese tiempo. A veces, alejarme de un cuadro por un rato también me da una perspectiva diferente.

Dicho esto, suelo terminar una pieza antes de empezar la siguiente. Me ayuda a mantenerme concentrado y totalmente inmerso en el proceso, pero también me mantengo flexible y me adapto según lo que requiera la situación y la obra.

¿Primero creas un boceto conceptual?
Depende de la pieza. A veces me gusta planificar con antelación e incluso anotar los pasos que quiero seguir, sobre todo cuando busco lograr efectos específicos o usar ciertas técnicas. Tener ese tipo de guía puede ser muy útil.

Al mismo tiempo, muchas de mis obras se desarrollan de forma espontánea. Me gusta dar cabida a la intuición e incluso a un poco de azar, dejando que la pieza evolucione de forma natural sin un plan fijo.

¿Prefieres pintar en estudio o al aire libre?
Disfruto de ambas cosas. Pintar al aire libre me produce mucha alegría; me encanta poder plasmar la inspiración en el momento directamente en mi cuaderno de bocetos, a la vez que disfruto del ambiente y del clima.

Al mismo tiempo, trabajar en mi estudio en casa tiene sus ventajas. A veces, el clima simplemente no permite pintar al aire libre, y en el estudio tengo todo lo que necesito a mi alcance. Puedo prepararme con más facilidad, tomar descansos cuando quiero y trabajar sin tener que llevar conmigo todos mis materiales.

¿Cuántos colores básicos utilizas?
Disfruto de una amplia gama de colores, y aprecio especialmente la variedad y la calidad de los pigmentos de Daniel Smith. En mis obras, suelo trabajar con una paleta reducida —normalmente de tres a cinco colores— para crear armonía y cohesión.

También disfruto trabajando a veces en monocromo, lo que me permite concentrarme de verdad en los valores del color y explorar las sutiles variaciones dentro de un mismo tono.

¿Tubos, sartenes o palitos?
Depende de la situación. Para ciertas técnicas, los tubos de pintura en pasta son importantes y ventajosos. Generalmente, cuando trabajo en mi estudio casero, suelo usar tubos.

Cuando salgo a dibujar con Urban Sketching, prefiero usar bastones o paletas porque quiero que mi equipo sea ligero y portátil. Me gusta especialmente usar paletas porque diseñé un soporte personalizado para ellas, que imprimí en 3D para adaptarlo a mis necesidades. Esto hace que sea muy práctico sostener varias paletas sin ensuciar, incluso si son de diferentes tamaños. La tapa también sirve como recipiente para agua y proporciona una forma segura de transportar y guardar las paletas.

¿Utilizas líquido de enmascarar?
Sí, a veces uso líquido de enmascarar, sobre todo cuando quiero asegurarme de que ciertas zonas de mi cuadro permanezcan intactas o blancas. Es una herramienta muy útil en la acuarela para preservar las luces y los detalles.

¿Cuándo sabes que tu obra está terminada?
Esa es una buena pregunta, pero también difícil. Suelo saber que una obra está terminada cuando me siento satisfecho con el resultado. A veces, alejarme un poco de la obra o volver a mirarla más tarde me ayuda a tener una perspectiva más amplia. A menudo, esto me permite ver si falta algo o si hay que hacer algún ajuste.

En general, he aprendido que menos es más. Es importante dejar espacio para la imaginación del espectador, y una vez que una obra está sobrecargada, no hay vuelta atrás.