제프 앨런 그는 자신이 가장 좋아하는 수채화 팔레트와 함께 팁과 기법을 공유했습니다.
제프와의 질의응답입니다.
당신은 왜 예술 작품을 만드나요?
삶, 미술사, 그리고 아름다움을 위하여. 그림을 그릴 때 저는 삶과 연결됩니다. 사람들을 만나고, 장소를 느끼고, 시간을 감지합니다. 또한, 제가 받은 교육과 축적된 지식, 기술을 제 그림에 적용함으로써 미술사와 연결됩니다. 이를 통해 제 그림을 그릴 때 무엇이 가능한지 알게 됩니다. 연결이란... 위의 모든 것을 내 손으로 담아내는 작품을 만들 때 아름다움을 느낍니다.
그림을 그리기 시작한 지 얼마나 되셨나요?
1980년대 중반부터 (학창 시절과 대학원 시절에는 주로 유화 작업을 했습니다) 그림을 그리기 시작했고, 2005년 아내와 함께 일러스트레이션 사업을 시작하면서 수채화 작업에 전념하게 되었습니다. 야외에서 수채화를 그리기 시작한 것은 2014년이 되어서였습니다. 점차 일러스트레이션 작업 시간을 줄이고 야외 풍경화를 그리는 데 더 많은 시간을 투자하게 되었고, 현재는 워크숍을 진행하고 있습니다.
정식으로 미술 교육을 받으셨나요?
제 미술 교육은 매우 단편적이었고, 기초를 복습하는 책들을 읽느라 아직도 따라잡고 있는 것 같아요. 미술 석사 학위는 있지만, 미술 제작의 기초는 책을 읽고 붓을 잡고 수많은 시간을 보내며 스스로 익혔습니다. 기초 미술 수업은 들었지만, 처음부터 끝까지 체계적인 프로그램을 이수한 적은 없어요. 드로잉 실력을 갈고닦은 건 제가 직접 학생들을 가르치면서, 그러니까 현장 교육처럼 수많은 학생들의 작품에 대해 이야기하면서였습니다. 배움의 핵심은 자신과 타인에게 인내심을 갖고, 미술 제작 과정 자체를 여정으로 받아들이는 거예요. 큰 그림에 집중하면 개별 작품에 대한 좌절감을 줄일 수 있습니다. 그냥 새 종이를 꺼내서 다시 시작하면 되니까요. 야외에서 그림을 그릴 때는 스케치 시간을 재고, 굵은 물감을 흘려보내고, 굵은 붓질을 사용하면서 작품에 신선함과 자유로움을 더하는 연습을 합니다.
당신은 전업 예술가인가요, 아니면 취미로 예술 활동을 하는 사람인가요?
전업 예술가입니다. 저는 기업들의 제품 디자인에 필요한 일러스트를 그리며 생계를 유지해 왔습니다. 항상 고객의 입장에서 생각하고 그들의 니즈를 충족시키며 고객이 원하는 것을 표현하려고 노력했습니다. 순수 미술은 아니었지만, 디자인과 색채를 탐구하고 저만의 기법을 발전시켜 나갈 수 있었습니다. 무엇을 그리든 그림을 그리고 실력을 키우는 것이 중요하다는 것을 깨달았습니다. 현재는 야외에서 풍경을 그리는 작업과 미술 교육에 집중하고 있습니다.
당신에게 영감을 주는 사람은 누구인가요?
저는 다른 예술가들, 특히 수채화 작가들의 업적을 바탕으로 작품 활동을 하고 있습니다. 탐구와 실험, 그리고 직관적인 예술적 영감을 따라가며 저만의 색깔을 입히려고 노력합니다. 제게 가장 큰 영향을 준 작가로는 찰스 리드, 체인 청 웨이, 조셉 즈부크빅, 알바로 카스타녜트, 앤디 에반슨 등이 있습니다.
그림을 그릴 때 어떤 음악을 들으세요?
판도라에서 빌 캘러핸 라디오를 들어보세요.
매일 그림을 그리시나요?
물론이죠, 붓질과 덧칠만으로 표현한 추상화일지라도 말입니다. 그림 그리기는 고도의 기술을 요하는 신체 활동이며, 꾸준한 연습이 필요합니다. 악기 연주에 비유하자면, 눈과 손 사이에 신경 경로를 연결하고 구축하는 과정이라고 할 수 있죠.
한 번에 한 작품씩 그리시나요, 아니면 여러 작품을 동시에 작업하시나요? 먼저 컨셉 이미지를 만드시나요?
저는 주로 한 번에 한 점씩 그립니다. 야외에서 90% 정도까지 완성한 후, 작업을 멈추고 어떤 방향으로 가고 있는지 살펴봅니다. 90%에서 멈춰 있는 작품들이 꽤 많습니다. 마지막에 덧붙이는 아주 작은 부분이 작품의 성패를 좌우하기 때문에 그 단계에서 매우 신중합니다. 사진만 보고 그린 그림들은 오히려 부자연스러워 보이는 경향이 있습니다. 제 경험상 특정 그림에 더 많은 시간을 투자한다고 해서 반드시 훌륭한 작품이 나오는 것은 아닙니다. 오히려 익숙한 장소를 여러 번 그리는 것이 더 좋은 작품을 만들어낸다는 것을 알게 되었습니다. 잭슨 폴록이 작품을 작업하는 모습을 담은 멋진 영상이 있습니다. 그는 작업을 멈추고 그림과의 교감이나 연결고리가 끊어졌다고 말하며 그림을 포기합니다. 저는 이 말에 일리가 있다고 생각합니다. 그림과 교감이 있는 한, 작품은 계속될 수 있습니다.
스튜디오에서 그림 그리는 것을 선호하시나요, 아니면 야외에서 그리는 것을 선호하시나요?
저는 무조건 야외에서 그림을 그립니다. 스튜디오에서 시간을 낭비한다고 생각해요. 시간이 촉박한 상황에서도 야외에서는 훨씬 더 집중할 수 있습니다. 야외 그림은 스튜디오에서는 느낄 수 없는 '현장감'을 선사해 줍니다. 최근 샌디에이고의 옛 사진들을 보다가 야외 그림이 본질적으로 향수를 불러일으킨다는 것을 깨달았습니다. 저는 그림을 그릴 때 나무, 건물, 그리고 수십 년 동안 쌓여온 잡동사니들을 하나씩 제거하면서 처음 지어졌을 때의 모습과 비슷한 그림을 완성합니다. 야외 그림이 즉흥적인 상상력과 현장 디자인에 의존한다는 점이 정말 좋습니다.
핵심 색상은 몇 가지나 사용하시나요?
제 색상 팔레트는 계속 바뀌고 있지만, 기본적으로 16가지 색상에 4가지 색상이 추가되거나 사라지고 있다고 할 수 있습니다. 핵심 색상은 울트라마린 블루, 코발트 블루, 세룰리안 블루, 프탈로 블루(녹색 계열), 코발트 터쿼이즈, 코발트 틸, 버티터 블루, 알바로 프레스코 그레이, 세피아, 번트 시에나 라이트, 알리자린 크림슨 퍼머넌트, 오가닉 버밀리온, 피롤 오렌지, 옐로우 오커, 한사 옐로우, 미디엄, 뉴트럴 틴트입니다. 마야 바이올렛도 실험적으로 사용하고 있습니다., 등나무, 카르바졸 바이올렛과 루나 블랙.
튜브형, 프라이팬형, 아니면 막대형?
튜브.
작품이 완성되었다는 것을 언제 알 수 있나요?
저는 작품에 과도하게 공을 들이지 않으려고 노력하지만, 반대로 그림이 제대로 되지 않는다는 것이 분명해지면, 그것을 계속 실험해 볼 기회로 삼습니다. 선을 긋는 행위는 그중 하나입니다. 수채화’수채화는 뛰어난 능력을 지녔지만, 지나치게 표현하면 작품 전체의 완성도를 떨어뜨릴 수 있습니다. 수채화는 모든 행위를 적나라하게 보여준다는 점에서 독특하며, 한 번 지나친 묘사는 되돌릴 수 없습니다. 언제 멈춰야 할지 배우는 유일한 방법은 몇 번 지나치게 표현해 보는 것입니다. 그것이 바로 신선함을 유지하는 예술의 비결입니다.
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