톰 셰퍼드 영국 출신의 작가가 자신이 가장 좋아하는 색상 팔레트와 수채화 기법을 소개합니다.
당신은 왜 예술 작품을 만드나요?
많은 사람들처럼 저도 어렸을 때 그림 그리는 것을 정말 좋아했습니다. 삶이 저를 여러 방향으로 이끌었지만, 마음 한구석의 작은 목소리는 예술을 잊지 못하게 했습니다. 틈틈이 그림 생각을 했고, 조용히 (절대 소리 내어 말하지는 않았지만) 언젠가 예술로 생계를 유지하고 싶다는 생각을 품기도 했습니다. 예술 창작을 제 삶의 중요한 부분으로 삼기로 결심한 순간, 저는 완전히 매료되었습니다. 예술은 제가 하고 싶은 전부가 되었고, 집착으로 변했으며, 지금도 여전히 그렇습니다. 가족, 친구, 그리고 서핑을 제외하고는, 제 머릿속은 항상 수채화 아이디어로 가득 차 있습니다. 어떻게, 무엇을, 왜? 이러한 아이디어들을 정기적으로 작품으로 표현하지 않는다면 어떻게 될지 상상조차 할 수 없습니다.
그림을 그리기 시작한 지 얼마나 되셨나요?
저는 지난 15년 동안 실력 향상에 진지하게 시간을 투자해 왔습니다. 수채화를 시작한 건 약 8년 전이고, 지난 몇 년간은 수채화 작업에만 전념해 왔습니다.
정식으로 미술 교육을 받으셨나요?
전혀 그렇지 않아요. 고등학교 때 미술 성적은 형편없었어요. 지리학 학위를 받았지만, 전문 화가가 되기로 결심했죠. 그림을 어떻게 그려야 하는지, 사업을 어떻게 운영해야 하는지는 전혀 몰랐지만요. 몇 년 후, 한 현역 화가의 작업실에서 몇 달을 보내면서 알라 프리마 유화 기법에 대해 더 깊이 이해하고 순수 미술의 세계를 엿볼 수 있었는데, 정말 귀중한 경험이었어요.
당신은 전업 예술가인가요, 아니면 취미로 예술 활동을 하는 사람인가요?
저는 지난 15년 이상 다양한 방식으로 전업 예술가로 활동해 왔습니다.
당신에게 영감을 주는 것은 무엇입니까?
저는 주변 풍경에서 끊임없이 영감을 받지만, 물론 다양한 출처의 사진들도 아이디어나 영감을 주는 순간을 불러일으키곤 합니다! 저는 항상 빛에 매료되어 왔는데, 빛이 흥미로운 움직임을 보일 때 어떤 대상이든 영감을 얻을 수 있다고 생각합니다. 저는 인물 초상화나 배경 속 인물의 표현에서 느껴지는 인간적인 교감부터 정물화까지, 정말 다양한 주제를 그리는 것을 좋아합니다. 하지만 굳이 하나를 꼽자면, 야생 동물, 새, 그리고 제가 살고 있는 곳의 아름다운 해안 풍경을 그리는 데 더 끌립니다. 또한 영감을 얻기 위해 미술의 훌륭한 역사를 살펴보는 것도 좋아합니다. 제가 가장 좋아하는 화가는 (만약 제가 꼽자면)
(꼭 한 명을 꼽으라면) 호아킨 소로야를 고르겠습니다. 하지만 훌륭한 현대 예술가들이 너무 많아서 영감이 끊이지 않아요. 제 작품과 비교하는 함정에 빠지지만 않으면요! 저는 자신이 하는 일에 열정을 갖고 그 분야에서 자신의 기량과 기술을 갈고닦는 모든 사람에게서 영감을 얻습니다.
그림을 그릴 때 어떤 음악을 들으세요?
저는 음악 취향이 폭넓지만, 요즘은 그림을 그릴 때 음악을 듣지 않는 시기를 보내고 있습니다. 예전에는 헤비 기타 음악, 특히 지미 헨드릭스와 레드 제플린의 음악을 많이 들었죠. 하지만 결국 그림을 그릴 때 몰입할 수 있도록 분위기를 조성해주는 것이라면 무엇이든 저에게 도움이 됩니다. 물론 그런 분위기는 날마다 크게 달라지기도 합니다.
매일 그림을 그리시나요?
아니요. 사업 관련 행정 업무나 다른 여러 가지 일들이 많다 보니 그림 그리는 게 뒷전으로 밀리기 쉽죠. 하지만 이제는 그림 그리는 걸 훨씬 더 우선순위에 두려고 노력하고 있어요. 긴 시간 동안 집중해서 그리는 사이사이에 매일 조금씩이라도 그리면 만족감을 느끼고 정체되지 않는다는 걸 알게 됐습니다.
한 번에 한 작품씩 그리시나요, 아니면 여러 작품을 동시에 작업하시나요?
저는 작업 속도가 빠르고, 큰 작품이라도 한 번에 한 작품에 모든 집중력을 쏟아부어 완성하는 것을 좋아합니다.
컨셉 이미지를 먼저 제작하시나요?
아주 드물게, 하지만 더 크고 복잡한 작품을 위해 작은 톤 연구나 스케치를 하기도 합니다. 색 선택, 표현하고자 하는 바, 습식 기법을 사용하여 넓은 영역을 연결할 수 있는 주요 형태, 단순화할 부분, 구도, 초점, 명암 등을 신중하게 고려하는 데 시간을 들입니다. 그래서 항상 대략적인 구상을 바탕으로 계획을 세우지만, 제 그림 90%에 대한 모든 생각은 머릿속에 담겨 있습니다.
스튜디오에서 그림 그리는 것을 선호하시나요, 아니면 야외에서 그리는 것을 선호하시나요?
저는 스튜디오에서 작업에 몰두하는 것을 정말 좋아합니다. 스튜디오는 야외에서는 표현할 수 없는 주제와 아이디어를 탐구할 수 있게 해주기도 하죠. 하지만 최근에는 야외에서 그림을 그리는 도전과 그 속에 담긴 설렘에 점점 더 빠져들고 있습니다! 비록 항상 최고의 결과물을 얻는 것은 아니지만, 야외 작업은 제 그림 실력을 크게 향상시켜 주는 것 같습니다.
핵심 색상은 몇 가지나 사용하시나요?
저는 따뜻한 원색과 차가운 원색을 기본으로 하고, 거기에 재미있는 보너스 색상 몇 가지를 더해서 총 12가지 색상을 가지고 있습니다. 만약 꼭 12가지 색상만 사용해야 한다면 기꺼이 그렇게 할 거예요. 제한된 팔레트로 작업할 때 느껴지는 간결하고 조화로운 느낌이 좋거든요. 그래서 12가지 색상 중에서 그림 한 점당 3~7가지 색상만 사용해서 작업하곤 합니다. 하지만 지난 6개월 동안 (대니얼 스미스 제품을 더 많이 사용하게 되면서) 훨씬 더 다양한 튜브 물감을 탐구하기 시작했고, 덕분에 제 그림에 완전히 새로운 활력이 불어넣어지고 있어서 정말 즐겁습니다! 오랫동안 기본 색상 세트만 사용해 온 덕분에 색과 색 혼합에 대한 깊은 이해를 갖게 되었고, 이제는 자유롭게 다양한 색상을 실험하고 표현할 수 있게 된 것 같아요.
튜브형, 프라이팬형, 아니면 막대형?
저는 튜브형 물감을 아주 좋아합니다. 물과 안료를 많이 사용하고 풍부한 색감을 표현하는 것을 좋아해요. 하지만 가끔은 제가 원하는 만큼 색감이 진하거나 밀도 있게 나오지 않을 때도 있어요.
작품이 완성되었다는 것을 언제 알 수 있나요?
"15분 전에 멈췄어야 했는데!"라고 말하는 제 자신을 발견할 때가 있어요. 농담은 여기까지 하고, 저는 끊임없이 스스로에게 다음과 같은 질문을 던지려고 노력합니다. "이 작품으로 내가 말하고자 하는 바를 다 표현했는가? 이 주제에서 나를 사로잡은 것은 무엇이었고, 그것을 제대로 포착했는가? 이 부분이 그림에 어떤 의미를 더하는가?" 이러한 질문에 솔직하게 답하고, 그림을 그대로 두는 것이 좋겠다는 결론에 도달하면, 저는 매우 절제된 태도로 멈추려고 노력합니다. 물론 말처럼 쉽지는 않지만요. 그림이 완성되었다고 느껴지기 전에 멈추고, 충분한 시간 동안, 심지어 하룻밤 동안이라도 그림을 놓아두었다가 다시 돌아오면, 보통은 그 자리에 그대로 두거나, 아니면 몇 군데만 살짝 손보는 것으로 만족하게 됩니다. 수채화가들이 흔히 하는 마지막 말이죠!
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