Donna Acheson Juliet Eine Französin teilte ihre liebsten Tipps und Techniken zur Aquarellmalerei.
Hier ist ein Interview mit Donna:
Warum machst du Kunst?
Ich liebe es zu malen, meine Tage mit Wasser und Pigmenten zu verbringen und ihnen die Freiheit zu geben, sich zu vermischen und zu verbinden. Und wenn der richtige Zeitpunkt gekommen ist, lenke ich die Pigmente in die gewünschte Richtung. Ich muss einfach malen. Ich sehe die Welt in Farben. Selbst Grautöne sind für mich farbenfroh. Ich möchte das Gesehene festhalten, um es mit anderen zu teilen. Ich sehe die Welt, während ich sie male, mit positiven und negativen Formen, harten und weichen Kanten.
Wie lange malen Sie schon?
Ich male seit 40 Jahren und unterrichte seit 1996.
Haben Sie eine formale künstlerische Ausbildung genossen?
Wie viele andere habe ich schon immer gezeichnet und gestaltet, aber ich habe keine formale Ausbildung. Als ich anfing, anderen das Malen beizubringen, vertiefte ich gleichzeitig meine Kenntnisse über Farben, ausgewogene Komposition und Kreativität.
Sind Sie ein professioneller Künstler oder ein Hobbykünstler?
Ich bin eine professionelle Künstlerin und beim französischen Künstlerhaus registriert.
Was inspiriert dich?
Die Natur. Sie leitet all meine Motivwahl, meine Maltechnik und meine Farbauswahl. Ihre Schönheit und Zerbrechlichkeit inspirieren mich. Ich suche stets nach neuen Wegen, das Staunen, das ich angesichts der Natur empfinde, auszudrücken.
Welche Musik hörst du beim Malen?
Ich höre ziemlich oft meine Playlist, die Lieder aus allen Lebensabschnitten enthält. Da sind zum Beispiel American Pie, Supertramp, Meat Loaf, Pink Floyd, The Script, Kodaline dabei… aber auch einige klassische französische Lieder (SOS Terrien en Détresse) und Lieder aus dem Film. Der Weg, Als meine Tochter auf den Jakobsweg ging, war ich kürzlich auf einem Eric-Clapton-Konzert und bin seitdem ein großer Fan seiner Musik. Meine Hörgewohnheiten spiegeln meine Herangehensweise an die Malerei wider. Ich versuche, mich nicht auf eine einzige Musikrichtung festzulegen, genauso wie ich immer wieder neue Techniken beim Malen, bei der Farbwahl und bei der Komposition ausprobiere. Ich mag es nicht, mich auf eine bestimmte Kategorie festzulegen, und ich habe auch kein Erfolgsrezept. So kann es schon mal vorkommen, dass mir ein Bild misslingt oder ich lange brauche, um herauszufinden, wie ein Bild gelingt – aber das gehört eben zum Abenteuer dazu!
Hattest du einen Mentor?
Ich hatte drei Lehrer, die mich geprägt haben. Der erste war Morton Baslow von der Ottawa School of Art. Wir zeichneten stundenlang und radierten dann fast die gesamte Zeichnung aus, sodass unser Bild aus reinem Aquarell (100%) bestand. Jahrelang, als ich an meiner Kreativität und Komposition arbeitete, verbot ich mir, etwas anderes als Aquarell zu verwenden. Nicht, weil ich die Verwendung von Tusche, Weiß, Gouache usw. für Schummeln hielt, sondern weil ich lernen wollte, mich mit Aquarellfarben allein wohlzufühlen – Risiken einzugehen, meine Komposition anzupassen und mit dem zu arbeiten, was auf dem Papier geschah. Mein zweiter Lehrer war Favard an der École des Beaux-Arts in Grenoble, Frankreich. Unter seiner Anleitung begann ich, meine Kompositionen weiterzuentwickeln – das Motiv zu interpretieren und Überflüssiges wegzulassen. Ungefähr zur gleichen Zeit begann ich Kurse bei Carole Exbrayat zu besuchen, einer der kreativsten Personen, die ich je kennengelernt habe. Damals begann ich, mich mit experimenteller Malerei auseinanderzusetzen. Dies war auch die Zeit, in der ich begann, große Fortschritte zu machen.
Malst du jeden Tag?
Entweder male ich jeden Tag oder ich erledige etwas anderes für meinen Beruf als Maler, wie zum Beispiel die Vorbereitung einer Ausstellung, das Einpacken der Gemälde, das Überarbeiten meines Lebenslaufs, das Aktualisieren meines Künstlerstatements oder meiner Website, das Aufräumen meines Ateliers oder das Vorbereiten eines Workshops.
Malst du ein Bild nach dem anderen oder arbeitest du an mehreren gleichzeitig?
Ich arbeite gerne gleichzeitig an mehreren Bildern, und zwar aus verschiedenen Gründen. Erstens können die Farbschichten so trocknen, und ich muss nicht so viel Zeit mit dem Föhn verschwenden. Zweitens kann ich mit frischem Blick zum ersten Bild zurückkehren und schneller erkennen, was noch zu tun ist. Und drittens wird es mit fortschreitender Arbeit an einem Bild oft sehr intensiv. Eine Pause, indem ich mich einem anderen Bild widme, hilft mir, mich etwas zu entspannen.
Erstellen Sie ein Konzeptbild?
Nicht immer, es kommt auf das Projekt an. Wenn ich ein bestimmtes Projekt oder eine Demo anfertige, erstelle ich auf jeden Fall vorher eine kleine Werteskizze. Dabei plane ich die Weißtöne, harte oder weiche Kanten, Formen und die Richtung. So kann ich das Bild nicht nur schneller fertigstellen, sondern auch meine Vorgehensweise (nass in nass, trocken in trocken usw.) planen und entscheiden, welche Technik zu einer ausgewogenen Komposition führt. Das hilft mir auch, intuitiv zu malen. Manchmal verspüre ich aber einfach den starken Drang, Farbe aufs Papier zu bringen. Dann werfe ich sie einfach drauf und lasse Wasser und Pigment für mich arbeiten. Das ist irgendwie aufregend und magisch, weil ich nicht weiß, wohin die Reise geht, aber es dauert dadurch länger, bis ich das Bild fertigstelle.
Malen Sie lieber im Atelier oder im Freien?
Ich male am liebsten im Atelier. Draußen halte ich jedoch stets Ausschau nach möglichen Motiven und fotografiere für meine Atelierarbeit. Entweder mache ich Nahaufnahmen von der Natur für ein abstraktes Werk oder als Grundlage für mein Gemälde, oder ich fertige Referenzfotos an. Am liebsten male ich nach Fotos, die ich selbst aufgenommen habe.
Wie viele Kernfarben verwenden Sie?
Für jedes Gemälde verwende ich eine sehr begrenzte Palette von zwei bis fünf verschiedenen Farben. Das heißt aber nicht, dass ich für jedes Bild dieselbe Farbkombination verwende. Ich bin neugierig und probiere gerne neue Farben und Kombinationen aus. Die Beschränkung auf wenige Farben hilft mir, ein unharmonisches Gesamtbild zu vermeiden – zu viel Textur, zu viele Farben, zu viele Linien usw. in einem einzigen Bild. So verwende ich beispielsweise in einem Gemälde nur zwei Komplementärfarben oder eine Dreierkombination, indem ich mit Variationen der Primärfarben arbeite.
Tuben, Pfannen oder Stäbe?
Ich verwende normalerweise Tuben, weil man damit recht schnell dunkle Töne erzielen kann und sie sich gut für kreative Malerei eignen.
Verwenden Sie Maskierungsflüssigkeit?
Vor einem Jahr hätte ich mit Nein geantwortet. Entweder plane ich meine weißen Flächen im Voraus (mit einer Skizze) oder ich erzeuge scharfkantige Weißtöne durch Lasuren und Negativtechniken. In letzter Zeit arbeite ich jedoch an einem Projekt, das den Einsatz von Maskierflüssigkeit erfordert.
Woran erkennen Sie, dass Ihr Werk fertig ist?
Ich weiß, dass mein Gemälde fertig ist, wenn es sich harmonisch anfühlt. Das heißt, wenn ich es von allen vier Seiten betrachte und nicht das Gefühl habe, dass etwas fehlt oder eine leere Stelle vorhanden ist. Oftmals ziehe ich meine Skizze noch einmal zu Rate, um sie genauer zu analysieren.
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