Hay muchas técnicas para salvar las áreas claras del papel en la pintura de acuarela, incluidos los fluidos y cintas de enmascarar, pero prefiero preservar las luces pintando alrededor de ellas... pintando el espacio negativo.

La pintura negativa es un enfoque único de pintar alrededor de un objeto para definirlo en una composición. Cuando trabajamos en acuarela, tenemos el desafío que otros medios no tienen: es lo que no pintura que se convierte en el elemento más importante. Piensa en ti mismo como un tallador de piedra, tallando, hasta que solo queden las luces más preciosas.

No uso colores de pintura opacos para la pintura negativa. Las pinturas opacas son maravillosas para las marcas de acento al final, pero no para el glaseado (un lavado transparente de color que se coloca sobre un área seca previamente pintada). La técnica de la pintura en negativo requiere numerosas veladuras que se enturbiarían con las pinturas opacas. Para determinar si tus pinturas son opacas o transparentes, lee la etiqueta del producto, consulta la carta de colores o haz esta sencilla prueba. Con un marcador permanente negro, dibuje una línea gruesa en un trozo de papel de acuarela. Cepille un poco de pintura con la consistencia de la crema sobre la línea negra. Si la línea está oscurecida, la pintura es opaca. Los colores de la línea superior son opacos y los de la línea inferior son transparentes.

Cuando dibujo para una pintura en negativo, soy especialmente consciente del espacio negativo: las formas entre las cosas. Quiero tener variedad de formas y tamaños. Dibujo lo suficiente para obtener las formas generales, pero no estoy limitado por lo que veo. De hecho, es importante comprender que se desarrollarán formas adicionales en el proceso de pintura, así que no dibuje demasiado.

Para determinar qué 3 colores usaré para la pintura base, hago numerosas muestras. Las muestras contendrán un rojo, azul y amarillo. Los colores no necesitan ser verdaderos primarios. Cuando mezclo los colores, es importante que la pintura tenga la misma consistencia para fomentar una buena mezcla en el papel. Estoy buscando colores que tengan la sensación subyacente del tema. Los 3 colores que seleccioné aquí son Oro de quinacridona (QG), Azul cobalto (CC), y Rosa de quinacridona (QR).

Mojo todo el papel con agua limpia e introduzco los 3 colores por separado sobre el papel mojado. Pinto en ángulo para fomentar la mezcla, ya que la pintura se desliza por el papel. No trabajo demasiado la superficie con un pincel, sino que animo a que la pintura se mezcle con el papel. Deje secar bien.

Usaré los 3 colores originales durante todo el proceso de pintura. Considero que estos son mis "colores maternos", pero agregaré colores adicionales a medida que evolucione la pintura. Comienzo pintando bordes duros contra la rosa y algunas de las hojas, y suavizo los bordes con agua a medida que me alejo del sujeto. Esto es lo que yo llamo la adolescencia de un cuadro, porque a menudo se ve y se siente incómodo. Deje secar completamente. Me concentro en el espacio y las formas intermedias.

Con cada esmalte, creo nuevas formas negativas y valores más oscuros. A veces suavizo los bordes con una ligera niebla de una botella de spray mientras la pintura está húmeda. Deje secar bien entre esmaltes o los colores se enturbiarán.

En la etapa final, pinto las sombras más oscuras y las formas más pequeñas. Yo uso un rico verde profundo hecho con Turquesa ftalo y Siena quemada italiana. Mientras la mezcla verde de pintura todavía está húmeda en el papel, dejo caer una pequeña cantidad de Carmesí de alizarina permanente. La adición de este rojo anima los verdes. Puede ver un ejemplo de esto directamente debajo de la rosa izquierda. Soy selectivo para colocar mis oscuros más oscuros cerca de mis luces para intensificar el área focal. Termino con algunos detalles.