¿Qué es exactamente la pintura “expresiva”?

Pues bien, cuando pienso en pintura expresiva, pienso en los fauvistas, los expresionistas, los postimpresionistas; pintores como Vincent Van Gogh, Henri Matisse, Pierre Bonnard y André Derain, por nombrar solo algunos. Pintores que decidieron dejar de lado el realismo y expresarse a través del color y la composición, vivos y no naturalistas.

Eran artistas que pintaban con un estilo muy personal y subjetivo. Por supuesto, es necesario aprender los fundamentos de la pintura: cómo mezclar colores, cómo componer un cuadro, cómo usar la luz y la sombra para atraer la mirada, pero más allá de lo básico, el pintor podía inventar su propio enfoque. Por eso elegí pintar con un estilo expresivo.

Me encanta pintar con magníficas pinturas al óleo y, en especial, me encantan los colores vivos que ofrece DANIEL SMITH:

Titanio pulido
Rojo cadmio, tono medio
Oro verde
Hansa Amarillo Mediano
Amarillo indio
Amarillo limón
Azul violeta claro
Carmesí de alizarina permanente
Tono azul verdoso ftalocianina
Rosa de quinacridona
Blanco titanio
Azul ultramar profundo
Viridiano
ocre amarillo

Me gusta tener una versión cálida y otra fría de cada uno de los colores primarios: azul, rojo y amarillo. Los materiales de pintura que elegí incluyen: DANIEL SMITH Medio pictórico para óleos y alquídicos y Aceite de linaza prensado en frío DANIEL SMITH.

Elegí un panel de madera cuadrado de 45 cm. Me encanta la forma cuadrada para las naturalezas muertas florales, ya que le da un toque moderno a la obra. Siempre uso pinceles de cerdas brillantes o sintéticos, lo suficientemente rígidos para soportar pinceladas enérgicas. Me parece que los pinceles de pelo natural se ablandan demasiado al mojarse, lo que dificulta crear las pinceladas expresivas que prefiero. Considero que las pinceladas reflejan la personalidad del pintor y me esfuerzo por no suavizarlas al añadir más pintura.

Mi inspiración es un sencillo arreglo floral que suelo crear con flores del supermercado (excepto en verano, cuando puedo encontrar flores en el mercado local). ¡Envidio a esas zonas del país que tienen flores frescas todo el año! No me complico con el arreglo, simplemente elijo las flores que me inspiran ese día en uno de los jarrones que guardo en mi estudio. Recuerda que la naturaleza muerta es solo para inspirar, para despertar una idea, no para reproducirla de forma realista. Guardo en mi estudio una curiosa colección de jarrones, manteles, retales y telas de mercadillo que me sirven de inspiración.

Con mi pincel más grande, apliqué primero una fina capa de imprimación transparente de color diluido con aguarrás inodoro sobre la superficie del panel y la dejé secar. En este caso, la imprimación era azul ftalo aplicada muy finamente. Esta imprimación cumple dos funciones: elimina de inmediato el temido blanco del lienzo y proporciona un brillo de color bajo las capas de pintura.

Dibujé a grandes rasgos un esquema de la composición, definiendo la ubicación de la mesa, el jarrón y el contorno de las flores. A veces uso la pintura base para crear este esquema, que sitúa los objetos en la superficie del cuadro y da vida a la composición. Después, me alejé un poco y observé si estaba satisfecho con el resultado. Si necesitaba algún cambio, siempre podía borrar el dibujo con aguarrás y volver a empezar.

Mi método para aplicar la pintura en este punto consiste en crear capas o velos de color, comenzando con pintura al óleo diluida con aceite de linaza y pasando progresivamente a pinturas más espesas con el medio para pintura DANIEL SMITH. Esbozo las formas de los objetos con tonos más oscuros, pintando de oscuro a claro. Mi lema es: de fino a grueso, de oscuro a claro.

Continué añadiendo variaciones de color a cada área del cuadro, creando capas que se fusionaban por completo. Cuando mi ritmo disminuía, me alejaba para observar y preguntarme qué funcionaba y qué no. En ese momento, ajustaba el color y los valores. Intentaba mantener un estilo suelto y expresivo, sin añadir demasiados detalles a las flores; no conviene exagerar en esta parte, o la mente se inclinaría hacia el realismo. Siempre daba por terminada la jornada antes de considerarla finalizada y dejaba reposar el cuadro hasta el día siguiente. A la mañana siguiente, añadía detalles como los estambres de las flores, que aportaban un toque de contraste de valor, así como los detalles del estampado del mantel. Tras algunos retoques en los valores de diferentes secciones, quedé lo suficientemente satisfecho con el resultado como para utilizarlo en la publicidad de mi próxima exposición individual.