Was genau ist also “expressive” Malerei?

Wenn ich an expressive Malerei denke, denke ich an die Fauves, die Expressionisten, die Postimpressionisten – Maler wie Vincent van Gogh, Henri Matisse, Pierre Bonnard und André Derain, um nur einige zu nennen. Maler, die sich entschieden, den Realismus zu verwerfen und sich durch leuchtende, nicht-naturalistische Farben und Kompositionen auszudrücken.

Diese Künstler malten in einem sehr persönlichen und subjektiven Stil. Natürlich müssen die Grundlagen der Malerei erlernt werden – wie man Farben mischt, ein Bild komponiert, Licht und Schatten einsetzt, um den Blick zu fesseln. Doch über diese Grundlagen hinaus kann der Maler seinen eigenen Ansatz entwickeln. Deshalb male ich im expressiven Stil.

Ich liebe es, mit satten Ölfarben zu malen und bin besonders von den leuchtenden Farben von DANIEL SMITH begeistert:

Poliertes Titan
Kadmiumrot, mittlerer Farbton
Grünes Gold
Hansagelb Mittel
Indisches Gelb
Zitronengelb
Hellblauviolett
Permanent Alizarin Crimson
Phthaloblaugrüner Farbton
Chinacridon Rose
Titanweiß
Tiefblaues Ultramarin
Viridian
Gelber Ocker

Ich bevorzuge jeweils eine warme und eine kühle Variante der Primärfarben – Blau, Rot und Gelb. Als Malmittel verwende ich: DANIEL SMITH Malmittel für Öl- und Alkydfarben Und DANIEL SMITH Kaltgepresstes Leinöl.

Ich habe eine 45 cm große quadratische Holzplatte gewählt. Die quadratische Form gefällt mir besonders gut für Blumenstillleben; sie verleiht dem Bild eine moderne Note. Meine Pinsel sind immer steife Borsten- oder Synthetikpinsel, die auch kräftigen Pinselstrichen standhalten. Naturhaarpinsel werden im nassen Zustand zu weich, um die ausdrucksstarken Pinselstriche zu erzeugen, die ich bevorzuge. Ich betrachte Pinselstriche als Ausdruck der Persönlichkeit des Malers und bemühe mich sehr, sie beim Auftragen weiterer Farbe nicht zu glätten.

Meine Inspiration ist ein schlichtes Blumenarrangement, das ich meist aus Blumen aus dem Supermarkt zusammenstelle (außer im Sommer, wenn ich auf dem Wochenmarkt frische Blumen finde). Ich beneide die Gegenden, wo es das ganze Jahr über frische Blumen gibt! Ich mache mir keine großen Gedanken um das Arrangement, sondern suche mir einfach die Blumen aus, die mich an dem Tag ansprechen, und stelle sie in eine der Vasen in meinem Atelier. Das Stillleben dient nur der Inspiration – es soll eine Idee anregen, nicht realistisch nachgebildet werden. In meinem Atelier bewahre ich eine bunte Mischung aus Vasen, Tischdecken, Stoffresten und Flohmarktfunden auf, die mir als Inspiration dienen.

Mit meinem größten Pinsel trug ich zunächst eine dünne, transparente Untermalung aus mit geruchlosem Terpentinersatz verdünnter Farbe auf die Oberfläche meiner Malplatte auf und ließ sie trocknen. In diesem Fall verwendete ich Phthaloblau als Untermalung, die ich sehr dünn auftrug. Die Untermalung erfüllt zwei Zwecke: Sie nimmt der weißen, leeren Leinwand sofort ihre beängstigende Wirkung und sorgt für einen Farbschimmer unter den Farbschichten.

Ich skizzierte grob die Komposition, indem ich die Position von Tisch, Vase und Blumenumrissen festlegte. Manchmal nutze ich die Untermalungsfarbe, um diese Skizze anzufertigen. Dadurch werden die Objekte auf der Malfläche platziert und die Komposition wirkt lebendiger. Anschließend trat ich zurück und betrachtete das Bild, um zu sehen, ob ich mit der Komposition zufrieden war. Falls nötig, konnte ich die Zeichnung jederzeit mit Terpentinersatz abwischen und von vorn beginnen.

Meine Vorgehensweise beim Farbauftrag besteht darin, Farbschichten oder -schleier zu erzeugen. Ich beginne mit Ölfarbe, die ich mit Leinöl verdünne, und arbeite mich dann zu immer dickeren Farben vor, wobei ich das DANIEL SMITH Malmedium verwende. Die Umrisse der Objekte skizziere ich zunächst grob mit dunkleren Farbtönen, wobei ich von dunkel nach hell male. Mein Mantra lautet: dünn nach dick, dunkel nach hell.

Ich fügte weiterhin Farbvariationen in jedem Bereich des Gemäldes hinzu und formte so das Gesamtbild Schicht für Schicht. Als mein Arbeitsfluss nachließ, trat ich zurück, um das Werk zu betrachten und mich zu fragen, was funktionierte und was nicht. An diesem Punkt passte ich Farben und Tonwerte an. Ich versuche, locker und ausdrucksstark zu bleiben, ohne zu viele Details in die Blumen einzuarbeiten – man sollte es nicht übertreiben, sonst schaltet das Gehirn in den Realismusmodus. Ich beende die Arbeit für den Tag immer, bevor ich denke, dass das Bild fertig ist, und lasse es bis zum nächsten Tag ruhen. Am nächsten Morgen fügte ich Details wie die Staubgefäße der Blumen hinzu, die einen Hauch von Kontrast erzeugen, sowie die Details des Tischdeckenmusters. Nach einigen Anpassungen der Tonwerte in verschiedenen Bereichen war ich mit dem Gemälde zufrieden genug, um es für die Werbung meiner bevorstehenden Einzelausstellung zu verwenden!