Che cos'è esattamente la pittura "espressiva"?

Beh, quando penso alla pittura espressiva penso ai Fauves, agli espressionisti, ai post-impressionisti: pittori come Vincent Van Gogh, Henri Matisse, Pierre Bonnard e André Derain, solo per citarne alcuni. Pittori che decisero di ignorare il realismo e di esprimersi attraverso colori e composizioni vividi e non naturalistici.

Si trattava di artisti che dipingevano in uno stile altamente personale e soggettivo. Certo, le basi della pittura vanno comunque apprese: come mescolare i colori, come comporre un quadro, come usare luci e ombre per attirare l'attenzione, ma al di là delle nozioni fondamentali il pittore può inventare un proprio approccio. Ecco perché ho scelto di dipingere in uno stile "espressivo".

Adoro dipingere con i ricchi colori ad olio e in particolare amo le tonalità vivaci offerte da Daniel Smith:

Titanio smerigliato
Rosso cadmio, tonalità media
Oro Verde
Hansa Giallo Medio
Giallo indiano
Giallo limone
Azzurro Violetto
Rosso Alizarina Permanente
Tonalità verde blu ftalocianina
Rosa chinacridone
Bianco titanio
Blu oltremare profondo
Viridian
Ocra gialla

Mi piace avere una versione calda e una fredda di ciascuno dei colori primari: blu, rosso e giallo. I materiali pittorici che ho scelto includono: DANIEL SMITH Medium per pittura a olio e alchidica E Olio di semi di lino spremuto a freddo Daniel Smith.

Ho scelto un pannello di legno quadrato da 45 cm. Adoro la forma quadrata per le nature morte floreali, conferisce un tocco moderno all'opera. I miei pennelli sono sempre a setole rigide o sintetiche, abbastanza rigidi da resistere a pennellate vigorose. Trovo che i pennelli in pelo naturale diventino troppo molli quando bagnati, impedendomi di creare le pennellate espressive che preferisco. Considero le pennellate come la personalità del pittore e cerco di non ammorbidirle man mano che aggiungo colore.

La mia ispirazione proviene da una semplice composizione floreale che di solito creo con fiori acquistati al supermercato (tranne in estate, quando riesco a trovarli al mercato contadino locale). Invidio quelle zone del paese che hanno fiori freschi tutto l'anno! Non mi preoccupo troppo della composizione, scelgo semplicemente i fiori che mi ispirano quel giorno e li metto in uno dei vasi che tengo nel mio studio. Ricordate che la natura morta serve solo come ispirazione, per stimolare un'idea, non per essere riprodotta realisticamente. Nel mio studio conservo un assortimento eterogeneo di vasi, tovaglie, ritagli di stoffa e tessuti trovati nei mercatini delle pulci che uso come fonte di ispirazione.

Con il pennello più grande, ho applicato per prima cosa un sottile strato trasparente di colore diluito con acquaragia inodore sulla superficie del pannello e l'ho lasciato asciugare. In questo caso, il fondo era blu ftalocianina applicato in uno strato molto sottile. Il fondo ha una duplice funzione: elimina immediatamente l'inquietante bianco della tela e dona un tocco di colore sotto gli strati di pittura.

Ho abbozzato a grandi linee la composizione, definendo la posizione del tavolo, del vaso e il contorno dei fiori. A volte utilizzo il colore di fondo per creare questa base, che posiziona gli oggetti sulla superficie del dipinto e dà vita alla composizione. Poi mi sono allontanata e ho dato un'occhiata per vedere se ero soddisfatta. Se c'era bisogno di apportare modifiche, potevo sempre cancellare il disegno con acquaragia e ricominciare da capo.

A questo punto, il mio metodo per aggiungere il colore consiste nel creare strati o veli di colore, iniziando con colori a olio diluiti con olio di lino e passando a colori progressivamente più densi utilizzando il medium per pittura DANIEL SMITH. Abbozzo le forme degli oggetti in modo approssimativo usando tonalità di colore più scure, dipingendo dal scuro al chiaro. Il mio mantra è dal sottile allo spesso, dal scuro al chiaro.

Ho continuato ad aggiungere variazioni di colore a ogni area del dipinto, dando forma all'opera strato dopo strato. Quando il mio ritmo rallentava, mi fermavo per osservare e chiedermi cosa funzionasse e cosa no. A questo punto apportavo modifiche al colore e ai valori tonali. Cerco di mantenere uno stile libero ed espressivo, senza aggiungere troppi dettagli ai fiori: non esagerate in questa fase, altrimenti la vostra mente passerà alla modalità realismo. Di solito smetto di lavorare prima di ritenere il dipinto finito e lo lascio riposare fino al giorno successivo. La mattina seguente ho aggiunto dettagli come gli stami dei fiori, che aggiungono un tocco di contrasto tonale, e i dettagli del motivo della tovaglia. Dopo alcune piccole modifiche ai valori tonali in diverse sezioni, ero abbastanza soddisfatta del dipinto da utilizzarlo per la pubblicità della mia prossima mostra personale!