Je suis récemment revenu d'une tournée d'ateliers comprenant l'Alaska et l'Oregon. Dans mes ateliers, je trouve que l'une des techniques les plus difficiles à saisir est l'utilisation de formes et de valeurs connectées. Il y a quelques années, j'ai commencé tous mes ateliers avec une étude de valeur de teinte neutre et cela a progressivement évolué vers mes études de valeur/composition de graphite que je fais avant la plupart de mes peintures.

Dans l'Oregon, j'ai décidé de revenir à une démonstration d'aquarelle semi-monochromatique afin que les étudiants voient la corrélation directe entre le croquis de configuration et les notes mentales et écrites sur la façon de modifier le sujet jusqu'à son essence sans la tentation supplémentaire de Couleur. Dans mes peintures, je laisse rarement la précision l'emporter sur une bonne composition et je me libère pour éditer et déplacer des objets comme je le souhaite. Mon seul objectif est de capturer ce que je ressens dans un lieu. Je trouve ce type de scène très utile dans un atelier car nous examinons les formes et comment les relier. Nous utilisons également plusieurs types de lavis et de coups de pinceau pour ajouter de l'atmosphère et de l'intérêt. Au fond, un tableau n'est aussi difficile que vous souhaitez le faire.

Ma première question lorsque je regarde une scène, que je peins à l'extérieur ou à partir de photos et de croquis de référence, est de savoir comment puis-je modifier ceci / quel est le vrai sujet ? Me poser ces questions commence le processus d'élimination des détails inutiles et commence à identifier mes objectifs. Dans ce tableau, le sens de la distance, la taille des rochers sur la plage et enfin la plate-forme d'observation m'ont attiré. Dans ce cas, j'ai choisi de montrer la plage à marée basse afin de pouvoir jouer avec les reflets des bassins de marée et éviter de surmener le shore break. Pour ces décisions, j'utilise des conditions mémorisées plus tôt dans la journée ou d'autres endroits avec des reliefs similaires.

Un croquis d'introduction avant de commencer la peinture est essentiel pour comprendre votre sujet et comment vous allez le traiter. Ceux-ci ont tendance à être très lâches et je prends du recul et regarde les formes plus grandes et comment elles fonctionnent. Je vais prendre des notes sur la façon de changer le dessin et me guider à travers les étapes de la peinture. Je dis à mes étudiants qu'un bon peintre doit voir quelques pas en avant et savoir que construire du clair au foncé peut être très indulgent si vous vous souvenez que des valeurs plus sombres couvriront les erreurs que vous faites lors des premiers lavages. Plus ils pratiquent le lavis panaché et plus ils travaillent la page entière plutôt que des « morceaux » permettent de rassembler une composition plutôt que de risquer qu'elle se fragmente.

Palette d'aquarelle en vedette

• DANIEL SMITH Terre d'ombre brûlée,
• DANIEL SMITH terre de sienne brute,
• DANIEL SMITH Outremer français,
• DANIEL SMITH Quinacridone Orange brûlée,
• DANIEL SMITH Blanc de Chine, et
• DANIEL SMITH Teinte neutre

La première passe, simplement pour établir l'ambiance et créer une sous-couche qui lie le travail ensemble. Ma surface de peinture est Fabriano Artistico 300lb rugueux et j'ai utilisé un Escoda Versatil 14 rond et un Versatil 3/4" plat.

Les peintures sont DANIEL SMITH Burnt Umber, Raw Sienna, French Ultramarine, Quinacridone Burnt Orange, Chinese White et Neutral Tint. J'ai utilisé une série de lavis variés couplés à des coups de pinceau à séchage rapide pour suggérer de la lumière sur l'eau et enfin mettre en place des herbes hautes et des zones de tons chauds avec l'orange brûlée. J'ai laissé tomber un mélange d'outremer français et d'orange brûlée dans le ciel pour suggérer l'ambiance et pendant que c'était humide, j'ai travaillé dans les premières couches de nuages en utilisant du blanc chinois.

Les quelques plans suivants sont tous réalisés en une seule fois avec des forces variables au fur et à mesure que nous avançons dans la peinture. J'ai laissé tomber un peu de ton supplémentaire pour donner à Haystack Rock un peu de puissance à sa base et j'ai continué à en ajouter un peu plus à mes bassins d'eau alors que je me rapprochais du premier plan où j'ai introduit de la terre de sienne brute pour imiter les herbes sèches sur le bluff. C'est le blocage de base. Je juge l'intensité de la valeur et la force des formes des roches et des autres éléments en me rappelant que les prochains lavages couvriront tous les mouvements que je ferai si je vois quelque chose dont je ne suis pas satisfait. Cela m'aide à ne pas devenir trop hésitant et me permet de peindre avec tout mon bras à grands traits.

Les étapes finales consistaient à donner des obscurités fortes au premier plan en utilisant un mélange de teinte neutre, d'orange brûlé et d'une touche d'outremer français. À l'aide du plat, j'ai brossé à sec la balustrade et les gens ont ensuite mélangé une teinte neutre dans un lavage très humide en traits plats pour les ténèbres dans les herbes. J'ai ajouté les lampadaires pour relier le premier plan au plan intermédiaire et, à l'aide de mon flacon pulvérisateur, j'ai ajouté un ou deux spritz pour la texture. Pendant que cela séchait, j'ai utilisé le blanc chinois en arrière-plan pour adoucir le ciel et Haystack Rock.

Je suis revenu à la peinture après l'avoir laissé reposer toute la nuit. J'ai décidé d'ajouter plus de réflexion à Haystack Rock pour lier l'arrière-plan au terrain d'entente et j'ai lavé à nouveau le ciel avec de l'eau claire pour renforcer la sensation de perspective atmosphérique. Ces peintures ont tendance à aller vite pour moi. Je doute d'avoir passé plus d'une heure et demie du début à la fin, ce qui aide avec des coups de pinceau spontanés et une sensation plus lâche à l'ensemble du tableau. Je dis à mes élèves qu'un dessin lâche aidera à produire une peinture lâche ; mais un serré se traduira certainement par un travail beaucoup plus contrôlé. Que votre fantaisie soit le détail ou le geste, ces exercices sont extrêmement agréables tout en enseignant de précieuses leçons sur le lavage, les coups de pinceau et la valeur. Moins nous énonçons clairement, plus nos peintures invitent le spectateur à tirer ses propres conclusions sur l'œuvre et à créer ses propres histoires à son sujet. Plus je peins, plus je trouve que, pour moi, cette façon de travailler est la plus agréable.

Iain StewartAWS/NWS