Ik ben onlangs teruggekeerd van een workshoptournee, waarbij ik onder andere in Alaska en Oregon ben geweest. In mijn workshops merk ik dat een van de moeilijkste technieken om onder de knie te krijgen het gebruik van verbonden vormen en waarde is. Een paar jaar geleden begon ik al mijn workshops met een waardestudie in neutrale tinten, en dat is geleidelijk geëvolueerd naar de waarde-/compositiestudies met grafiet die ik maak voordat ik aan de meeste van mijn schilderijen begin.
In Oregon besloot ik terug te gaan naar een demonstratie van semi-monochromatische aquarel, zodat de studenten de directe correlatie zouden zien tussen de opzetschets en de mentale en geschreven aantekeningen over hoe ze het onderwerp tot de essentie konden terugbrengen zonder de verleiding van kleur. In mijn schilderijen laat ik nauwkeurigheid zelden boven een goede compositie prevaleren en geef ik mezelf de vrijheid om objecten naar believen te bewerken en te verplaatsen. Mijn enige doel is om vast te leggen hoe een plek me laat voelen. Ik vind dit soort scènes erg nuttig in een workshop, omdat we kijken naar vormen en hoe we die met elkaar kunnen verbinden. We gebruiken ook verschillende soorten washes en penseelstreken om sfeer en interesse toe te voegen. Uiteindelijk is een schilderij zo moeilijk als je het zelf maakt.
Mijn eerste vraag bij het bekijken van een scène, of ik nu buiten schilder of aan de hand van referentiefoto's en schetsen, is: hoe kan ik dit bewerken / wat is het werkelijke onderwerp? Door mezelf deze vragen te stellen, begin ik onnodige details te elimineren en mijn doelen te bepalen. In dit schilderij waren het gevoel van afstand, de grootte van de rotsen op het strand en uiteindelijk het uitkijkplatform wat me aantrok. In dit geval koos ik ervoor om het strand bij eb af te beelden, zodat ik kon spelen met reflecties van getijdenpoelen en de branding niet te veel hoefde te benadrukken. Voor deze keuzes baseer ik me op de omstandigheden van eerder op de dag of op andere plekken met vergelijkbare landvormen.
Een inleidende schets voordat je begint met schilderen is essentieel om je onderwerp te begrijpen en hoe je het gaat aanpakken. Deze schetsen zijn meestal erg losjes en ik neem even afstand om de grotere vormen te bekijken en hoe ze werken. Ik maak aantekeningen over hoe ik de tekening kan aanpassen en loop de stappen van het schilderen stap voor stap door. Ik vertel mijn studenten dat een goede schilder een paar stappen vooruit moet denken en moet weten dat het opbouwen van licht naar donker heel vergevingsgezind kan zijn als je bedenkt dat donkere tinten fouten die je maakt tijdens het aanbrengen van de eerste lagen kunnen verbergen. Hoe meer ze oefenen met het aanbrengen van verschillende tinten en het werken op de hele pagina in plaats van in 'stukjes', hoe beter ze een compositie kunnen samenstellen in plaats van het risico te lopen dat deze gefragmenteerd raakt.
Uitgelicht aquarelpalet
- DANIEL SMITH Gebrande Omber,
- DANIEL SMITH Raw Sienna,
- DANIEL SMITH Frans ultramarijn,
- DANIEL SMITH Quinacridone Gebrande Sinaasappel,
- DANIEL SMITH Chinese Witte, en
- DANIEL SMITH Neutrale tint
De eerste laag dient enkel om de sfeer te bepalen en een onderlaag te creëren die het werk samenbindt. Mijn schilderoppervlak is Fabriano Artistico 300lb ruw papier en ik gebruikte een Escoda Versatil 14 ronde en een Versatil 3/4” platte penseel.
De gebruikte verfsoorten zijn DANIEL SMITH Burnt Umber, Raw Sienna, French Ultramarine, Quinacridone Burnt Orange, Chinese White en Neutral Tint. Ik heb een reeks gevarieerde washes gecombineerd met snelle, droge penseelstreken gebruikt om licht op het water te suggereren en vervolgens met Burnt Orange wat hoog gras en warme tinten aangebracht. Ik heb een mengsel van French Ultramarine en Burnt Orange in de lucht gedruppeld om de sfeer te benadrukken en terwijl dat nog nat was, heb ik de eerste wolkenlagen met Chinese White aangebracht.
De volgende paar lagen zijn allemaal in één keer aangebracht, met variërende intensiteit naarmate we verder in het schilderij komen. Ik heb een beetje extra toon toegevoegd om Haystack Rock wat meer kracht te geven aan de voet en bleef wat meer toevoegen aan mijn waterplassen naarmate ik dichter bij de voorgrond kwam, waar ik wat rauwe sienna gebruikte om het droge gras op de klif na te bootsen. Dit is de basis van het opzetten van de basislagen. Ik beoordeel de intensiteit van de waarden en de kracht van de vormen van de rotsen en andere elementen, en herinner mezelf eraan dat de volgende lagen verf eventuele bewegingen zullen bedekken als ik iets zie waar ik niet tevreden over ben. Dit helpt me om niet te aarzelend te worden en stelt me in staat om met mijn hele arm in brede streken te schilderen.
De laatste stappen bestonden uit het aanbrengen van sterke donkere tinten op de voorgrond met een mengsel van Neutral Tint, Burnt Orange en een vleugje French Ultramarine. Met een platte kwast bracht ik de reling en de mensen droog aan, waarna ik met een zeer natte wash Neutral Tint in platte streken mengde voor de donkere tinten in het gras. Ik voegde de lantaarnpalen toe om de voorgrond met het middenplan te verbinden en spoot er met mijn spuitfles een of twee keer wat verf overheen voor textuur. Terwijl dit droogde, gebruikte ik Chinees Wit op de achtergrond om de lucht en Haystack Rock te verzachten.
Ik pakte het schilderij weer op nadat ik het een nacht had laten staan. Ik besloot meer reflectie toe te voegen aan Haystack Rock om de achtergrond met het middenplan te verbinden en heb de lucht opnieuw met helder water beschilderd om het gevoel van atmosferisch perspectief te versterken. Deze schilderijen gaan meestal snel voor me. Ik denk dat ik er niet langer dan anderhalf uur over heb gedaan, van begin tot eind. Dat helpt bij spontane penseelstreken en een lossere uitstraling van het hele schilderij. Ik vertel mijn studenten dat een losse schets helpt bij het maken van een los schilderij, maar een strakke schets resulteert zeker in veel meer gecontroleerd werk. Of je nu meer van details of van gebaren houdt, deze oefeningen zijn enorm plezierig en leren je waardevolle lessen over aquarel, penseelstreken en licht-donkercontrast. Hoe minder we expliciet vermelden, hoe meer onze schilderijen de kijker uitnodigen om zelf conclusies te trekken en er een eigen verhaal bij te bedenken. Hoe meer ik schilder, hoe meer ik merk dat deze manier van werken voor mij het meest bevredigend is.
Iain Stewart AWS/NWS
