Recientemente regresé de una gira de talleres que incluyó Alaska y Oregón. En mis talleres, he descubierto que una de las técnicas más difíciles de dominar es el uso de formas conectadas y el valor tonal. Hace unos años, comencé todos mis talleres con un estudio de valores tonales neutros, que poco a poco evolucionó hasta convertirse en los estudios de composición y valor tonal con grafito que realizo antes de la mayoría de mis pinturas.

En Oregón decidí retomar una demostración de acuarela semimonocromática para que los estudiantes vieran la correlación directa entre el boceto inicial y las notas mentales y escritas sobre cómo reducir el sujeto a su esencia sin la tentación añadida del color. En mis pinturas, rara vez dejo que la precisión supere la buena composición y me permito editar y mover los objetos a mi antojo. Mi único objetivo es capturar las sensaciones que me produce un lugar. Este tipo de escena me resulta muy útil en un taller, ya que analizamos las formas y cómo conectarlas. También utilizamos diferentes tipos de veladuras y pinceladas para añadir atmósfera e interés. En esencia, una pintura es tan difícil como uno quiera que sea.

Al observar una escena, ya sea pintando al aire libre o a partir de fotos y bocetos de referencia, mi primera pregunta es: ¿cómo puedo editarla? ¿Cuál es el verdadero sujeto? Hacerme estas preguntas inicia el proceso de eliminar detalles innecesarios y me ayuda a definir mis objetivos. En esta pintura, la sensación de distancia, el tamaño de las rocas en la playa y, finalmente, la plataforma de observación fueron lo que me atrajo. En este caso, opté por mostrar la playa con la marea baja para poder jugar con los reflejos de las pozas de marea y evitar sobrecargar el rompiente. Para estas decisiones, recurro a las condiciones que recuerdo de ese mismo día o de otros lugares con formaciones similares.

Un boceto introductorio antes de comenzar a pintar es esencial para comprender el tema y cómo lo abordarás. Estos bocetos suelen ser muy sueltos, y me alejo para observar las formas generales y cómo funcionan. Tomo notas sobre cómo modificar el dibujo y me guío mentalmente a través de los pasos de la pintura. Les digo a mis alumnos que un buen pintor debe anticiparse a los pasos y saber que construir de claro a oscuro puede ser muy indulgente si recuerdan que los tonos más oscuros cubrirán los errores que cometan al aplicar las primeras capas de pintura. Cuanto más practiquen la técnica de la aguada variada y trabajen la página completa en lugar de solo fragmentos, más cohesionarán la composición en lugar de correr el riesgo de que se fragmente.

Paleta de acuarelas destacada

• DANIEL SMITH Tierra de Siena Tostada,
• DANIEL SMITH Siena cruda,
• DANIEL SMITH Azul ultramar francés,
• DANIEL SMITH Naranja quemada de quinacridona,
• DANIEL SMITH Blanco chino y
• DANIEL SMITH Tono neutro

La primera pasada, simplemente para establecer el ambiente y crear una capa base que unifique la obra. Mi superficie de pintura es Fabriano Artistico de 300 lb de grano grueso y utilicé una espátula redonda Escoda Versatil de 14" y una espátula plana Versatil de 3/4".

Las pinturas son DANIEL SMITH Tierra de Sombra Tostada, Siena Natural, Azul Ultramar Francés, Naranja Tostado de Quinacridona, Blanco Chino y Tinta Neutra. Utilicé una serie de lavados variados junto con pinceladas rápidas y secas para sugerir la luz sobre el agua y, finalmente, creé algunas hierbas altas y áreas de tonos cálidos con el Naranja Tostado. Apliqué una mezcla de Azul Ultramar Francés y Naranja Tostado en el cielo para sugerir ambiente y, mientras aún estaba húmedo, trabajé las primeras capas de nubes con Blanco Chino.

Las siguientes tomas se realizan de una sola vez, variando la intensidad a medida que avanzamos en la pintura. Añadí un poco más de tono para darle mayor presencia a la Roca del Estanque en su base y seguí agregando más a las zonas de agua a medida que me acercaba al primer plano, donde introduje un poco de siena natural para emular la hierba seca del acantilado. Esto es un bloqueo básico. Evalúo la intensidad del valor y la fuerza de las formas de las rocas y otros elementos, recordándome que las siguientes capas cubrirán cualquier cambio que haga si veo algo con lo que no estoy satisfecho. Esto me ayuda a no dudar demasiado y me permite pintar con todo el brazo, con pinceladas amplias.

Los pasos finales consistieron en dar tonos oscuros intensos al primer plano con una mezcla de Tinta Neutra, Naranja Quemado y un toque de Azul Ultramar Francés. Con la técnica de pincel seco, pinté la barandilla y las figuras humanas, y luego, con una aguada muy húmeda, mezclé Tinta Neutra con pinceladas planas para los tonos oscuros de la hierba. Añadí los postes de luz para conectar el primer plano con el plano medio y, con el pulverizador, apliqué un par de pulverizaciones para dar textura. Mientras se secaba, utilicé Blanco Chino en el fondo para suavizar el cielo y la Roca Haystack.

Retomé el cuadro después de dejarlo reposar toda la noche. Decidí añadir más reflejos a Haystack Rock para conectar el fondo con el plano medio y volví a pintar el cielo con agua clara para potenciar la sensación de perspectiva atmosférica. Suelo pintar estos cuadros rápidamente. Dudo haber tardado más de una hora y media de principio a fin, lo que facilita la espontaneidad de las pinceladas y le da un toque más suelto a la obra. Les digo a mis alumnos que un dibujo suelto ayuda a crear una pintura suelta, pero uno más preciso da como resultado un trabajo mucho más controlado. Tanto si te gusta el detalle como el gesto, estos ejercicios son muy entretenidos y enseñan valiosas lecciones sobre aguadas, pinceladas y valor tonal. Cuanto menos explícitamente lo dejemos claro, más invitan nuestras pinturas al espectador a sacar sus propias conclusiones y crear sus propias historias. Cuanto más pinto, más me doy cuenta de que, para mí, esta forma de trabajar es la más placentera.

Iain Stewart AWS/NWS