Sono tornata di recente da un tour di workshop che mi ha portato in Alaska e in Oregon. Nei miei workshop ho scoperto che una delle tecniche più difficili da padroneggiare è l'uso di forme e valori tonali interconnessi. Qualche anno fa ho iniziato tutti i miei workshop con uno studio sui valori tonali con tinta neutra, che si è poi evoluto negli studi di valori tonali e di composizione a grafite che realizzo prima della maggior parte dei miei dipinti.

In Oregon ho deciso di tornare a una dimostrazione di acquerello semi-monocromatico in modo che gli studenti potessero vedere la correlazione diretta tra lo schizzo preparatorio e gli appunti mentali e scritti su come ridurre il soggetto alla sua essenza senza la tentazione aggiuntiva del colore. Nei miei dipinti raramente lascio che la precisione prevalga sulla buona composizione e mi lascio andare a modifiche e spostamenti degli oggetti a mio piacimento. Il mio unico obiettivo è catturare le sensazioni che un luogo mi suscita. Trovo questo tipo di scena molto utile in un contesto di workshop perché ci concentriamo sulle forme e su come collegarle. Utilizziamo anche diversi tipi di velature e pennellate per aggiungere atmosfera e interesse. In fondo, un dipinto è difficile solo quanto si desidera renderlo.

La prima domanda che mi pongo quando osservo una scena, sia che dipinga all'aperto o partendo da foto e schizzi di riferimento, è: come posso modificarla? Qual è il vero soggetto? Pormi queste domande mi permette di eliminare i dettagli superflui e di definire meglio i miei obiettivi. In questo dipinto, ciò che mi ha attratto è stata la sensazione di profondità, la grandezza degli scogli sulla spiaggia e, infine, la piattaforma panoramica. In questo caso, ho scelto di rappresentare la spiaggia con la bassa marea per poter giocare con i riflessi delle pozze di marea ed evitare di sovraccaricare la battigia. Per queste scelte, mi baso su ricordi di condizioni meteorologiche precedenti o di altri luoghi con forme del terreno simili.

Uno schizzo preliminare prima di iniziare il dipinto è essenziale per comprendere il soggetto e come trattarlo. Questi schizzi tendono ad essere molto abbozzati e io mi allontano per osservare le forme principali e il loro funzionamento. Prendo appunti su come modificare il disegno e ripercorro mentalmente le fasi del dipinto. Spiego ai miei studenti che un bravo pittore deve prevedere i passi successivi e sapere che procedere dal chiaro allo scuro può essere molto indulgente, a patto di ricordare che i valori più scuri copriranno gli errori commessi durante le velature iniziali. Più si esercitano con le velature variegate e lavorando sull'intera pagina anziché su "pezzi", più riescono a dare coesione alla composizione, evitando che risulti frammentata.

Tavolozza di acquerelli in primo piano

• DANIEL SMITH Terra d'ombra bruciata,
• DANIEL SMITH Terra di Siena naturale,
• DANIEL SMITH Oltremare francese,
• DANIEL SMITH Arancia bruciata di chinacridone,
• DANIEL SMITH Bianco cinese e
• DANIEL SMITH Tinta neutra

La prima passata serve semplicemente a definire l'atmosfera e a creare una base che unisca l'opera. La mia superficie pittorica è carta Fabriano Artistico 300lb ruvida e ho utilizzato un pennello Escoda Versatil tondo da 14" e un Versatil piatto da 3/4".

I colori utilizzati sono DANIEL SMITH Terra d'ombra bruciata, Terra di Siena naturale, Blu oltremare francese, Arancio bruciato di chinacridone, Bianco di Cina e Tinta neutra. Ho usato una serie di velature variegate, unite a pennellate rapide e asciutte, per suggerire la luce sull'acqua e infine ho creato delle erbe alte e delle zone dai toni caldi con l'Arancio bruciato. Ho steso una miscela di Blu oltremare francese e Arancio bruciato nel cielo per suggerire l'atmosfera e, mentre era ancora umido, ho lavorato i primi strati di nuvole usando il Bianco di Cina.

Le prossime pennellate sono tutte realizzate in un'unica passata, con intensità variabili man mano che ci avviciniamo al primo piano del dipinto. Ho aggiunto un po' di tono per dare maggiore impatto alla base di Haystack Rock e ho continuato ad aggiungere un po' di colore alle pozze d'acqua mentre mi spostavo verso il primo piano, dove ho introdotto della terra di Siena naturale per simulare l'erba secca sulla scogliera. Questa è la fase di abbozzo di base. Valuto l'intensità del valore tonale e la forza delle forme delle rocce e degli altri elementi, ricordandomi che le successive velature copriranno eventuali correzioni, qualora dovessi notare qualcosa di insoddisfacente. Questo mi aiuta a non esitare troppo e mi permette di dipingere con tutto il braccio, con ampie pennellate.

Le fasi finali consistevano nel dare forti ombre al primo piano usando una miscela di Tinta Neutra, Arancio Bruciato e un tocco di Blu Oltremare Francese. Con la spazzola piatta ho dipinto a secco la ringhiera e le persone, poi con una velatura molto bagnata ho mescolato la Tinta Neutra con pennellate piatte per le zone scure dell'erba. Ho aggiunto i pali della luce per collegare il primo piano al piano intermedio e con il flacone spray ho aggiunto un paio di spruzzi per dare texture. Mentre si asciugava, ho usato il Bianco di Cina sullo sfondo per ammorbidire il cielo e la Roccia del Pagliaio.

Sono tornato al dipinto dopo averlo lasciato riposare tutta la notte. Ho deciso di aggiungere più riflessi a Haystack Rock per collegare lo sfondo al piano intermedio e ho di nuovo steso acqua limpida sul cielo per accentuare la sensazione di prospettiva atmosferica. Questi dipinti tendono a essere veloci per me. Dubito di aver impiegato più di un'ora e mezza dall'inizio alla fine, il che favorisce pennellate spontanee e un'atmosfera più libera all'intero dipinto. Dico ai miei studenti che un disegno libero contribuirà a produrre un dipinto libero, ma un disegno preciso si tradurrà sicuramente in un lavoro molto più controllato. Che la vostra passione sia il dettaglio o il gesto, questi esercizi sono estremamente piacevoli e insegnano preziose lezioni su velature, pennellate e valori tonali. Meno esprimiamo chiaramente, più i nostri dipinti invitano lo spettatore a trarre le proprie conclusioni sull'opera e a creare le proprie storie al riguardo. Più dipingo, più scopro che, per me, questo modo di lavorare è il più appagante.

Iain Stewart, AWS/NWS