L'attività acquerellista californiana dagli anni '20 agli anni '50 rappresenta un contributo regionale vivace e innovativo al panorama artistico nazionale. Il cosiddetto movimento acquerellista in stile californiano era un gruppo informale, ma affiatato, di artisti con sede principalmente nella California meridionale. Il più noto tra loro era Millard Sheets, i cui acquerelli di scene locali realizzati alla fine degli anni '20 incoraggiarono altri giovani artisti, molti dei quali affiliati alla Chouinard Art School, a seguirne l'esempio. Tra questi figuravano Phil Dike, Rex Brandt, Barse Miller, Emil Kosa Jr., Phil Paradise e Paul Sample. Quasi tutti entrarono a far parte della California Watercolor Society, fondata nel 1921, che organizzò mostre locali e itineranti, contribuendo ad accrescere la notorietà del gruppo a livello nazionale. Il precoce Millard Sheets, ancora oggi uno dei nomi più noti nella storia dell'arte californiana, fu il primo del gruppo a godere di una significativa reputazione nazionale, e la sua precoce visibilità contribuì a far conoscere i suoi colleghi e la tecnica da loro scelta.
La tecnica dell'acquerello si adattava perfettamente agli obiettivi e allo stile di vita di Sheets e della sua cerchia. Come avevano già intuito diverse generazioni prima, gli acquerelli erano economici e facili da trasportare, ideali per i giovani artisti che amavano viaggiare e dipingere all'aperto. Inoltre, come dimostrava l'esempio di modernisti come John Marin, la tecnica si prestava bene ad approcci più riduttivi e gestuali al soggetto. Nelle mani dei pittori di scene californiane, l'acquerello facilitava uno stile diretto e apparentemente spontaneo, capace di catturare la luce brillante del sole e l'atmosfera informale della California meridionale. Allo stesso tempo, le grandi dimensioni di questi acquerelli – generalmente più di 60 centimetri di larghezza senza cornice – indicavano che i loro autori li consideravano opere serie, degne di essere esposte e vendute. Questi artisti prendevano molto sul serio la tecnica.
Le qualità riscontrabili negli acquerelli degli artisti californiani riflettevano anche le tendenze stilistiche e culturali nazionali. Tra queste, la propensione al realismo e al contesto locale, caratteristica distintiva dei pittori dell'American Scene e dei regionalisti del Midwest, in particolare Grant Wood e Thomas Hart Benton. Questo tentativo di radicarsi nel contesto artistico locale era condiviso anche da alcuni modernisti, tra cui Georgia O'Keeffe, John Marin e Marsden Hartley. Il piacere che i pittori dello stile californiano provavano nel catturare momenti fugaci della vita quotidiana deve molto anche ai realisti urbani dell'inizio del Novecento, come Robert Henri, George Bellows e il successivo Reginald Marsh. E sebbene gli acquerellisti rifuggissero l'astrazione pura, adottarono comunque approcci più stilizzati e vigorosi a seconda delle loro esigenze. Nella maggior parte dei casi, tuttavia, l'adattamento di vari elementi modernisti rimase letteralmente in superficie, raramente andando più in profondità. Gli artisti erano principalmente attratti da nuovi mezzi tecnici e stilistici per produrre effetti visivi audaci, vivaci e diretti.
Gli acquerellisti californiani si sono evoluti a partire dalla lunga e ricca tradizione paesaggistica dello stato, che ha saputo sfruttare gli abbondanti panorami pittoreschi della regione e il clima ideale per dipingere all'aperto. Tra gli acquerellisti californiani dei primi del Novecento che lavorarono in questa tradizione en plein air vi fu Francis McComas, giunto nella California meridionale all'inizio del Novecento. Egli portò nelle sue opere una semplificazione che creò relazioni formali sofisticate, suggestive di un senso di astrazione nei paesaggi desertici. Il suo approccio essenziale all'acquerello, tuttavia, seguiva le consolidate tradizioni inglesi, in cui le forme venivano delineate, spesso a matita, e poi dipinte all'interno di quelli che in sostanza erano contorni. Questo metodo era anche la tecnica comune per l'acquerello nella California meridionale, utilizzata dai pittori precedenti, come dimostrano le velature relativamente pallide e controllate usate da F. Tolles Chamberlin che, come insegnante alla Chouinard Art School (in seguito Chouinard Art Institute, precursore del Cal Arts), incoraggiò Sheets e altri studenti a esplorare la tecnica dell'acquerello. Molti acquerellisti californiani dimostrarono inoltre una profonda conoscenza delle venerate tradizioni acquerellate asiatiche. Un piccolo ma influente gruppo di artisti asiatico-americani era attivo sia nella California meridionale che in quella settentrionale, traendo ispirazione, in misura variabile, dalla propria eredità culturale asiatica.
Due delle figure di spicco della California meridionale furono Hideo Date e Tyrus Wong, entrambi attivi nella cerchia di Stanton MacDonald Wright. Nella California settentrionale, Chiura Obata si affermò grazie ai suoi acquerelli e ai dipinti a olio di grandi dimensioni, ottenendo una cattedra presso la facoltà di arte dell'Università della California a Berkeley. Dong Kingman, acquerellista sino-americano nato a San Francisco, trascorse gran parte della sua giovinezza a Hong Kong, dove perfezionò la calligrafia e un approccio espressivo e apparentemente spontaneo all'acquerello – spesso associato alla pittura a inchiostro asiatica – che incorporò nel suo stile fantasioso. Noto per i suoi acquerelli di grande impatto raffiguranti scene urbane, Kingman fu l'acquerellista più importante della California settentrionale associato allo stile californiano, originario del sud. Con l'influenza sempre maggiore del modernismo sul gruppo settentrionale, i due movimenti regionali si divisero ulteriormente, sia stilisticamente che socialmente.
Gli acquerellisti dello stile californiano e della scuola di Berkeley erano diversi e, di fatto, avevano ben poco in comune. Il movimento della California settentrionale, con sede presso l'Università della California a Berkeley, fu fortemente influenzato dall'artista ospite Hans Hofmann, un proto-espressionista astratto. Questo stile, nato in ambito universitario e di stampo quasi modernista, assunse il carattere di una risposta accademica, seppur cauta, agli insegnamenti di Hofmann: in particolare, l'importanza della linea in sé, non solo come elemento di definizione di forma e contorno, e la separazione dei piani di colore dal contorno. Worth Ryder, John Haley, Karl Kasten ed Erle Loran furono i principali esponenti di questo movimento e, in quanto docenti universitari, il loro stile esercitò una notevole influenza sull'acquerello nella Bay Area di San Francisco. Secondo Kasten, le differenze di approccio all'acquerello crearono una "scissione" tra nord e sud. La scuola di Berkeley prediligeva il colore "aperto" e la linea indipendente. Gli artisti dello stile californiano, invece, adottavano un approccio "chiuso", con soggetti tratti dal paesaggio e dalla scena urbana del sud, resi con colori naturali locali. Le opere del nord, di orientamento più modernista e con riferimenti all'Europa, consolidarono l'Università della California come importante centro artistico ben oltre le colline di Berkeley. Tuttavia, alcuni acquerellisti del nord mal sopportavano quello che consideravano un predominio accademico nel loro campo.
Queste due correnti hanno dominato l'acquerello californiano per diversi decenni. E i numerosi artisti che partecipano attivamente al mondo contemporaneo della National Watercolor Society e di altri gruppi professionali affini attingono a queste tradizioni, sia del nord che del sud. Molti di loro hanno intrapreso carriere di successo basate su un approccio narrativo generalmente conservatore e accessibile, che impiega competenze illustrative altamente sviluppate. Tuttavia, l'acquerello rimane un mezzo stimolante e gratificante per artisti con interessi molto diversi. Possiamo ammirare il virtuosismo tecnico dei regionalisti californiani e dei loro eredi, ma riconosciamo anche che questa ammirevole abilità è al servizio anche di altri artisti contemporanei, come il fotorealista Robert Bechtle, i cui soggetti mostrano la stessa attrazione per una specifica e suggestiva rappresentazione del luogo, nonostante obiettivi artistici molto diversi.
Ma per tutti questi artisti, c'è un profondo rispetto per la difficoltà e le qualità espressive uniche di questa tecnica. Il futuro preserverà questo posto speciale per l'acquerello. Alcuni artisti continueranno la tradizione americana inaugurata dai più grandi maestri del passato: Winslow Homer, Thomas Eakins e John Singer Sargent. Ma in realtà non si tratta né di progresso né di spirito competitivo. Sheets, Marin, Kosa e una schiera di altre stelle dell'acquerello del ventesimo secolo non si sono prefissati di superare questi maestri riconosciuti. È piuttosto un profondo rispetto per la tecnica e per i loro predecessori che rende l'acquerello una sorta di comunità artistica svincolata da altre considerazioni stilistiche. Forse è come un club, una società quasi segreta, in cui gli iniziati – tra cui tradizionalisti e sperimentatori contemporanei – riconoscono che l'acquerello occupa una storia singolare e un'identità estetico-espressiva irripetibile. C'è un motivo per cui lo scelgono.
Il dottor Paul J. Karlstrom, ex direttore regionale per la costa occidentale degli Archivi d'Arte Americana dello Smithsonian Institute, ha scritto questo articolo nel 2009 in occasione della mostra "Coastline to Skyline" presso l'Hood Museum of Art.“
Modelli di skyline – Acquerello su carboncino (22,5 x 30 pollici) di Emil Kosa Jr., 1959
