Die kalifornische Aquarellkunst der 1920er- bis 1950er-Jahre stellt einen lebendigen und innovativen regionalen Beitrag zur nationalen Kunstszene dar. Die sogenannte „California Style“-Aquarellbewegung war eine informelle, aber eng verbundene Gruppe von Künstlern, die hauptsächlich in Südkalifornien ansässig waren. Der bekannteste unter ihnen war Millard Sheets, dessen Aquarelle lokaler Landschaften aus den späten 1920er-Jahren andere junge Künstler, viele von ihnen Angehörige der Chouinard Art School, dazu anregten, seinem Beispiel zu folgen. Zu ihnen gehörten Phil Dike, Rex Brandt, Barse Miller, Emil Kosa Jr., Phil Paradise und Paul Sample. Fast alle engagierten sich in der 1921 gegründeten California Watercolor Society, die lokale und Wanderausstellungen organisierte und so das nationale Ansehen der Gruppe steigerte. Der frühreife Millard Sheets, bis heute einer der bekanntesten Namen in der Geschichte der kalifornischen Kunst, war der erste der Gruppe, der landesweite Bekanntheit erlangte, und seine frühe Präsenz trug dazu bei, die Aufmerksamkeit auf seine Mitstreiter und ihr gewähltes Medium zu lenken.
Das Medium Aquarell passte ideal zu den Zielen und dem Lebensstil von Sheets und seinem Umfeld. Wie schon Generationen vor ihnen erkannt hatten, waren Aquarellfarben preiswert und leicht zu transportieren – perfekt für junge Künstler, die gerne reisten und im Freien malten. Darüber hinaus eignete sich das Medium, wie das Beispiel von Modernisten wie John Marin zeigt, hervorragend für reduziertere und gestischere Herangehensweisen an die Motive. In den Händen der kalifornischen Landschaftsmaler ermöglichte Aquarell einen direkten, scheinbar mühelosen Stil, der den strahlenden Sonnenschein und die ungezwungene Atmosphäre Südkaliforniens einfing. Gleichzeitig signalisierte das große Format dieser Aquarelle – ungerahmt meist über 60 Zentimeter breit –, dass ihre Schöpfer sie als ernsthafte Werke ansahen, die ausstellungs- und verkaufswürdig waren. Diese Künstler nahmen das Medium sehr ernst.
Die in den Aquarellen kalifornischer Künstler zum Ausdruck kommenden Qualitäten spiegelten auch nationale Stil- und Kulturströmungen wider. Dazu gehörte die Vorliebe für Realismus und lokale Bezüge, ein Kennzeichen der Maler der amerikanischen Szene und der Regionalisten des Mittleren Westens, allen voran Grant Wood und Thomas Hart Benton. Dieses Bestreben, sich in der lokalen Kunstszene zu verankern, teilten auch einige Modernisten – darunter Georgia O’Keeffe, John Marin und Marsden Hartley. Die Freude der Maler des kalifornischen Stils, flüchtige Momente des Alltags einzufangen, ist auch stark von den urbanen Realisten des frühen 20. Jahrhunderts wie Robert Henri, George Bellows und dem späteren Reginald Marsh beeinflusst. Und obwohl die Aquarellisten die reine Abstraktion mieden, wählten sie dennoch je nach Zweck stilisiertere und dynamischere Ansätze. Zumeist blieb die Übernahme verschiedener modernistischer Merkmale jedoch oberflächlich und ging selten in die Tiefe. Die Künstler waren vor allem von neuen technischen und stilistischen Mitteln fasziniert, um kühne, lebendige und direkte visuelle Effekte zu erzielen.
Die kalifornischen Aquarellmaler entwickelten sich aus der langen und reichen Landschaftstradition des Bundesstaates, die die malerischen Ausblicke und das ideale Klima für die Freilichtmalerei der Region nutzte. Zu den kalifornischen Aquarellmalern des frühen 20. Jahrhunderts, die in dieser Pleinair-Tradition arbeiteten, gehörte Francis McComas, der Anfang des 20. Jahrhunderts nach Südkalifornien kam. Er brachte eine Vereinfachung in sein Werk ein, die raffinierte, formale Beziehungen schuf und die abstrakten Qualitäten von Wüstenlandschaften erahnen ließ. Sein grundlegender Ansatz in der Aquarellmalerei folgte jedoch der langjährigen englischen Tradition, in der Formen, oft mit Bleistift, skizziert und dann innerhalb dieser Umrisse ausgemalt wurden. Diese Methode war auch die gängige Aquarelltechnik früherer Künstler in Südkalifornien, wie die vergleichsweise hellen, kontrollierten Lasuren von F. Tolles Chamberlin belegen. Als Lehrer an der Chouinard Art School (später Chouinard Art Institute, dem Vorläufer des CalArts) ermutigte er Sheets und andere Studenten, das Medium Aquarell zu erkunden. Viele der kalifornischen Aquarellmaler zeigten auch ein Bewusstsein für die verehrten Aquarelltraditionen Asiens. Eine kleine, aber bedeutende Gruppe asiatisch-amerikanischer Künstler war sowohl in Süd- als auch in Nordkalifornien tätig und ließ sich in unterschiedlichem Maße direkt von ihrem asiatischen Erbe inspirieren.
Zu den führenden Künstlern Südkaliforniens zählten Hideo Date und Tyrus Wong, die beide dem Umfeld von Stanton MacDonald Wright angehörten. In Nordkalifornien erwarb sich Chiura Obata einen hervorragenden Ruf für seine Aquarelle und großformatigen Ölgemälde, was ihm eine Professur an der UC Berkeley einbrachte. Der in San Francisco geborene chinesisch-amerikanische Aquarellmaler Dong Kingman verbrachte einen Großteil seiner Jugend in Hongkong, wo er die Kalligrafie und einen expressiven, scheinbar spontanen Umgang mit Aquarell – oft mit der asiatischen Tuschemalerei assoziiert – erlernte und in seinen eigenen fantasievollen Stil integrierte. Kingman, berühmt für seine meisterhaften Aquarelle urbaner Szenen, war der bedeutendste nordkalifornische Aquarellmaler des südkalifornischen „California Style“. Als die nördliche Gruppe zunehmend vom Modernismus beeinflusst wurde, verringerten sich die stilistischen und sozialen Überschneidungen zwischen den beiden regionalen Bewegungen weiter.
Die Aquarellmaler des kalifornischen Stils und der Berkeley School unterschieden sich und hatten tatsächlich wenig miteinander zu tun. Die nordkalifornische Bewegung, die an der UC Berkeley ihren Ursprung hatte, war stark von dem Gastkünstler Hans Hofmann, einem Vorläufer des abstrakten Expressionismus, beeinflusst. Dieser an der Universität entstandene, quasi-modernistische Stil entwickelte sich zu einer eher vorsichtigen akademischen Auseinandersetzung mit Hofmanns Lehren: insbesondere mit dem Wert der Linie an sich, nicht nur als definierende Form und Kontur, und mit Farbflächen, die unabhängig von der Kontur wirken. Worth Ryder, John Haley, Karl Kasten und Erle Loran waren die führenden Vertreter dieser Richtung, und als Universitätsdozenten übte ihr Stil einen erheblichen Einfluss auf die Aquarellmalerei in der San Francisco Bay Area aus. Laut Kasten führte die unterschiedliche Herangehensweise an die Aquarellmalerei zu einer Spaltung zwischen Nord und Süd. Die Berkeley School bevorzugte “offene” Farben und unabhängige Linien. Die Künstler des kalifornischen Stils hingegen verwendeten einen “geschlossenen” Ansatz; ihre Motive entstammten der südlichen Landschaft und dem urbanen Raum und wurden mit natürlichen, lokalen Farben dargestellt. Die eher modernistisch geprägten Werke des Nordens mit ihren Bezügen zu Europa etablierten die University of California als bedeutende Kunstinstitution weit über die Hügel von Berkeley hinaus. Doch einige Aquarellmaler des Nordens empfanden dies als akademische Dominanz in ihrem Fachgebiet.
Diese beiden Richtungen prägten die kalifornische Aquarellmalerei über mehrere Jahrzehnte. Zahlreiche Künstler, die in der aktiven zeitgenössischen Szene der National Watercolor Society und verwandter Berufsverbände aktiv sind, greifen auf diese Traditionen zurück, sowohl im Norden als auch im Süden. Viele von ihnen haben sich mit einem eher konservativen und leicht zugänglichen erzählerischen Ansatz, der auf hochentwickelten Illustrationsfähigkeiten basiert, eine bedeutende Karriere aufgebaut. Dennoch bleibt die Aquarellmalerei ein anspruchsvolles und lohnendes Medium für Künstler mit unterschiedlichsten Interessen. Wir können die technische Virtuosität der kalifornischen Regionalisten und ihrer Nachfolger bewundern, erkennen aber auch, dass diese bewundernswerte Fähigkeit auch anderen zeitgenössischen Künstlern zugutekommt, wie etwa dem Fotorealisten Robert Bechtle, dessen Motive trotz sehr unterschiedlicher künstlerischer Ziele dieselbe Faszination für die eindringliche Spezifik des Ortes zeigen.
Doch all diese Künstler verbindet ein tiefer Respekt vor der Schwierigkeit und den einzigartigen Ausdrucksmöglichkeiten des Mediums. Auch in Zukunft wird die Aquarellmalerei diesen besonderen Platz in der Kunstwelt bewahren. Einige Künstler werden die amerikanische Tradition fortführen, die von den größten historischen Meistern – Winslow Homer, Thomas Eakins und John Singer Sargent – begründet wurde. Doch es geht dabei weder um Fortschritt noch um Konkurrenzdenken. Sheets, Marin, Kosa und viele andere Stars der Aquarellmalerei des 20. Jahrhunderts hatten nicht das Ziel, diese anerkannten Meister zu übertreffen. Vielmehr ist es letztlich der tiefe Respekt vor dem Medium und ihren früheren Mentoren, der die Aquarellmalerei zu einer Art künstlerischer Gemeinschaft macht, die sich von anderen stilistischen Überlegungen abgrenzt. Vielleicht gleicht sie einem exklusiven Club, einer fast geheimen Gesellschaft, deren Mitglieder – darunter Traditionalisten wie zeitgenössische Experimentatoren – anerkennen, dass die Aquarellmalerei eine einzigartige Geschichte und eine unnachahmliche ästhetisch-expressive Identität besitzt. Es gibt einen Grund, warum sie sich dafür entscheiden.
Dr. Paul J. Karlstrom, ehemaliger Regionaldirektor der Archives of American Art des Smithsonian Institute an der Westküste, verfasste diesen Artikel im Jahr 2009 als Beitrag zu seinem Essay für die Ausstellung “Coastline to Skyline” im Hood Museum of Art.”
Skyline-Muster – Aquarell über Kohle (22,5 x 30 Zoll) von Emil Kosa Jr., 1959
