L'activité artistique californienne en aquarelle des années 1920 aux années 1950 représente une contribution régionale dynamique et novatrice au paysage artistique national. Le mouvement de l'aquarelle dit « style californien » était un groupe informel, mais soudé, d'artistes basés principalement en Californie du Sud. Le plus connu d'entre eux était Millard Sheets, dont les aquarelles de paysages locaux réalisées à la fin des années 1920 ont encouragé d'autres jeunes artistes, dont beaucoup étaient affiliés à l'école d'art Chouinard, à suivre son exemple. Parmi eux figuraient Phil Dike, Rex Brandt, Barse Miller, Emil Kosa Jr., Phil Paradise et Paul Sample. Presque tous sont devenus actifs au sein de la California Watercolor Society, fondée en 1921, qui a organisé des expositions locales et itinérantes, contribuant ainsi à la renommée nationale du groupe. Le précoce Millard Sheets, qui demeure l'un des noms les plus connus de l'histoire de l'art californien, fut le premier du groupe à acquérir une notoriété nationale significative, et sa visibilité précoce a contribué à faire connaître ses associés et leur médium de prédilection.
L'aquarelle convenait parfaitement aux aspirations et au mode de vie de Sheets et de son cercle. Comme plusieurs générations avant eux l'avaient constaté, ce médium était peu coûteux et très facile à transporter, idéal pour les jeunes artistes qui aimaient voyager et peindre en plein air. De plus, comme en témoigne l'exemple de modernistes tels que John Marin, l'aquarelle se prêtait bien à des approches plus épurées et gestuelles du sujet. Entre les mains des peintres de paysages californiens, l'aquarelle favorisait un style direct, d'une apparente simplicité, qui capturait la lumière éclatante et l'atmosphère décontractée du sud de la Californie. Parallèlement, le grand format de ces aquarelles – généralement plus de soixante centimètres de large sans cadre – indiquait que leurs auteurs les concevaient comme des œuvres sérieuses, dignes d'être exposées et vendues. Ces artistes prenaient l'aquarelle très au sérieux.
Les qualités des aquarelles des artistes californiens reflétaient également les tendances stylistiques et culturelles nationales. Parmi celles-ci figuraient le goût pour le réalisme et le contexte local, caractéristique des peintres de la Scène américaine et des régionalistes du Midwest, notamment Grant Wood et Thomas Hart Benton. Cette volonté d'ancrer leur art dans le terreau local était également partagée par certains modernistes, tels que Georgia O'Keeffe, John Marin et Marsden Hartley. Le plaisir des peintres du Style californien à saisir les instants fugaces du quotidien doit beaucoup aux réalistes urbains du début du XXe siècle, comme Robert Henri, George Bellows et, plus tard, Reginald Marsh. Si les aquarellistes rejetaient l'abstraction pure, ils adoptaient néanmoins des approches plus stylisées et dynamiques selon leurs besoins. Toutefois, l'intégration de divers éléments modernistes restait généralement superficielle, sans jamais s'approfondir. Ces artistes étaient avant tout attirés par des moyens techniques et stylistiques novateurs permettant de produire des effets visuels audacieux, vivants et directs.
Les aquarellistes californiens sont nés de la longue et riche tradition paysagère de l'État, qui tirait parti des nombreux panoramas pittoresques de la région et de son climat idéal pour la peinture en plein air. Parmi les premiers aquarellistes californiens du XXe siècle à s'inscrire dans cette tradition du plein air, on compte Francis McComas, arrivé en Californie du Sud au début des années 1900. Il apporta à son œuvre une simplification qui créa des relations formelles sophistiquées, suggérant une certaine abstraction des paysages désertiques. Son approche essentielle de l'aquarelle s'inscrivait cependant dans la longue tradition anglaise, où les formes étaient esquissées, souvent au crayon, puis peintes à l'intérieur de ces contours. Cette méthode était également la technique courante en Californie du Sud chez les premiers aquarellistes, comme en témoignent les lavis relativement pâles et maîtrisés utilisés par F. Tolles Chamberlin qui, en tant que professeur à la Chouinard Art School (devenue plus tard le Chouinard Art Institute, précurseur de CalArts), encouragea Sheets et d'autres élèves à explorer l'aquarelle. Nombre d'aquarellistes californiens manifestèrent également une connaissance des prestigieuses traditions aquarellistes asiatiques. Un petit groupe d'artistes américains d'origine asiatique, mais de premier plan, travaillait aussi bien en Californie du Sud qu'en Californie du Nord, puisant directement dans leur héritage asiatique à des degrés divers.
Deux figures majeures de la Californie du Sud étaient Hideo Date et Tyrus Wong, tous deux membres du cercle de Stanton MacDonald Wright. En Californie du Nord, Chiura Obata acquit une grande renommée pour ses aquarelles et ses peintures à l'huile de grand format, ce qui lui permit d'enseigner l'art à l'UC Berkeley. Dong Kingman, aquarelliste sino-américain né à San Francisco, passa une grande partie de sa jeunesse à Hong Kong, où il maîtrisa la calligraphie et développa une approche expressive et apparemment spontanée de l'aquarelle – souvent associée à la peinture à l'encre asiatique – qu'il intégra à son propre style onirique. Célèbre pour ses aquarelles magistrales de scènes urbaines, Kingman était l'aquarelliste le plus important de Californie du Nord associé au style californien, né dans le Sud. À mesure que le groupe du Nord était de plus en plus influencé par le modernisme, les deux mouvements régionaux se recoupèrent encore moins sur les plans stylistique et social.
Les aquarellistes du style californien et de l'école de Berkeley étaient différents et, de fait, n'avaient que peu de points communs. Le mouvement du nord de la Californie, basé à l'UC Berkeley, fut fortement influencé par l'artiste invité Hans Hoffmann, précurseur de l'expressionnisme abstrait. Ce style quasi-moderniste, né à l'université, prit les caractéristiques d'une réponse académique, certes prudente, aux enseignements d'Hoffmann : notamment la valeur intrinsèque du trait, et non seulement son rôle dans la définition des formes et des contours, ainsi que l'importance des aplats de couleur indépendants des contours. Worth Ryder, John Haley, Karl Kasten et Erle Loran en furent les figures de proue et, en tant qu'artistes enseignants à l'université, le style qu'ils adoptèrent exerça une influence considérable sur l'aquarelle dans la région de la baie de San Francisco. Selon Kasten, ces différences d'approche créèrent un “ schisme ” entre le nord et le sud. L'école de Berkeley privilégiait les couleurs “ ouvertes ” et le trait indépendant. Les artistes du style californien, quant à eux, adoptaient une approche “ fermée ”, puisant leurs sujets dans les paysages et les scènes urbaines du Sud et les rendant avec les couleurs naturelles locales. Les œuvres plus modernistes du nord, avec leurs références à l'Europe, ont fait de l'Université de Californie un centre artistique majeur, bien au-delà des collines de Berkeley. Mais certains aquarellistes du nord s'irritaient de ce qu'ils percevaient comme une mainmise du milieu universitaire sur leur discipline.
Ces deux courants ont dominé l'aquarelle californienne pendant plusieurs décennies. Les nombreux artistes participant à la scène contemporaine dynamique de la National Watercolor Society et des groupes professionnels apparentés s'inspirent de ces traditions, tant au nord qu'au sud. Nombre d'entre eux ont bâti des carrières remarquables grâce à une approche narrative généralement classique et accessible, faisant appel à des compétences d'illustration très pointues. Cependant, l'aquarelle demeure un médium exigeant et enrichissant pour des artistes aux intérêts très divers. On peut admirer la virtuosité technique des régionalistes californiens et de leurs héritiers, mais il faut aussi reconnaître que cette admirable maîtrise est mise au service d'autres artistes contemporains, tels que le photoréaliste Robert Bechtle, dont les sujets témoignent de la même fascination pour une spécificité évocatrice du lieu, malgré des objectifs artistiques très différents.
Mais pour tous ces artistes, il existe un profond respect pour la difficulté et les qualités expressives uniques de l'aquarelle. L'avenir préservera cette place privilégiée pour le travail à l'aquarelle. Certains artistes perpétueront la tradition américaine établie par les plus grands maîtres de l'histoire : Winslow Homer, Thomas Eakins et John Singer Sargent. Mais il ne s'agit ni de progrès ni de rivalité. Sheets, Marin, Kosa et une pléiade d'autres aquarellistes de renom du XXe siècle n'ont pas cherché à surpasser ces maîtres incontestés. C'est finalement un profond respect pour le médium et pour leurs mentors qui fait de l'aquarelle une sorte de communauté artistique affranchie de toute considération stylistique. On pourrait la comparer à un club, une société presque secrète, où les initiés – traditionalistes et expérimentateurs contemporains confondus – reconnaissent que l'aquarelle possède une histoire singulière et une identité esthétique et expressive impossible à reproduire. Ce n'est pas un hasard s'ils la choisissent.
Le Dr Paul J. Karlstrom, ancien directeur régional de la côte ouest des Archives d'art américain du Smithsonian Institute, a écrit cet article en 2009 dans le cadre de son essai pour l'exposition “ Coastline to Skyline ” du Hood Museum of Art.”
Motifs de ligne d'horizon – Aquarelle sur fusain (22,5 x 30″) par Emil Kosa Jr., 1959
