Con una formazione nel campo del design, Alison Pinto è attratta dalle texture e dai dettagli che si trovano sia negli elementi straordinari che in quelli quotidiani della natura. Eppure il suo lavoro va oltre ciò che è visibile a prima vista, affondando le radici nella connessione emotiva che sente con i suoi soggetti. Alison crede che l'arte sia un'esperienza profondamente personale e lascia che i suoi dipinti parlino per lei.

Dipingere le tonalità della pelle è uno degli aspetti più gratificanti e spesso impegnativi del ritratto. Dalle sottili variazioni di temperatura alla ricca varietà di incarnati presenti in ogni volto, ottenere risultati dall'aspetto naturale inizia con la comprensione del colore. In questo articolo, Alison Pinto, Brand Ambassador di DANIEL SMITH, condivide consigli pratici sulla miscelazione dei colori e un'utile Guida rapida alle tonalità della pelle per rendere la creazione di incarnati belli e realistici più semplice e accessibile.

Le tonalità della pelle sono meravigliosamente ricche di sfumature e non esiste un unico modo "corretto" per miscelarle. Nel corso del tempo, queste sono alcune delle mie ricette per le tonalità della pelle che ho utilizzato più spesso nei miei ritratti. Consideratele come un punto di partenza; regolate calore, freddezza, trasparenza e proporzioni in base al soggetto e, soprattutto, non abbiate paura di sperimentare.

Ogni volto presenta sottili variazioni di temperatura e sottotono, che sono parte di ciò che rende la ritrattistica così affascinante. Spero che queste miscele offrano un utile punto di partenza per esplorare le tonalità della pelle nelle vostre opere.

Questa miscela è pensata per le carnagioni molto chiare. Come si può notare nello studio qui presente, la pelle tende ad apparire notevolmente più traslucida, rivelando spesso sottili accenni di sangue (rosa) e vene (sfumature fredde di blu) sotto la superficie.

Le ombre in queste tonalità di pelle tendono naturalmente a sfumature grigio-blu tenui o rosa fredde, un effetto che cerco di preservare.

Questa combinazione è stata protagonista di uno dei nostri studi sul tono della pelle del venerdì, utilizzando come soggetto dimostrativo un orecchio con un orecchino d'oro.

In questo caso ho scelto un giallo più caldo e un rosa più intenso per rendere le tonalità di pelle medie e calde, attenuate con il Violetto di Carbazolo. Questo trio è uno dei miei preferiti in assoluto ed è spesso quello che devo ricomprare più velocemente sulla mia tavolozza. Lo uso spesso, sia nella mia cartella colori che in molti dei miei lavori, per le tonalità di pelle che richiedono calore e delicatezza.

Per ottenere una tonalità di pelle più intensa rispetto alla miscela precedente, ho abbandonato la delicatezza del Violetto di Carbazolo e ho introdotto il Blu Cobalto. Insieme a versioni più ricche e sature di giallo e rosa, contribuisce a creare profondità mantenendo l'armonia all'interno della miscela.

Il blu cobalto si presta particolarmente bene a questo scopo grazie alla sua tonalità più morbida e leggermente più opaca, che contribuisce a mitigare il calore del giallo e del rosa.

Questa miscela è per quelle bellissime carnagioni rosse e intense che vediamo in tutte le etnie del mondo. Lo scorcio dell'anziano uomo indiano in questo studio offre un esempio di questo ricco calore nella pelle.

Ho scoperto che il trucco sta nel lasciare che le diverse tonalità dell'arancione svolgano la maggior parte del lavoro di base.

Questi incarnati possono essere sorprendentemente difficili da dipingere; trovare il giusto equilibrio tra calore e naturalismo, evitando che il colore risulti eccessivo o esagerato, è una sfida non indifferente. Questa combinazione si è rivelata efficace per me nell'approcciarmi a queste tonalità di pelle più ricche e calde.

Queste tonalità di pelle sono tra le più belle da dipingere, anche se possono essere difficili da ottenere senza che il composto diventi torbido. Tuttavia, se trattate con cura, possono avere una luminosità meravigliosa.

La chiave, per me, sta nel bilanciare i sottotoni più freddi senza perdere il calore della pelle, come puoi vedere in questo scorcio di il mio dipinto.

Introduzione alle tonalità della pelle nella pittura di ritratti

Di solito inizio ponendomi due domande:

• Qual è la temperatura della pelle?E 
• Qual è l'atmosfera generale creata dalla luce?

Prima di parlare di pelle "chiara" o "scura", cerco di capire se la carnagione tende al caldo, al freddo, al rosato, ai toni spenti o, a volte, al dorato. Anche all'interno dello stesso viso, spesso si notano sottili variazioni, come guance più calde, mandibola più fredda, sfumature più delicate o ombre più tenui intorno agli occhi.

La stessa pelle può apparire completamente diverso a seconda della fonte di luce perché la pelle è riflettente, traslucida e assorbe il colore circostante. Quindi, piuttosto che concentrarsi esclusivamente su "“Che tonalità di pelle ha questa persona?”, Spesso è utile chiedere: “"Che effetto ha la luce su questo tono della pelle?"”

In pratica, preferisco iniziare con una piccola prova su un pezzo di carta di scarto piuttosto che impegnarmi subito sul dipinto. Da lì regolo l'equilibrio, di solito controllando: Considerando la luce e l'atmosfera del ritratto, questa immagine risulta credibile? Questo mi guida più che cercare di riprodurre esattamente la tonalità della pelle.

Osservare i sottili cambiamenti: calore, freddezza e sfumature

Penso che uno dei modi migliori per allenare l'occhio sia dedicare più tempo all'osservazione prima di iniziare a mescolare.

Un esercizio che consiglio spesso è quello di confrontare diverse aree del viso. Invece di chiedere: "“Di che colore è questa pelle?”" chiedere, "“Questa zona è più calda o più fredda di quella adiacente?” O "“Quest'ombra tende al blu, al viola, al marrone o al rosa?” La fronte potrebbe risultare più calda, la mandibola più fresca e le guance leggermente più rosee.

È utile prendere rapidamente appunti o creare campioni di colore prima di iniziare. L'osservazione comparativa è spesso molto più precisa del tentativo di nominare i colori a parole. Sono proprio queste sottili sfumature a rendere la pelle più realistica. Con il tempo, più si osserva e si confrontano i colori, più diventa facile riconoscere istintivamente i sottotoni.

Scoprire la propria tonalità di pelle

Continuo ad amare sperimentare e provare nuove miscele per le tonalità della pelle e, nel corso degli anni, ho sicuramente aggiunto altre opzioni alla mia gamma. La terra di Siena bruciata può a volte essere un punto di partenza meravigliosamente semplice, mentre alcuni dei verdi ftalocianina più trasparenti possono aggiungere un tocco inaspettato alle ombreggiature.

Certo, non tutti gli esperimenti funzionano... alcuni sono un successo, altri un fallimento totale. Ma credo che se hai imparato qualcosa lungo il percorso e ti sei divertito, questo ha sempre un valore.

Acquisire sicurezza nella realizzazione di ritratti attraverso semplici esercizi.

Consiglierei di non mettervi troppa pressione e di non iniziare affatto con un ritratto completo. Cominciate in piccolo: dipingete solo un orecchio, un occhio, un naso o una mano. Vi aiuterà a concentrarvi sull'osservazione delle tonalità della pelle e delle forme senza la pressione di dover riprodurre un intero viso alla perfezione.

Un altro esercizio utile è dipingere lo stesso soggetto due o tre volte utilizzando miscele di tonalità della pelle leggermente diverse. Inizierete presto a notare come piccole variazioni di calore, freddezza o scelta dei pigmenti possano cambiare l'atmosfera di un dipinto.

Soprattutto, cercate di non puntare alla perfezione. Dipingere ritratti diventa molto meno intimidatorio quando si inizia a considerarlo come un'attività di osservazione e pratica.