Warum machst du Kunst?
Als Mensch bin ich leidenschaftlich daran interessiert, Wachstum im Leben zu erforschen. Die Kunst bietet mir einen Raum, in dem ich den Prozess der inneren und äußeren Entwicklung meditativ beobachten kann. Durch meine Erfahrung als Pädagogin und Künstlerin habe ich verstanden, dass Kunst eine universelle Sprache und ein grenzenloses Mittel zur Selbstdarstellung ist. Darüber hinaus ist Kunst immer ehrlich und spiegelt wider, wer wir wirklich sind; sie ist eine Form der Gemeinschaft.

Aquarell hat meinen Zustand in jeder Lebensphase durch seine Eigenschaften – Sanftheit, Fließfähigkeit, Unsicherheit, Transparenz und mehr – stets widergespiegelt und es mir ermöglicht, meine wahre Stimme zu finden und auszudrücken. Für mich ist Aquarell ein wesentlicher Ort, um das Wachstum des Lebens zu studieren.

Wie lange malst du schon?
Ich habe etwa 16 Jahre Erfahrung mit Aquarellmalerei. 2009 lernte ich es zum ersten Mal als Pflichtfach an der Universität kennen, war aber nicht begeistert, da ich mit der Beherrschung des Mediums Schwierigkeiten hatte. Deshalb beschloss ich, andere Medien auszuprobieren. Drei Jahre später, in meinem Abschlusssemester, traf ich Siriratana Sriseung, die meine größte Inspiration für die Aquarellmalerei wurde. Sie lehrte mich, die Ungewissheit der Malerei zu akzeptieren, was meine Perspektive vom Versuch der Kontrolle zur Akzeptanz und Arbeit mit ihr veränderte. Dies war gleichzeitig der Beginn meiner beruflichen Laufbahn.

Hatten Sie eine künstlerische Ausbildung?
Ja. Meine formale Kunstausbildung lässt sich in zwei Abschnitte unterteilen. Der erste Abschnitt konzentrierte sich auf die Entwicklung meiner grundlegenden Zeichen- und Malfähigkeiten durch ein Tutorium, um mich auf die Bewerbung an einer Kunstuniversität vorzubereiten. Später, während meines Kunstpädagogikstudiums an der Universität, erweiterte ich mein Spektrum auf Druckgrafik, Malerei, Bildhauerei und Design – wesentliche Grundlagen für den Kunstunterricht.

Sind Sie ein arbeitender Künstler oder ein Bastler?
Ich bin derzeit als professioneller Künstler tätig. Zunächst begann ich jedoch als Hobbykünstler, um die Schönheit der Blumen im Großstadtdschungel Bangkoks einzufangen. Mit der Zeit erweiterte sich mein künstlerisches Schaffen hin zur abstrakten Kunst, mit der ich die Bedeutung von Kunst und Leben erkunde.

Der Übergang vom Hobbykünstler zum professionellen Künstler verlief schrittweise. Meine kontinuierliche Praxis und meine Ausstellungen entwickelten sich mit der Zeit ganz natürlich.

Von wem und/oder was suchen Sie Inspiration?
Viele Künstler haben mich in jeder Phase meiner Karriere inspiriert. Siriratana Sriseung lehrte mich zu Beginn, dass Ungewissheit die Essenz der Aquarellmalerei ist. Er veränderte meine Perspektive von der Kontrolle des Mediums hin zur Akzeptanz seiner Unberechenbarkeit. Ein weiterer einflussreicher Künstler war Adisorn Pornsirikarn, der mir half, die Frische und Fließfähigkeit der Aquarellmalerei auch nach Fertigstellung eines Werks zu schätzen. Auch Praiwan Chairat inspirierte mich mit seinem Zitat: „Mach weiter und gib nicht auf“, das mir in schwierigen Zeiten Kraft gab.

Inmitten meiner künstlerischen Entwicklung inspirierten mich Ewa Karpinska, Joseph Zbukvic, Jean Haines, Chien Chung-Wei und Yuko Nagayama. Ihre bemerkenswerten Gemälde sowie das in Büchern, Medien und Demonstrationen vermittelte Wissen wurden zu wertvollen Ressourcen, auf die ich noch heute in meinen Kursen zurückgreife.

In letzter Zeit arbeite ich mit Acrylfarben und vertiefe meine durch Aquarellmalerei entwickelten Perspektiven. Gerhard Richter war für mich ein Vorbild, der seine persönlichen Erfahrungen in seiner Kunst verarbeitete. Inspiriert von der koreanischen Kunstbewegung Dansaekhwa – verwurzelt in Spiritualität und Abstraktion – hat mich auch Park Seo-bo beeinflusst. Seine Wertschätzung meditativer Einfachheit hat mich gelehrt, mein Inneres zu erforschen und das Leben tiefer wertzuschätzen.

Welche Musik hörst du beim Malen?
Es hängt vom Motiv und der Phase des Prozesses ab. In einer kritischen Phase, wie etwa beim Auftragen der ersten Aquarellschicht (bei figurativen Gemälden den Farbfluss steuern oder bei abstrakten Werken sprühen), bevorzuge ich Stille, da diese Phase absolute Konzentration erfordert.

Beim Malen bevorzuge ich ruhige und warme Musik, wie Jazz, melancholische Melodien, Norah Jones oder sanfte und langsame Melodien.

Hatten Sie einen Mentor?
Auf meinem Weg zur Aquarellmalerei hatte ich leider keinen offiziellen Mentor, da ich mir alles selbst beigebracht habe. Als ich jedoch anfing, Kunst zu studieren, war Monchai Pittayawaraporn mein Mentor. Er brachte mir nicht nur künstlerisches Wissen und Techniken bei, sondern gab mir auch die Möglichkeit, mich persönlich weiterzuentwickeln.

Malst du jeden Tag?
Ich kann nicht jeden Tag malen, da ich mich auch auf andere Aufgaben konzentrieren muss. Da ich es jedoch bereue, in meiner Jugend faul gewesen zu sein, male ich seit 15 Jahren, seit ich meine Aquarellkarriere begonnen habe, regelmäßig. Ich habe mir vorgenommen, mindestens drei bis vier Tage pro Woche zu malen und nicht auf freie Zeit zu warten oder Ausreden zu finden.

Malen Sie jeweils ein Stück oder mehrere gleichzeitig?
Ich arbeite jeweils an einem Stück. Als tiefgründiger Denker und engagierter Praktiker ermöglicht mir die Konzentration auf ein einzelnes Stück, es zu überprüfen, zu verfeinern und gründlich zu reflektieren, bevor ich mit dem nächsten Werk weitermache.

Erstellen Sie zuerst ein Konzeptstück?
Nicht immer. Manchmal experimentiere ich mit einer Farbpalette, und wenn ich Blumen, Gefühle oder Objekte sehe, die zu diesen Farben passen, beginnt das Werk. Manchmal beginne ich mit einem bestimmten Gefühl und versuche, es durch das Medium zu visualisieren.

Ich glaube, dass Flexibilität und Vorbereitung auf alles, was passiert, entscheidend sind.

Malen Sie lieber im Atelier oder im Freien?
Ich male am liebsten in meinem Atelier, da mir dieser Raum die nötige Ruhe bietet, um auf meine innere Stimme zu hören, die meine Kunstwerke stark beeinflusst. Auf Reisen male ich jedoch gerne im Freien, um die Seele eines Ortes einzufangen.

Wie viele Kernfarben verwenden Sie?
Früher habe ich mich auf Grundfarben verlassen, aber jetzt bleibe ich selten dabei, da ich gerne verschiedene Farben mit unterschiedlichen Eigenschaften ausprobiere. Oft passen Farben, die ich früher nicht mochte, am Ende zu einem bestimmten Gemälde.

Zu den Farben, die ich häufiger verwende, gehören: Französisches Ultramarin, Umbra natur, Deutsches grünliches Umbra natur, Graphitgrau, echter Bronzit, echter Kyanit, Lampenschwarz und Titanweiß.

Tuben, Pfannen oder Stäbchen?
Ich bevorzuge Tuben, weil sie eine große Bandbreite an Konsistenzen ermöglichen – wie Tee, Milch oder Butter