Hier sind zunächst einige Leitprinzipien, die Sie bei der Arbeit mit Aquarellfarben im Freien beachten sollten. Die ersten fünfzehn Minuten Ihres Malens sind entscheidend, um die Beziehungen richtig hinzubekommen ~ machen Sie einen Plan und halten Sie sich für die Licht- und Schattenmuster daran, da sich das Licht beim Malen im Freien weiter ändert ~ versuchen Sie nicht, dem Licht nachzujagen oder du wirst nie fertig!

• Planen Sie, Ihr Weiß und Ihre Lichter zu retten
• Malen Sie von hell nach dunkel und von oben nach unten
• Malen Sie den Hintergrund, dann den Mittelgrund und dann den Vordergrund
• Beginnen Sie mit breiten Strichen, bevor Sie zu den Details übergehen, und verwenden Sie so lange wie möglich Ihren größten Pinsel

Dies sind keine absoluten Regeln und können an Ihre Situation und Ihr Thema angepasst werden, aber diese Richtlinien werden Ihnen den Einstieg erleichtern und Sie mit einem Plan und einem Zweck durch den Prozess führen. Die Planung ist besonders wichtig für Arbeiten im Freien, da es nur ein begrenztes Zeitfenster gibt, um zu arbeiten, während das Gemälde aktiv ist.

1. Machen Sie deutlich, was Sie an Ihrem Thema gereizt hat
Wenn Sie Ihren Fokus und das, was Sie in diesem Stadium ausdrücken möchten, artikulieren können, sind Sie dem Spiel weit voraus! Zum Beispiel: „Ich liebe es, wie die Sonne goldenes Licht auf dem Wasser reflektiert.“ Schreibe es neben dein Gemälde, um dich daran zu erinnern.

2. Aufteilung des Raums ist, wie wir unsere Geschichte erzählen
Wir können gleich zu Beginn einige Führungsentscheidungen treffen, die wichtig sind, um unsere Geschichte zu erzählen. Fragen, die Sie sich stellen sollten:

• Geht es bei diesem Gemälde mehr um die Erde oder den Himmel?
• Gibt es einen niedrigen oder hohen Horizont?
• Wo liegt Ihr Schwerpunkt?
• Woher kommt Ihre Lichtquelle – ist es warmes oder kühles Licht?
• Finden Sie Ihre Lichter und lassen Sie sie offen und bewahren Sie alle Weißen auf, die Sie für später benötigen

3. Suchen Sie nach den vier Lichtebenen

• Die Himmelsebene ist normalerweise der leichteste Wert
• Die Grundfläche ist etwas dunkler
• Der schräge Plan (denken Sie an Hügel) ist normalerweise wieder dunkler
• Die vertikale Ebene (denken Sie an Bäume) ist fast immer am dunkelsten

4. Vereinfachen Sie die Szene
Wie vereinfachen wir den Plan, wenn alles so kompliziert aussieht? Brechen Sie alles in Formen und Werte auf. Finden Sie Ihre dunklen Augen, indem Sie Ihre Augen zusammenkneifen ~ dies blockiert effektiv alles, was Sie nicht durch Ihre Wimpern sehen können. Wenn Sie es nicht sehen können, wenn Sie die Augen zusammenkneifen, setzen Sie es nicht ein, als wäre es ein Detail, selbst wenn Sie wissen, dass es da ist. Es ist verlockend, aber wir müssen diesem Drang widerstehen, schon jetzt zu spezifisch zu werden, und uns darauf konzentrieren, Ihre Dunkelheiten in großen Formen und Werten zusammenzufassen. Indem Sie Ihre Darks zusammenfassen, können Sie Ihre Formen vereinfachen und sie verknüpfen, um eine größere Wirkung zu erzielen.

Identifizieren Sie Ihre dunklen und hellen Formen und die Trennung von positivem und negativem Raum. Dies ist der Schlüssel, um die Struktur für Ihr Gemälde mit einer angemessenen Raumaufteilung zu schaffen. Variieren Sie Ihre Formen, damit es nicht langweilig wird ~ Vielfalt ist die Würze des Lebens und Sie sind hier der Designer! Erstellen Sie ein paar interessante Formen und Muster, aber nicht zu viele, sonst erreichen Sie nicht die gewünschte Vereinfachung.

Überschreiten Sie physische Grenzen von Objekten, indem Sie das Objekt mit seinem Schatten verbinden. Versuchen Sie, sich nicht auf den Namen der Form zu konzentrieren, sondern stellen Sie sie sich eher als dunklen, mittleren oder hellen Wert vor. Andernfalls wird Ihr verbales und logisches Gehirn die Kontrolle übernehmen wollen. Die Benennung „Baum“ oder „Haus“ hindert Sie daran, diese kritischen Verbindungen und Beziehungen im räumlichen Teil des Gehirns richtig zu machen, was es schwieriger macht, die abstrakten Muster und Werte zu erkennen.

Es gibt mehrere Möglichkeiten, diesen Prozess zu vereinfachen. Im Studio drucke ich sowohl Farb- als auch Schwarzweißversionen meines Fotos, um die Wertunterschiede zu sehen. Vor Ort erstelle ich eine Miniaturskizze mit nur zwei oder drei Werten, die die Karte für das Gebiet darstellen, das Sie malen werden.

5. Sehen Sie sich die Szene mit einer roten Brille oder dem Kamerafilter Ihres Telefons an 
Dadurch wird eine Farbverwechslung verhindert. Der Rotfilter löscht die Farbe und Sie sehen nur Werte, was es einfacher macht, die hellen, mittleren und dunklen Formen zu sehen, in die Sie sie zur Vereinfachung zerlegen.

Wenn der Schlüssel zu Immobilien „Lage, Lage, Lage“ ist, ist der Schlüssel zum Aquarell „Wert, Wert, Wert“. Die meisten Aquarellbilder, die nicht funktionieren, haben ein Problem mit falschen Werten. Stellen Sie sicher, dass Sie mindestens 3 Tonwerte – Hell, Mittelton und Dunkel – eindeutig identifizieren können. Dies könnte der wichtigste Schritt sein, um Ihr Gemälde zum Erfolg zu führen ~ das Erhalten der richtigen Formen und Werte schafft die Struktur und den Rahmen, der Ihr Gemälde zusammenhält. Sobald Sie dies richtig gemacht haben, können Sie sich in der Spontaneität des köstlichen Flusses des Mediums entspannen, aber Ihre Planung wird dies so viel einfacher machen!

6. Verwenden Sie die Drittelregel, um eine überzeugende Komposition per Design zu erstellen
Teilen Sie die Szene in Dominanzverhältnisse von 1/3 bis 2/3 auf. Zum Beispiel – hell bis dunkel, warm bis kühl, aktive bis passive Bereiche, kräftige bis weiche Textur, Himmel bis Erde. Der Schlüssel ist, nicht zwei gleiche Hälften von irgendetwas zu haben, da Ihr Betrachter verwirrt sein wird, welche Hälfte wichtiger ist. Indem Sie die Drittelregel wählen, sagen Sie Ihrem Betrachter, was Ihrer Meinung nach wichtiger ist. Sie geben eine klare Botschaft darüber ab, was Sie mit Ihrem Bild kommunizieren möchten.

7. Entwerfen Sie für maximale Wirkung, indem Sie übertreiben, manipulieren und bearbeiten
Verwenden Sie diese Werkzeuge, um einen Weg für das Auge zu schaffen, der den Betrachter in und durch Ihre Arbeit führt. Überprüfen Sie in diesem frühen Stadium auf Designfehler, indem Sie durch den Sucher Ihrer Kamera schauen, um Objektivität zu gewinnen und zu sehen, ob es als Ganzes funktioniert.

8. Skizzieren Sie mit leichtem Druck eine lockere Bleistiftzeichnung
Halten Sie Ihren Stift locker, um ein zu schnelles Festziehen zu vermeiden. Holen Sie das Skelett herunter, damit Sie das Fleisch und die Knochen mit Aquarell hinzufügen können. Verschwenden Sie in dieser Phase keine Zeit damit, sich mit Details zu beschäftigen, es sei denn, sie sind für Ihr Design von entscheidender Bedeutung. Sie können auch mit Farbe zeichnen, die flüssiger und freier bleibt. Holen Sie sich die Hauptformstruktur richtig und Sie können sich ganz am Ende um die Details kümmern. Mit anderen Worten, backen Sie den Kuchen, bevor Sie ihn glasieren!

9. Schaffen Sie Farbharmonie
Ich empfehle die Verwendung einer begrenzten Palette. Wenn Ihr Farbwissen zunimmt, können Sie weitere Farbtöne hinzufügen und damit experimentieren. Denken Sie einfach an diese wichtige Tatsache – die Verwendung derselben Farbgruppe schafft Harmonie in Ihrem Gemälde. Das Wichtigste, was ich empfehle, ist, Ihre Farben auf der einen Seite warm und auf der anderen kühl anzulegen. Auf diese Weise werden Sie die Temperatur Ihrer Mischungen verstehen und es wird einfacher sein, Ihr Bild je nach Bedarf aufzuwärmen oder abzukühlen. Denken Sie an warme Farben, die wie die Sonne auf einer gelben Basis sind, und kühle Farben haben eine blaue Basis wie das Meer.

Ich lege meine Farben gerne in einer kreisförmigen Palette gemäß dem Farbkreis an, damit es sehr klar ist, welche einander gegenüberstehen. Hier lernen Sie, wie Sie Komplementärfarben mischen, um harmonische Neutraltöne zu erzeugen, die Ihre Bilder zum Singen bringen! Ein weiterer wichtiger Punkt ist, dass Aquarellfarbe im Allgemeinen ein paar Töne heller trocknet als wenn sie nass ist, also lassen Sie dies zu und machen Sie Ihre Dunkeltöne dunkler, als Sie denken, dass sie sein sollten, um dies auszugleichen.

Halten Sie es einfach, bis Sie das Mischen von Farben gründlicher verstehen. Wenn Ihre Werte korrekt sind, funktionieren die Farben. Wie im Leben, wenn Sie Ihre Werte richtig verstehen … der Rest ist einfach!

10. Malen Sie von Herzen
Drücken Sie aus, wie Sie sich in der Szene fühlen, anstatt sich um technische Brillanz zu sorgen. Normalerweise mache ich meine Bilder in drei Durchgängen oder Waschungen. Bauen Sie Ihre Washes in Schichten auf, wobei der erste Durchgang Weiß spart und die höheren Schlüssel-/helleren Werte einfügt (Fotos 1 – 2). Der zweite Durchgang stellt Form und Wert her (Fotos 3 – 4).

Foto 1

Foto 2

Foto 3

Foto 4

Foto 5

Im dritten Durchgang können Sie wirklich in die Stadt gehen und alles optimieren und optimieren, was Sie wollen. Lassen Sie diese Details Ihre Sprache sprechen und bringen Sie Ihre Geschichte vollständig zum Ausdruck! Diese kalligraphischen Akzente und interessanten Schnörkel führen den Betrachter zu Ihrem Brennpunkt und lassen ihn mit einem klaren Ausdruck Ihrer Idee zurück.

Denken Sie nur an den Gesamtprozess:

• Phase 1: Planung, Komposition und Untermalung
• Stufe 2: Bestimmung von Struktur- und Stimmungswerten durch Farbe und Temperatur
• Stufe 3: Feinabstimmung der Details, um die Elemente zu vereinheitlichen und den Mittelpunkt zum Star zu machen

Eine andere Sache, an die Sie sich erinnern sollten, ist die Bedeutung der Konsistenz mit Ihrem Farbe-zu-Wasser-Verhältnis. Hier ist meine allgemeine Faustregel – die erste Wäsche hat Kaffee- oder Teekonsistenz mit etwas Wasser. Dann verwende ich für den zweiten Durchgang eine cremige Konsistenz mit weniger Wasser und mehr Farbe (nass in nass ergibt weiche Kanten). Für die letzten Akzente verwende ich Farbe direkt aus der Tube (nass auf trocken ergibt scharfe Kanten für künstliche Objekte und wichtige Details). Das richtige Beladen Ihres Pinsels, um das Verhältnis von nass zu trocken zu kontrollieren, erfordert ein wenig Übung, aber Sie können die Wassermenge kontrollieren, indem Sie zuerst einen Teil der Feuchtigkeit auf einen Schwamm abgeben. Beginnen Sie nicht mit einem Pinsel, der nach dem Spülen bereits halb mit Wasser gefüllt ist, sonst erhalten Sie nicht die Konsistenz, die Sie brauchen, und Sie haben mit vielen Blumenkohlblüten auf Ihrem Gemälde zu kämpfen!

Einige abschließende Gedanken … treten Sie oft von Ihrer Arbeit zurück, um sicherzustellen, dass Sie das Gemälde ganzheitlich und nicht nur mit isolierten Objekten bearbeiten. Arbeiten Sie das gesamte Gemälde so, dass es sich in jeder Phase ausgewogen entwickelt.

Erinnern Sie sich immer wieder an Ihre ursprüngliche Idee und machen Sie selbstbewusste Striche, die diese Absicht unterstützen. Vermeiden Sie „katzenleckende“ Striche, die eine matschige Sauerei verursachen. Hören Sie auf, bevor Sie denken, dass Sie fertig sein könnten, und stellen Sie gute Fragen, um es zu beenden. Überarbeiten Sie Ihre Malerei nicht. Es ist besser, es mit ein paar Unvollkommenheiten zu belassen, die frisch und ausdrucksstark sind, als es zu Tode zu prügeln! Vertrauen Sie mir darauf. Ich habe viel ausgepeitscht, und sie sind wie Gespenster, die mich unter meinem Bett verfolgen.

Und jetzt der wichtigste Tipp und der schwierigste Schritt von allen … legen Sie die Werkzeuge ab und treten Sie vom Gemälde weg!

Goldene Landschaft von Georgia Mansur