Per cominciare, ecco alcuni principi guida da tenere a mente quando si dipinge ad acquerello all'aria aperta. I primi quindici minuti del dipinto sono cruciali per definire correttamente le proporzioni: pianificate e attenetevi ad esso per quanto riguarda luci e ombre, poiché la luce continuerà a cambiare quando dipingete all'aperto. Non cercate di inseguire la luce, altrimenti non finirete mai!

• Pianifica di salvare i tuoi capi bianchi e chiari
• Dipingere dal chiaro allo scuro e dall'alto verso il basso
• Dipingi lo sfondo, poi il piano intermedio e infine il primo piano.
• Inizia con pennellate ampie prima di passare ai dettagli, usando il pennello più grande per il tempo più lungo possibile.

Queste non sono regole assolute e possono essere adattate alla situazione e al soggetto, ma queste linee guida vi aiuteranno a iniziare e vi guideranno attraverso il processo con un piano e uno scopo precisi. La pianificazione è particolarmente importante per la pittura en plein air, poiché il tempo a disposizione per lavorare mentre il dipinto è in corso è limitato.

1. Sii chiaro su cosa ti ha attratto dell'argomento
Se riesci ad articolare il tuo obiettivo e ciò che vuoi esprimere in questa fase, sei già a buon punto! Ad esempio: "Adoro il modo in cui il sole riflette la luce dorata sull'acqua". Scrivilo accanto al tuo dipinto per non dimenticartene.

2. La divisione dello spazio è il modo in cui raccontiamo la nostra storia.
Possiamo prendere alcune decisioni strategiche fin dall'inizio, che sono importanti per raccontare la nostra storia. Domande da porsi:

• Questo dipinto rappresenta più la terra o il cielo?
• C'è un orizzonte basso o alto?
• Qual è il tuo punto focale?
• Da dove proviene la tua fonte di luce? È una luce calda o fredda?
• Trova le tue luci e lasciale accese, conservando le luci bianche che desideri utilizzare in seguito.

3. Cerca i quattro piani di luce

• Il piano celeste è solitamente il valore più leggero
• Il piano di terra è un po' più scuro
• Il piano inclinato (pensate alle colline) è di solito più scuro
• Il piano verticale (pensate agli alberi) è quasi sempre il più scuro

4. Semplifica la scena
Come possiamo semplificare il progetto quando tutto sembra così complicato? Suddividiamo tutto in forme e valori. Individua le zone scure socchiudendo gli occhi: questo blocca efficacemente tutto ciò che non riesci a vedere attraverso le ciglia. Se non riesci a vederlo socchiudendo gli occhi, non inserirlo come se fosse un dettaglio, anche se sai che c'è. È allettante, ma dobbiamo resistere alla tentazione di essere troppo specifici per ora e concentrarci sull'aggregare le zone scure in forme e valori ampi. Raggruppando le zone scure, puoi semplificare le forme e collegarle per creare un maggiore impatto.

Identifica le forme chiare e scure e la divisione tra spazio positivo e negativo. Questo è fondamentale per creare la struttura del tuo dipinto con un'appropriata suddivisione dello spazio. Varia le forme per evitare la monotonia: la varietà è il sale della vita e tu sei il designer! Crea alcune forme e motivi interessanti, ma non troppi, altrimenti non otterrai la semplificazione desiderata.

Supera i confini fisici degli oggetti collegandoli alla loro ombra. Cerca di non concentrarti sul nome della forma, ma pensala piuttosto come un valore scuro, medio o chiaro. Altrimenti, la tua mente verbale e logica prenderà il sopravvento. Chiamarla "albero" o "casa" ti impedisce di stabilire correttamente le connessioni e le relazioni fondamentali nella parte spaziale del cervello, rendendo più difficile individuare schemi e valori astratti.

Esistono diversi modi per semplificare questo processo. In studio, stampo sia la versione a colori che quella in bianco e nero della mia foto per visualizzare le differenze di valore. Sul campo, creo uno schizzo preliminare con solo due o tre valori che fungerà da mappa del territorio che andrò a dipingere.

5. Osserva la scena con occhiali dalle lenti rosse o con il filtro della fotocamera del tuo telefono. 
Questo impedisce di confondersi con i colori. Il filtro rosso elimina i colori e si vedono solo i valori tonali, rendendo più facile distinguere le forme chiare, medie e scure in cui scomporre l'immagine per semplificarla.

Se la chiave del successo nel settore immobiliare è "posizione, posizione, posizione", la chiave dell'acquerello è "valore, valore, valore". La maggior parte degli acquerelli non riusciti presenta un problema di valori tonali errati. Assicuratevi di poter identificare chiaramente almeno 3 valori tonali: chiaro, medio e scuro. Questo potrebbe essere il passo più importante per impostare correttamente il vostro dipinto: ottenere forme e valori appropriati crea la struttura e l'impalcatura che terranno insieme l'opera. Una volta che avrete imparato questo, potrete rilassarvi e lasciarvi trasportare dalla spontaneità e dal flusso armonioso del mezzo, ma la pianificazione vi renderà tutto molto più semplice!

6. Utilizza la regola dei terzi per creare una composizione accattivante attraverso il design.
Dividi la scena in proporzioni di dominanza da 1/3 a 2/3. Ad esempio: luce e ombra, caldo e freddo, aree attive e passive, texture marcate e delicate, cielo e terra. Il segreto è evitare di avere due metà uguali di qualsiasi elemento, perché in tal caso lo spettatore si confonderebbe su quale metà sia più importante. Scegliendo la regola dei terzi, comunichi allo spettatore ciò che ritieni più importante. Trasmetti un messaggio chiaro su ciò che vuoi comunicare con il tuo dipinto.

7. Progettare per il massimo impatto esagerando, manipolando e modificando
Utilizzate questi strumenti per creare un percorso visivo che guidi lo spettatore all'interno e attraverso la vostra opera. Verificate la presenza di difetti di progettazione in questa fase iniziale osservando attraverso il mirino della fotocamera, per ottenere un punto di vista obiettivo e valutare l'efficacia complessiva dell'opera.

8. Traccia un disegno a matita libero con un tocco leggero
Impugna la matita con delicatezza per evitare di stringerla troppo velocemente. Disegna lo scheletro in modo da poter aggiungere carne e ossa con l'acquerello. Non perdere tempo a ossessionarti sui dettagli in questa fase, a meno che non siano fondamentali per il tuo disegno. Puoi anche disegnare con la pittura, che rimarrà più fluida e libera. Assicurati di avere la struttura principale corretta e potrai preoccuparti dei dettagli solo alla fine. In altre parole, cuoci la torta prima di glassarla!

9. Creare armonia di colori
Consiglio di utilizzare una tavolozza limitata. Man mano che la tua conoscenza del colore aumenta, potrai aggiungere e sperimentare con più tonalità. Ricorda però un fatto importante: usare lo stesso gruppo di colori crea armonia nel tuo dipinto. La cosa più importante che ti consiglio è di disporre i colori con quelli caldi da un lato e quelli freddi dall'altro. In questo modo comprenderai la temperatura delle tue miscele e sarà più facile scaldare o raffreddare il dipinto a seconda delle necessità. Immagina i colori caldi come il sole con una base gialla e i colori freddi con una base blu come l'oceano.

Mi piace disporre i colori su una tavolozza circolare seguendo il cerchio cromatico, in modo che sia ben chiaro quali siano i colori opposti. Questo insegna a mescolare i colori complementari per creare tonalità neutre armoniose che danno vita ai dipinti! Un altro punto importante è che l'acquerello in genere si schiarisce un paio di toni una volta asciutto rispetto a quando è bagnato, quindi tenetene conto e rendete le zone scure più scure di quanto pensiate che debbano essere per compensare.

Finché non avrai compreso meglio la miscelazione dei colori, mantieni le cose semplici. Se i valori sono corretti, i colori funzioneranno. Come nella vita, se i valori sono giusti... il resto è facile!

10. Dipingi con il cuore
Esprimi le emozioni che la scena ti suscita, piuttosto che preoccuparti della perfezione tecnica. Di solito realizzo i miei dipinti in tre passaggi o velature. Creo le velature a strati, con il primo passaggio che preserva i bianchi e introduce i valori più chiari/chiari (foto 1-2). Il secondo passaggio definisce la forma e il valore tonale (foto 3-4).

Foto 1

Foto 2

Foto 3

Foto 4

Foto 5

La terza fase è quella in cui puoi davvero sbizzarrirti, perfezionando e rifinendo tutto ciò che desideri. Fai in modo che i dettagli parlino la tua lingua ed esprimano appieno la tua storia! I tocchi calligrafici e gli abbellimenti interessanti guidano lo spettatore verso il punto focale, lasciandogli un'impressione chiara della tua idea.

Ricorda solo l'intero processo:

• Fase 1: Pianificazione, composizione e preparazione del fondo
• Fase 2: Determinazione dei valori per la struttura e l'atmosfera attraverso il colore e la temperatura
• Fase 3: Rifinitura dei dettagli per unificare gli elementi e rendere il punto focale la star

Un altro aspetto importante da ricordare è la costanza nel rapporto tra colore e acqua. Ecco la mia regola generale: la prima stesura ha la consistenza del caffè o del tè con una buona quantità d'acqua. Per la seconda passata, utilizzo una consistenza cremosa con meno acqua e più colore (la tecnica bagnato su bagnato crea bordi morbidi). Per i dettagli finali, uso il colore direttamente dal tubetto (la tecnica bagnato su asciutto crea bordi netti per oggetti artificiali e dettagli importanti). Caricare correttamente il pennello per controllare il rapporto tra bagnato e asciutto richiede un po' di pratica, ma è possibile controllare la quantità d'acqua scaricandone un po' su una spugna prima di iniziare. Non iniziate con un pennello già mezzo carico d'acqua dopo averlo risciacquato, altrimenti non otterrete la consistenza necessaria e vi ritroverete con un sacco di fiori di cavolfiore sul vostro dipinto!

Alcune considerazioni finali... prendetevi spesso le distanze dal vostro lavoro per assicurarvi di lavorare sul dipinto in modo olistico e non semplicemente isolando i singoli oggetti. Lavorate sull'intero dipinto in modo che si sviluppi in maniera equilibrata in ogni fase.

Continua a ricordarti della tua idea iniziale e traccia pennellate decise che la supportino. Evita pennellate "a leccata di gatto" che creano un pasticcio fangoso. Fermati prima di pensare di aver finito per rivalutare il lavoro e porti le domande giuste per completarlo. Non lavorare troppo sul tuo dipinto. È meglio lasciarlo con qualche imperfezione, fresca ed espressiva, piuttosto che rovinarlo con troppi interventi! Credimi, ne ho rovinati parecchi e sono come fantasmi che mi perseguitano sotto il letto.

E ora, il consiglio più importante e il passo più difficile di tutti... mettete giù gli attrezzi e allontanatevi dal dipinto!

Paesaggio dorato di Georgia Mansur