Zunächst einige Grundprinzipien für die Aquarellmalerei im Freien. Die ersten fünfzehn Minuten sind entscheidend, um die Licht- und Schattenverhältnisse richtig zu erfassen. Erstellen Sie einen Plan und halten Sie sich daran, da sich das Licht beim Malen im Freien ständig verändert. Versuchen Sie nicht, dem Licht hinterherzujagen, sonst werden Sie nie fertig!

• Planen Sie, Ihre weißen Lampen und Leuchten zu sparen
• Streichen Sie von hell nach dunkel und von oben nach unten.
• Malen Sie zuerst den Hintergrund, dann den Mittelgrund und schließlich den Vordergrund.
• Beginnen Sie mit groben Pinselstrichen, bevor Sie zu den Details übergehen, und verwenden Sie dabei so lange wie möglich Ihren größten Pinsel.

Dies sind keine absoluten Regeln und können an Ihre Situation und Ihr Motiv angepasst werden. Diese Richtlinien helfen Ihnen jedoch beim Einstieg und führen Sie planvoll und zielgerichtet durch den Prozess. Planung ist besonders wichtig bei der Freilichtmalerei, da das Zeitfenster zum Arbeiten während des Malprozesses begrenzt ist.

1. Machen Sie deutlich, was Sie an Ihrem Thema fasziniert hat.
Wenn du in dieser Phase deinen Fokus und deine Ausdrucksweise klar formulieren kannst, bist du schon einen großen Schritt voraus! Zum Beispiel: “Ich liebe es, wie die Sonne goldenes Licht auf das Wasser wirft.” Schreib es neben dein Bild, um dich daran zu erinnern.

2. Die Aufteilung des Raumes ist die Art und Weise, wie wir unsere Geschichte erzählen.
Wir können bereits ganz am Anfang einige wichtige strategische Entscheidungen treffen, die für die Erzählung unserer Geschichte entscheidend sind. Fragen, die Sie sich stellen sollten:

• Geht es in diesem Gemälde mehr um die Erde oder den Himmel?
• Gibt es einen niedrigen oder hohen Horizont?
• Worauf liegt Ihr Fokus?
• Woher kommt Ihre Lichtquelle – ist es warmes oder kaltes Licht?
• Finde deine Lampen, lass sie an und hebe dir die weißen Lichter auf, die du später verwenden möchtest.

3. Suche nach den vier Lichtebenen.

• Die Himmelsebene hat üblicherweise den niedrigsten Wert.
• Die Bodenfläche ist etwas dunkler
• Die schräge Ebene (denken Sie an Hügel) ist in der Regel wieder dunkler.
• Die vertikale Ebene (denken Sie an Bäume) ist fast immer die dunkelste

4. Vereinfachen Sie die Szene
Wie vereinfachen wir den Plan, wenn alles so kompliziert aussieht? Zerlegen Sie alles in Formen und Helligkeitswerte. Finden Sie Ihre dunklen Bereiche, indem Sie die Augen zusammenkneifen – so blenden Sie effektiv alles aus, was Sie nicht durch Ihre Wimpern sehen können. Wenn Sie etwas beim Zusammenkneifen der Augen nicht erkennen, fügen Sie es nicht als Detail hinzu, selbst wenn Sie wissen, dass es da ist. Es ist verlockend, aber wir müssen dem Drang widerstehen, zu sehr ins Detail zu gehen, und uns darauf konzentrieren, die dunklen Bereiche in großen Formen und Helligkeitswerten zu gruppieren. Indem Sie die dunklen Bereiche zusammenfassen, können Sie Ihre Formen vereinfachen und sie miteinander verbinden, um eine größere Wirkung zu erzielen.

Identifizieren Sie helle und dunkle Formen sowie die Aufteilung in positive und negative Flächen. Dies ist entscheidend für die Struktur Ihres Gemäldes mit einer angemessenen Raumaufteilung. Variieren Sie die Formen, damit es nicht langweilig wird – Abwechslung ist das A und O, und Sie sind der Gestalter! Erstellen Sie einige interessante Formen und Muster, aber nicht zu viele, sonst erreichen Sie nicht die gewünschte Vereinfachung.

Überwinden Sie die physischen Grenzen von Objekten, indem Sie das Objekt mit seinem Schatten verknüpfen. Konzentrieren Sie sich nicht auf die Bezeichnung der Form, sondern betrachten Sie sie als dunklen, mittleren oder hellen Farbton. Andernfalls übernimmt Ihr verbales und logisches Denken die Kontrolle. Die Benennung als “Baum” oder “Haus” verhindert, dass Sie diese wichtigen Verbindungen und Beziehungen im räumlichen Teil Ihres Gehirns korrekt herstellen, wodurch es schwieriger wird, abstrakte Muster und Werte zu erkennen.

Es gibt verschiedene Möglichkeiten, diesen Prozess zu vereinfachen. Im Atelier drucke ich sowohl Farb- als auch Schwarzweißversionen meines Fotos aus, um die Helligkeitsunterschiede zu erkennen. Im Freien erstelle ich eine Miniaturskizze mit nur zwei oder drei Helligkeitswerten, die als Grundlage für die Karte des zu malenden Gebiets dient.

5. Betrachten Sie die Szene mit einer Rotlichtbrille oder dem Rotlichtfilter Ihrer Handykamera. 
Dadurch wird eine Verwechslung durch Farben vermieden. Der Rotfilter blendet die Farben aus, sodass man nur noch die Tonwerte sieht – dadurch lassen sich die hellen, mittleren und dunklen Bereiche leichter erkennen, in die man das Bild anschließend zur Vereinfachung zerlegen kann.

Wenn bei Immobilien die Lage entscheidend ist, lautet sie bei Aquarellen: “Wert, Wert, Wert”. Die meisten misslungenen Aquarelle leiden unter falschen Werten. Stellen Sie sicher, dass Sie mindestens drei Tonwerte klar erkennen können: hell, mittel und dunkel. Dies ist womöglich der wichtigste Schritt für ein gelungenes Bild. Die richtigen Formen und Werte bilden die Struktur und das Gerüst, die Ihrem Gemälde Halt geben. Sobald Sie das beherrschen, können Sie sich dem spontanen Fluss des Mediums hingeben – aber Ihre Planung wird Ihnen das Ganze deutlich erleichtern!

6. Verwenden Sie die Drittelregel, um durch geschicktes Design eine ansprechende Komposition zu schaffen.
Teilen Sie die Szene in Drittel- bis Zwei-Drittel-Verhältnisse ein. Zum Beispiel: hell zu dunkel, warm zu kühl, aktiv zu passiv, markant zu weich, Himmel zu Erde. Wichtig ist, dass keine zwei Hälften gleich groß sind, da der Betrachter sonst nicht weiß, welche Hälfte wichtiger ist. Mit der Drittelregel zeigen Sie dem Betrachter, was Sie für wichtiger halten. Sie vermitteln eine klare Botschaft darüber, was Sie mit Ihrem Gemälde aussagen möchten.

7. Gestalten Sie das Bild so, dass es maximale Wirkung erzielt, indem Sie übertreiben, manipulieren und bearbeiten.
Nutzen Sie diese Werkzeuge, um eine Blickführung zu schaffen, die den Betrachter in Ihr Werk hinein und durch es hindurchführt. Überprüfen Sie in dieser frühen Phase das Design auf Mängel, indem Sie es durch den Sucher Ihrer Kamera betrachten, um objektiv zu sein und die Gesamtwirkung zu beurteilen.

8. Fertigen Sie eine lockere Bleistiftzeichnung mit leichtem Strich an.
Halte den Stift locker, damit du ihn nicht zu schnell verkrampfst. Skizziere das Grundgerüst, damit du später mit Aquarellfarben Details hinzufügen kannst. Verschwende in dieser Phase keine Zeit mit Details, es sei denn, sie sind für dein Design unerlässlich. Du kannst auch mit Farbe zeichnen, die flüssiger und freier wirkt. Konzentriere dich auf die Grundform, die Details kannst du ganz am Ende bearbeiten. Anders gesagt: Backe den Kuchen, bevor du ihn verzierst!

9. Farbharmonie schaffen
Ich empfehle, mit einer begrenzten Farbpalette zu arbeiten. Mit zunehmender Farbkenntnis können Sie weitere Farbtöne hinzufügen und damit experimentieren. Wichtig ist dabei: Die Verwendung derselben Farbgruppe erzeugt Harmonie in Ihrem Bild. Am wichtigsten ist es, die Farben so anzuordnen, dass warme auf der einen und kühle auf der anderen Seite liegen. So erkennen Sie die Farbtemperatur Ihrer Mischungen und können Ihr Bild je nach Bedarf leichter wärmer oder kühler gestalten. Stellen Sie sich warme Farben wie die Sonne mit ihrem gelben Grundton vor und kühle Farben mit ihrem blauen Grundton wie das Meer.

Ich ordne meine Farben gerne kreisförmig nach dem Farbkreis an, damit die gegenüberliegenden Farben klar erkennbar sind. So lernt man, Komplementärfarben zu mischen und harmonische Neutraltöne zu erzeugen, die den Bildern Leben einhauchen! Wichtig ist auch, dass Aquarellfarbe beim Trocknen meist ein paar Nuancen heller ist als im nassen Zustand. Berücksichtige das und male die dunklen Bereiche etwas dunkler, als du es zunächst für nötig hältst.

Halte es einfach, bis du die Farbmischung besser verstehst. Wenn deine Werte stimmen, harmonieren die Farben. Wie im Leben: Wenn die Werte stimmen, ist der Rest ein Kinderspiel!

10. Male aus deinem Herzen
Drücke aus, wie dich die Szene berührt, anstatt dich um technische Perfektion zu kümmern. Ich male meine Bilder meist in drei Durchgängen oder Lasuren. Trage die Lasuren schichtweise auf, wobei der erste Durchgang die Weißtöne spart und die helleren/leuchtenderen Werte einbringt (Fotos 1–2). Der zweite Durchgang legt Form und Tonwert fest (Fotos 3–4).

Foto 1

Foto 2

Foto 3

Foto 4

Foto 5

Im dritten Durchgang können Sie Ihrer Kreativität freien Lauf lassen und alles nach Ihren Wünschen verfeinern. Verleihen Sie den Details Ausdruck und bringen Sie Ihre Geschichte vollends zum Ausdruck! Kalligrafische Elemente und interessante Verzierungen lenken den Blick des Betrachters auf den Kernpunkt und vermitteln ihm Ihre Idee klar und deutlich.

Behalte einfach den Gesamtprozess im Auge:

• Phase 1: Planung, Komposition und Untermalung
• Phase 2: Bestimmung von Werten für Struktur und Stimmung durch Farbe und Temperatur
• Phase 3: Feinabstimmung der Details, um die Elemente zu vereinen und den Stern in den Mittelpunkt zu rücken.

Ein weiterer wichtiger Punkt ist das richtige Verhältnis von Farbe zu Wasser. Meine Faustregel: Der erste Farbauftrag hat die Konsistenz von Kaffee oder Tee, gemischt mit reichlich Wasser. Für den zweiten Durchgang verwende ich eine cremige Konsistenz mit weniger Wasser und mehr Farbe (nass-in-nass ergibt weiche Übergänge). Für die letzten Akzente trage ich die Farbe direkt aus der Tube auf (nass-in-trocken ergibt scharfe Kanten für künstliche Objekte und wichtige Details). Den Pinsel richtig mit Wasser zu sättigen, um das Verhältnis von nass zu trocken zu kontrollieren, erfordert etwas Übung. Sie können die Wassermenge jedoch regulieren, indem Sie vorher etwas Wasser auf einen Schwamm geben. Beginnen Sie nicht mit einem Pinsel, der nach dem Ausspülen bereits halb mit Wasser getränkt ist, sonst erhalten Sie nicht die gewünschte Konsistenz und riskieren unschöne Farbkleckse auf Ihrem Bild!

Zum Schluss noch ein paar Gedanken… Treten Sie immer wieder einen Schritt zurück, um sicherzustellen, dass Sie das Gemälde als Ganzes betrachten und nicht nur einzelne Objekte isoliert bearbeiten. Arbeiten Sie am gesamten Gemälde, damit es sich in jeder Phase ausgewogen entwickelt.

Erinnere dich immer wieder an deine ursprüngliche Idee und setze selbstbewusste Pinselstriche, die diese Absicht unterstreichen. Vermeide unpräzise, schmierige Pinselstriche, die ein unsauberes Ergebnis erzeugen. Halte inne, bevor du glaubst, fertig zu sein, um das Bild neu zu bewerten und dir die richtigen Fragen zu stellen, bevor du es vollendest. Überarbeite dein Bild nicht. Es ist besser, ein paar Unvollkommenheiten zuzulassen, die frisch und ausdrucksstark wirken, als es bis zur Unkenntlichkeit zu bearbeiten! Glaub mir, ich spreche aus Erfahrung. Ich habe schon viele Bilder überbearbeitet, und sie sind wie Geister, die mich unter meinem Bett heimsuchen.

Und nun der wichtigste Tipp und schwierigste Schritt von allen… legen Sie das Werkzeug beiseite und lassen Sie das Gemälde ruhen!

Goldene Landschaft von Georgia Mansur