Om te beginnen, hier zijn een paar richtlijnen om in gedachten te houden bij het werken met aquarelverf in de buitenlucht. De eerste vijftien minuten van je schilderij zijn cruciaal om de juiste verhoudingen te krijgen. Maak een plan en houd je eraan voor de licht- en schaduwpatronen, want het licht zal blijven veranderen wanneer je buiten schildert. Probeer het licht niet achterna te jagen, anders kom je nooit klaar!

• Plan om je witte en lichte kleuren te bewaren.
• Schilder van licht naar donker en van boven naar beneden.
• Schilder eerst de achtergrond, dan het middenplan en vervolgens de voorgrond.
• Begin met grote penseelstreken voordat je de details uitwerkt, en gebruik daarbij je grootste penseel zo lang mogelijk.

Dit zijn geen absolute regels en kunnen worden aangepast aan uw situatie en onderwerp, maar deze richtlijnen helpen u op weg en begeleiden u door het proces met een plan en een doel. Planning is met name cruciaal bij schilderen in de buitenlucht, omdat er slechts een beperkte tijd is om te werken terwijl het schilderij in beweging is.

1. Wees duidelijk over wat je aantrok in je onderwerp.
Als je in dit stadium al kunt verwoorden waar je op focus staat en wat je wilt uitdrukken, ben je al een heel eind op weg! Bijvoorbeeld: "Ik vind het prachtig hoe de zon met een gouden licht op het water weerkaatst." Schrijf dit naast je schilderij op, zodat je het niet vergeet.

2. Ruimteverdeling is hoe we ons verhaal vertellen.
We kunnen al aan het begin een aantal belangrijke beslissingen nemen die essentieel zijn voor het vertellen van ons verhaal. Vragen om jezelf te stellen:

• Gaat dit schilderij meer over de aarde of over de hemel?
• Is er een lage of een hoge horizon?
• Waar ligt je focus?
• Waar komt je lichtbron vandaan – is het warm of koud licht?
• Zoek je lampen uit, laat ze aan staan en bewaar de witte lampen die je later wilt gebruiken.

3. Zoek naar de vier lichtvlakken.

• Het luchtvliegtuig is doorgaans het lichtst.
• Het grondvlak is iets donkerder.
• Het schuine vlak (denk aan heuvels) is meestal weer donkerder.
• Het verticale vlak (denk aan bomen) is bijna altijd het donkerst.

4. Vereenvoudig de scène
Hoe vereenvoudigen we het plan als alles er zo ingewikkeld uitziet? Breek alles op in vormen en waarden. Zoek je donkere tinten door je ogen samen te knijpen – dit blokkeert effectief alles wat je niet door je wimpers heen kunt zien. Als je het niet kunt zien wanneer je je ogen samenknijpt, beschouw het dan niet als een detail, zelfs als je weet dat het er is. Het is verleidelijk, maar we moeten die drang weerstaan om nu al te specifiek te worden en ons concentreren op het samenvoegen van je donkere tinten in grote vormen en waarden. Door je donkere tinten te groeperen, kun je je vormen vereenvoudigen en ze met elkaar verbinden voor een groter effect.

Identificeer de donkere en lichte vormen en de verdeling van positieve en negatieve ruimte. Dit is essentieel voor het creëren van de structuur van je schilderij met een passende ruimtelijke indeling. Varieer met de vormen, zodat het niet saai wordt – variatie is de sleutel tot succes en jij bent hier de ontwerper! Creëer een paar interessante vormen en patronen, maar niet te veel, anders bereik je niet de gewenste eenvoud.

Overschrijd de fysieke grenzen van objecten door het object te verbinden met zijn schaduw. Probeer je niet te concentreren op de naam van de vorm, maar denk er eerder aan als een donkere, een middentoon of een lichte waarde. Anders zullen je verbale en logische hersenen de controle willen overnemen. Door het 'boom' of 'huis' te noemen, voorkom je dat je die cruciale verbanden en relaties in het ruimtelijke deel van de hersenen correct legt, waardoor het moeilijker wordt om de abstracte patronen en waarden te zien.

Er zijn verschillende manieren om dit proces te vergemakkelijken. In de studio print ik zowel een kleuren- als een zwart-witversie van mijn foto om de verschillen in licht-donkercontrast te kunnen zien. In het veld maak ik een schetsje met slechts twee of drie licht-donkercontrasten, dat als kaart dient voor het gebied dat ik ga schilderen.

5. Bekijk de scène met een bril met rode lenzen of met het filter van de camera op je telefoon. 
Dit voorkomt verwarring door kleur. Het rode filter filtert de kleuren weg, waardoor je alleen de waarden ziet. Dit maakt het makkelijker om de lichte, middentoon- en donkere vormen te onderscheiden, waarin je de afbeelding vervolgens verder kunt opsplitsen om deze te vereenvoudigen.

Als de sleutel tot succes in de vastgoedwereld draait om "locatie, locatie, locatie", dan draait de sleutel tot succes in aquarel om "waarde, waarde, waarde". De meeste mislukte aquarellen hebben een probleem met onjuiste waarden. Zorg ervoor dat je minstens drie toonwaarden duidelijk kunt onderscheiden: licht, middentoon en donker. Dit is misschien wel de belangrijkste stap om je schilderij tot een succes te maken. De juiste vormen en waarden creëren de structuur en het raamwerk dat je schilderij bijeenhoudt. Zodra je dit onder de knie hebt, kun je je overgeven aan de spontaniteit van het medium, maar een goede planning maakt dit proces een stuk makkelijker!

6. Gebruik de regel van derden om een aantrekkelijke compositie te creëren.
Deel de scène op in drie gelijke helften, bijvoorbeeld 1/3 tot 2/3. Denk hierbij aan licht en donker, warm en koel, actieve en passieve gebieden, grove en zachte texturen, lucht en aarde. Het is belangrijk om geen twee gelijke helften te gebruiken, want dan raakt de kijker in de war over welke helft belangrijker is. Door de regel van derden toe te passen, laat je de kijker duidelijk weten wat jij belangrijker vindt. Je geeft een heldere boodschap over wat je met je schilderij wilt overbrengen.

7. Ontwerp voor maximale impact door te overdrijven, te manipuleren en te bewerken.
Gebruik deze hulpmiddelen om een visuele route te creëren die de kijker door je werk leidt. Controleer in dit vroege stadium op ontwerpfouten door door de zoeker van je camera te kijken om objectief te beoordelen of het geheel functioneert.

8. Maak een losse potloodschets met een lichte hand.
Houd je potlood losjes vast om te voorkomen dat je te snel gespannen raakt. Teken eerst het skelet, zodat je de details met waterverf kunt toevoegen. Verspil in dit stadium geen tijd aan details, tenzij ze cruciaal zijn voor je ontwerp. Je kunt ook met verf tekenen, wat een vloeiender en vrijer effect geeft. Zorg dat de basisvorm klopt en je kunt je pas aan het einde met de details bezighouden. Met andere woorden: bak de taart voordat je hem versiert!

9. Creëer kleurenharmonie
Ik raad aan om met een beperkt kleurenpalet te werken. Naarmate je kleurenkennis toeneemt, kun je meer tinten toevoegen en ermee experimenteren. Onthoud wel dit belangrijke feit: het gebruik van dezelfde groep kleuren zorgt voor harmonie in je schilderij. Het belangrijkste advies dat ik geef, is om je kleuren zo neer te leggen dat de warme kleuren aan de ene kant liggen en de koele kleuren aan de andere kant. Op die manier begrijp je de temperatuur van je mengsels en kun je je schilderij gemakkelijker warmer of koeler maken als dat nodig is. Zie warme kleuren als de zon met een gele basis en koele kleuren als de oceaan met een blauwe basis.

Ik leg mijn kleuren graag neer in een cirkelvormig palet volgens de kleurencirkel, zodat het heel duidelijk is welke kleuren tegenover elkaar liggen. Dit leert je hoe je complementaire kleuren mengt om harmonieuze neutrale tinten te creëren die je schilderijen laten stralen! Een ander belangrijk punt is dat aquarelverf over het algemeen een paar tinten lichter opdroogt dan wanneer het nat is. Houd hier rekening mee en maak je donkere tinten donkerder dan je denkt dat ze zouden moeten zijn om dit te compenseren.

Houd het simpel totdat je het mengen van kleuren beter begrijpt. Als je de juiste waarden gebruikt, zullen de kleuren werken. Net als in het leven: als je de juiste waarden hebt, is de rest een fluitje van een cent!

10. Schilder vanuit je hart
Druk uit hoe de scène je laat voelen, in plaats van je zorgen te maken over technische perfectie. Ik werk mijn schilderijen meestal in drie lagen. Bouw de lagen op, waarbij je in de eerste laag de witte tinten bewaart en de lichtere waarden aanbrengt (foto's 1-2). De tweede laag bepaalt de vorm en de waarde (foto's 3-4).

Foto 1

Foto 2

Foto 3

Foto 4

Foto 5

De derde bewerking is het moment waarop je echt los kunt gaan met het aanpassen en verfijnen van alles wat je maar wilt. Laat die details jouw taal spreken en je verhaal volledig tot uitdrukking brengen! Die kalligrafische accenten en interessante versieringen leiden de kijker naar je focuspunt en laten een heldere weergave van je idee achter.

Onthoud het hele proces:

• Fase 1: Planning, compositie en onderschildering
• Fase 2: Waarden bepalen voor structuur en sfeer door middel van kleur en temperatuur
• Fase 3: De details verfijnen om de elementen te verenigen en het middelpunt tot de ster te maken

Een ander belangrijk punt is de consistentie van de verhouding tussen verf en water. Mijn vuistregel is als volgt: de eerste laag verf heeft de consistentie van koffie of thee met een flinke hoeveelheid water. Voor de tweede laag gebruik ik een romige consistentie met minder water en meer verf (nat-op-nat geeft zachte randen). Voor de laatste accenten gebruik ik verf rechtstreeks uit de tube (nat-op-droog geeft scherpe randen voor objecten en belangrijke details). Het goed laden van je penseel om de verhouding nat-droog te beheersen vergt wat oefening, maar je kunt de hoeveelheid water controleren door eerst wat vocht op een spons te deppen. Begin niet met een penseel dat al halfvol water zit na het spoelen, anders krijg je niet de juiste consistentie en krijg je bloemkoolvlekken op je schilderij!

Tot slot nog een paar gedachten… neem regelmatig afstand van je werk om er zeker van te zijn dat je het schilderij als geheel aanpakt en niet alleen objecten afzonderlijk behandelt. Werk aan het hele schilderij, zodat het zich in elke fase op een evenwichtige manier ontwikkelt.

Blijf jezelf herinneren aan je oorspronkelijke idee en maak zelfverzekerde penseelstreken die die intentie ondersteunen. Vermijd slordige, modderige streken. Stop voordat je denkt dat je klaar bent om het werk te evalueren en jezelf de juiste vragen te stellen om het af te maken. Werk niet te veel aan je schilderij. Het is beter om een paar frisse, expressieve imperfecties te behouden dan het helemaal af te maken! Geloof me, ik heb er genoeg afgemaakt en die spoken spoken nu als geesten onder mijn bed.

En nu, de belangrijkste tip en tevens de moeilijkste stap van allemaal: leg het gereedschap neer en neem afstand van het schilderij!

Gouden Landschap door Georgia Mansur