Die hier gezeigten Schritte entsprechen nicht meiner üblichen Vorgehensweise bei jedem Gemälde. Meistens gibt es gar keine festen Schritte. Ungeduldig arbeite ich ununterbrochen an Stellen auf dem Papier, wo ich die richtige Feuchtigkeit finde. Mir gefällt es, wenn sich die Betrachter mit dem Motiv, der Atmosphäre, dem Ort, den Geräuschen, Gerüchen und Texturen identifizieren, anstatt sich zu fragen, wie ich diesen oder jenen Effekt erzielt habe. Ich halte mich nicht an einen bestimmten Stil. Das Motiv bestimmt den Stil. Ich probiere in fast jedem Bild etwas Neues aus, sodass ich mich unwohl fühle, wenn drei oder vier Bilder hintereinander gut gelingen. Ich habe versucht, die Zufälle in der Aquarellmalerei strukturiert zu beherrschen, aber ich habe aufgegeben. Ich lasse sie einfach geschehen.
Das Motiv meines Gemäldes ist ein Viertel in Pune, einer Stadt in der Nähe von Mumbai im Westen Indiens. Es handelt sich um eine traditionelle Milchbauernsiedlung, die vor über 100 Jahren in der Kolonialzeit gegründet wurde, um die nahegelegenen Militärkasernen mit Milch zu versorgen. Es war ein heißer Sommertag im Mai. Ich fuhr mit meinem Motorrad vorbei und bemerkte die Szene im Vorbeifahren. Sofort beschloss ich, wiederzukommen. Mir gefielen die typisch indischen Formen inmitten des Gewirrs, die scharfen Schatten, die blendend sonnenbeschienenen Bereiche und die wunderbare Geschichte, die dieser Ort zu erzählen schien.
Schritt 1 – Die Skizze
Normalerweise sind meine Skizzen nicht so detailliert, aber ich fand dieses Thema komplex. Bei einem komplexen Thema muss eine Skizze in Bezug auf Perspektive, Proportionen und die jeweilige Position der verschiedenen Elemente ziemlich genau sein. Meine Malskizze ist meist eine Mischung aus mehreren Bleistiftskizzen, Fotovorlagen und einigen gescheiterten Versuchen mit demselben Motiv. Ich nehme mir künstlerische Freiheit, Dinge zu verschieben, wegzulassen oder hinzuzufügen, aber ich verändere nie etwas, was die Grundstimmung des Motivs beeinträchtigt. Der Ort ist nur nebensächlich, die Atmosphäre ist das Thema. Ich lasse gerne einige Dinge teilweise außerhalb des Bildausschnitts, um die Fantasie des Betrachters über die Grenzen des Gemäldes hinaus anzuregen. Ich würde lügen, wenn ich behauptete, alle potenziellen kleinen Probleme im Kopf gelöst zu haben. Aber ich bin zuversichtlich, dass ich diese Hürden überwinden kann, wenn sie auftauchen. Ohne diese potenziellen Probleme macht es keinen Spaß. Malen ist nicht wie eine alltägliche Fahrt ins Büro. Aquarellmaler brauchen das Selbstvertrauen eines Rallyefahrers. Meistens endet es in einer Katastrophe.
Schritt 2 – Helle Töne
In diesem Schritt habe ich helle Bereiche mit nur einem Hauch kühler und warmer Nuancen grundiert. Die Ränder sind jetzt noch nicht so wichtig. Die Anordnung der Formen und ihre Beziehungen zueinander sind wichtiger und erfordern mehr Aufmerksamkeit. Die Formen müssen sich über die Elemente erstrecken, sonst befürchte ich, dass das Bild wie eine Collage aus verschiedenfarbigen Formen auf einem Blatt Papier aussieht. Ich lasse die Farbe trocknen. In diesem Schritt wird auch die Tonwertbasis festgelegt. Tonwerte auf einem leeren weißen Blatt Papier einzuschätzen, ist schwierig. Man könnte sagen, dieser Schritt ist wie der sprichwörtliche Sprung ins kalte Wasser.
Schritt 3 – Festlegung der Hauptformen
Als Nächstes bearbeite ich die Mitteltöne. In dieser Phase merke ich meist, ob das Bild gut gelingt oder ob es noch Schwierigkeiten geben wird. Und glauben Sie mir, dieses Gefühl kann in beide Richtungen völlig falsch sein. Aber ich kann es einfach nicht abstellen. Ich verzichte darauf, zu dunkel zu werden. Hier finde ich es sehr hilfreich, kreativ auf feuchtem oder nassem Untergrund zu arbeiten, zum Beispiel mit Techniken wie Farbauftrag, Mischen von Farbe auf Papier, Besprühen des Papiers mit Wasser, Abheben, um Glanz zu erzeugen usw. Die Kombination aus Schritt 2 und 3 ist der sichtbarste Teil des fertigen Bildes. Hier ist äußerste Sorgfalt geboten, damit große Flächen nicht leblos wirken. Nasse Oberflächen wirken nicht leblos, aber sobald sie trocken sind, können sie plötzlich leblos aussehen … und dann ist es vorbei. Daher ist hier ein gutes Urteilsvermögen gefragt. Ich habe die Oberfläche erst trocknen lassen, als ich mir sicher war. Das Mischen von Farben auf Papier funktioniert besonders gut bei den Mitteltönen, um das Risiko eines leblosen Aussehens zu minimieren. Wichtige Kanten, die ich scharf halten wollte, wurden hier definiert. Ich entscheide mich dafür, die Mitteltöne etwas heller als die endgültigen zu halten, weil ich manchmal gerne mit Lasuren das Gemälde verfeinere, nachdem die dunklen Bereiche angelegt sind.
Schritt 4 – Die dunklen Bereiche und Kanten festlegen
Ich wähle sorgfältig aus, wo ich mit Trockenpinseltechnik und wo ich auf feuchten Oberflächen arbeite. Zu viel des Guten lässt das Bild schnell künstlich und unnatürlich wirken. Ich male gerne dunkle Flächen auf leicht feuchtem Untergrund. So entstehen schöne, weiche Übergänge, und ich kann die dunklen Bereiche mit kühleren oder wärmeren Tönen anreichern, um sie interessanter zu gestalten. Manchmal träufle ich nach dem Malen der dunklen Bereiche einfach Wasser an die Ränder. Das erzeugt einen wunderbar leuchtenden Übergang. Es geht darum, dass die dunklen Bereiche nicht zu sauber oder leblos wirken. Es sollte Bereiche geben, in denen die hellen, mittleren und dunklen Partien miteinander interagieren und eine lebendige Wirkung erzeugen. Betrachten Sie zum Beispiel die Kleidung am Drahtseil und die Gebäudeecke vor der sonnenbeschienenen Wand und dem Dach – diese Bereiche haben diese besondere Lebendigkeit. Dieser Schritt ist fast unumkehrbar. Sorgfältige Aufmerksamkeit ist nötig, um die Stellen zu definieren, die ich hervorheben möchte. Ich habe versucht, die dunklen Bereiche so gut wie möglich – mal subtil, mal bewusst – miteinander zu verbinden.
Schritt 5 – Detaillierung
Ich habe die Kühe sorgfältig gemalt und auf zu viele Details verzichtet. Der Betrachter sollte nicht denken: “Schau dir die tollen Kühe an!” Ich habe Lasurfarben aufgetragen, vor allem in den Schattenbereichen, um sie zu einem harmonischen Gesamtbild zu verbinden. Dafür verwendete ich einen flachen Pinsel mit Synthetikhaar und ging dabei sehr sparsam vor. Die Lasur erzeugt interessante, subtile Kanten in den hellen Bereichen und weicht die Ränder der dunklen Schatten auf. Ich achtete darauf, die hellen Bereiche nicht zu stark zu bearbeiten. Wie bei den dunklen Bereichen ist es auch hier wichtig, die sonnenbeschienenen Bereiche miteinander zu verbinden. Ich habe das Dach mit dem Flachpinsel detailliert ausgearbeitet und das Mauerwerk durch das Verschmutzen der Mauerkanten nahe dem Boden bearbeitet. Anschließend habe ich die Schattenränder mit einem trockenen Pinsel nachbearbeitet. Kleine, gezielte Bereiche habe ich abgedunkelt, um Details wie die Schatten um die Kleidung und das Fenster hinter der Kuh hervorzuheben. Um die Kühe in das Bild zu integrieren, habe ich hinter ihnen auf der Hintergrundwand ein verbindendes Muster gemalt.
Schritt 6 – Letzte Details
Ich empfinde dies als eine entscheidende Phase, aber auch als eine sehr befriedigende, wenn ich mit dem bisherigen Ergebnis zufrieden bin. Man kann leicht zu viel bearbeiten und den Fokus verwischen. Genauso leicht kann man zu wenig bearbeiten und das Bild unfertig und gewöhnlich wirken lassen. Ich habe den Himmel hinzugefügt. Mit einem Rigger-Pinsel habe ich an einigen Stellen Linien gesetzt, um die Perspektive zu betonen und die Aufmerksamkeit des Betrachters auf einen bestimmten Bereich zu lenken. Ich habe sparsam mit Farbe gearbeitet. Titanweiß Und Neapelgelb Um den Bereichen an der Grenze zwischen Licht und Schatten mehr Glanz zu verleihen, habe ich Stangen und einige vertikale Elemente hinzugefügt, um die Dramatik zu verstärken. Anschließend habe ich reines Wasser aufgesprüht und mit einem Ölmalpinsel Farbe aufgetragen, wobei ich darauf geachtet habe, nicht zu viel zu verwenden. Und das war's!
Ein fauler Nachmittag im Altweibersommer von Sanjay Desai
Das ist es noch nicht ganz. Ich habe das Gemälde ein paar Minuten beiseitegelegt, bin zurückgekommen, habe mich hingesetzt und es mir angesehen. Vielleicht hätte der Hintergrund mit dem Gebäude besser sein können. Ist das Gemälde zu kontrastreich? Der Ort selbst war sehr kontrastreich. Es war Sommer. In Indien sind die Schatten scharf und dunkel. Aber trotzdem … hätte ich das Gemälde gelb statt rot malen können? Hätte ich den Horizont tiefer setzen und die Perspektive erweitern können, um die Gebäude und die Kühe imposanter wirken zu lassen? Vielleicht … die einzige Möglichkeit, das herauszufinden, ist, all das an einem anderen Tag auszuprobieren.
Sanjay Desai beim Malen in seinem Atelier.
