Viele meiner Bilder beginnen mit einer sorgfältig komponierten Fotografie, von der ich das Bild entwerfe. Ich mache eine relativ einfache Konturlinienzeichnung mit Bleistift und verwende häufig eine etwas begrenzte Palette.

Beim kreativen Prozess ist jedoch nichts in Stein gemeißelt. Oft finde ich, dass sich das Motiv für eine ganz andere Maltechnik und einen weniger restriktiven Einsatz von Farbe eignet. Es wäre für mich ziemlich mühsam und einschränkend, das Thema Herbstlaub in der oben erwähnten gut geplanten Weise anzugehen. Neben meinem Thema, das meine Herangehensweise bestimmt, lasse ich mich auch von meiner Stimmung und meinem Geist leiten.

Bei diesem Motiv, einer wunderbaren Herbstszene voller Farben und Kontrastwerte, ist das Referenzfoto nur ein Sprungbrett für die Rhythmen, Farben und Texturen, die ich dem Betrachter vermitteln möchte. Bei diesem Gemälde hielt ich eine Zeichnung nicht für notwendig und ließ die Farbe den Weg weisen. Dieses Thema sagt zu mir: „Lass uns loslassen und etwas Farbe schleudern!“ Ich darf jede Farbe auf meiner Palette verwenden, die zu mir Herbst sagt!

Ich begann auf wirklich gesättigtem nassem Papier (beide Seiten), dann spritzte, bespritzte, schwammte und schnitzte ich Bilder. Indem ich meine Vorstellungskraft einbeziehe, die von einem Foto angeregt wird und von dem geleitet wird, was sich mir präsentiert, entfaltet sich meine Malerei vor mir.

Diese Demo hat sich genau so entwickelt und ich habe den Prozess aufgezeichnet, als das Gemälde und ich zusammengearbeitet haben. Die gemeinsame Zusammenarbeit von Farbe, Papier, Wasser und meinem Input war eine angenehme Reise zu einem befriedigenden Abschluss. Ich hoffe, Sie werden versuchen, eine ähnliche Reise mit mir zu unternehmen. Ich werde es dir erklären.

Der Prozess

1. Ich habe ein Stück ½ Zoll dicker Pappe, nur etwas größer als das Papier, als Halterung für 140# Kaltpress-Aquarellpapier verwendet. Befestigen Sie es jetzt nicht an der Platine. Wenn Sie die Kanten während des Untermalens erneut befeuchten müssen, können Sie das Papier anheben und darunter mit Wasser besprühen, damit Sie das Oberflächenbild nicht stören.

2. Befeuchten Sie beide Seiten des Papiers mit einer großen, flachen Bürste, um eine maximale Durchdringung und gleichmäßige Verteilung der Feuchtigkeit zu erreichen. Tragen Sie reichlich Wasser auf und befeuchten Sie die Rückseite und Vorderseite des Papiers mehrmals, damit das Papier das Wasser aufnimmt, wenn Sie mehr hinzufügen.

3. Halten Sie das Papier mindestens 10-15 Minuten glänzend nass.

4. Stellen Sie sicher, dass die Vorderseite oben ist, wenn Sie bereit sind, die Farbe aufzutragen. Lassen Sie es seinen Glanz verlieren und befeuchten Sie es dann noch einmal. Dies ist ein wichtiger Schritt bei der Vorbereitung der Oberfläche und gibt Ihnen maximale Arbeitszeit.

5. Wenn die Oberfläche wirklich nass ist, kippen Sie das Brett und lassen Sie überschüssiges Wasser ablaufen. Eine gleichmäßige Feuchtigkeitsverteilung ist einer der Schlüssel zu Ihrem Erfolg!

Hier ist mein Angriffsplan!

Ich fange an, die meisten Landschaftsbilder vom Hintergrund über den Mittelgrund bis zum Vordergrund zu bearbeiten. Die Werte entwickeln sich von hell über mittel bis dunkel und von weichen, diffusen Kanten bis hin zu zackig und hart. Ich entwickle Formen (Massen) von groß über mittel bis klein. Das Zentrum des Interesses wird gegen Ende des Prozesses aufgedeckt.

Bleiben Sie offen, Ihre Pläne und Richtung zu ändern, da das Gemälde möglicherweise seine eigenen Vorstellungen davon hat, wohin es Sie führen möchte. Habe Spaß!

Heben Sie mit Ihrem 1-Zoll-Flachpinsel auf Verditer Blau gemischt mit Kobaltblau oder Himmelblaues Blau; Waschen Sie das Blau auf das obere Drittel des Bildes für den Himmel. Die Kanten sollten weich und undeutlich sein.

Mit Waschungen mittlerer Dichte von Aureolin, Rohes Siena und Chinacridon Gold, erstellen Sie lockere Formen und bilden Sie ein S-Muster durch das mittlere Drittel des Gemäldes.

Lassen Sie die Waschungen sich auf dem Papier vermischen und variieren Sie die Dichte dieser Farben, indem Sie kleine, mittlere und große Massen verwenden, wo Laubbäume erscheinen.

Fügen Sie mit einem rauen Naturschwamm (leicht feucht) einen Hauch von hinzu Saftgrün und Grün Gold zu einigen der Bereiche. Legen Sie eine Farbe über die andere und lassen Sie sie sich auf dem Papier sanft mischen.

Mit dem Rundpinsel #14 Farbe direkt aus den Farbmulden ziehen und (unverdünnt) auf das Papier geben. Ich entschied mich Dauerorange, Alizarin Purpur, Chinacridon gebrannte Orange und Chinacridon gebranntes Scharlachrot. Versuchen Sie es mit kurzen Stakkato-Pinselstrichen.

Spülen Sie nicht zwischen den Farben und lassen Sie die Farbe auf nassem Papier vermischen.

Kommt es nicht zu einer Vermischung, kann ein kleiner feiner Wassernebel aus einer Sprühflasche die Dinge wieder in Gang bringen. An diesem Punkt sollten leichte und mittlere Werte dominieren und zufällige Formen sollten anfangen, wie unscharfe Bäume und Blätter auszusehen. Denken Sie daran, einige Störflecken im Vordergrund zu machen, die Büschen und niedrigem Wachstum ähneln.

Wenn das Papier seinen Glanz verloren hat, aber noch kühl und feucht ist, beginnen die Farbkanten zu reißen. Dies ist die Zeit, um einige schöne, satte, juwelenfarbene Dunkeltöne zu kreieren, die in den Bereichen zwischen den hellen Blättern platziert werden können. Diese Mischungen können auf der Palette gemischt und dann der feuchten Malerei beigegeben werden.

Der Trick für wirklich satte Dunkeltöne besteht darin, die dunkelsten Farben auf der Palette zu wählen und so wenig Wasser wie möglich zu verwenden. Die Konsistenz der Farbmischung sollte wie weiche Butter sein.

Solange die Farben transparent sind, wird die Mischung nicht matschig. Aber – schnell ein- und aussteigen und nicht am Papier rühren!

Denken Sie an Variation mit Wiederholung. Weben Sie die Dunkelheiten wie Fäden in einem Wandteppich. Lieblingsmischungen für meine Darks sind: Phthaloblau und Saftgrün für ein dunkles Blaugrün (neutralisieren mit Alizarin Purpur), Alizarin Purpur und französisches Ultramarin für ein tiefes Purpur (zusätzl Chinacridon gebrannte Orange für dunkel neutral).

Experimentieren Sie mit anderen dunklen Kombinationen von zwei bis drei Farben und wiederholen Sie sie in den Bereichen, die Sie interpunktieren möchten. Versuchen Sie, warme und kühle Farben miteinander zu mischen. Die Gegensätze auf dem Farbrad geben Ihnen eine große Auswahl an dunklen, neutralen Farben. Beachten Sie den Unterschied, wenn Sie Farben auf der Palette vormischen oder sie auf dem Papier mischen lassen.

Behalten Sie wechselnde Farben und Werte bei und spielen Sie entlang der Kanten mit phantasievollen Pinselstrichen und Spritzern. Ich finde, dass die Rundbürste #14 in einer Natur- oder Mischfaser am besten funktioniert. Die unteren Ecken des Gemäldes benötigen das Gewicht der dunklen Farben, um die Szene zu erden und die hellen hervorzuheben – denken Sie an Komplementärfarben!

Mit dem Schwamm wieder Farbe pur auftragen und mit wenigen, sparsamen Berührungen leicht in feuchte Passagen tupfen. Wenn das Papier feucht genug ist, bilden sich unscharfe Ränder.

Wenn das Papier wieder seinen Glanz verliert, ein paar helle Baumstämme und Äste mit einem 1″ Flachpinsel herausheben, säubern und ziemlich trocken ausdrücken.

Malen Sie negative Räume („malen Sie, was nicht ist“) zwischen den Laubmassen und fügen Sie einen Hintergrund aus dunklen immergrünen Bäumen hinter den hellen Herbstbäumen hinzu.

Wenn das Papier feucht ist, sehen die Ränder der dunklen Bäume unscharf aus und treten zurück. Dies erzeugt einen wunderbaren Punkt/Kontrapunkt-Rhythmus sowie Tiefe.

Wenn Ihr Papier zu stark trocknet und die Kanten rau erscheinen (Farben bewegen sich nicht mehr von selbst), sprühen Sie eine kleine Menge Wasser auf und spritzen Sie Farbe hinein oder spritzen Sie auf das trockene Papier und besprühen Sie die verspritzte Farbe sofort.

Wechseln Sie Farben und Werte ab und spielen Sie mit Kanten, aber übertreiben Sie es nicht. Es macht so viel Spaß, aber denken Sie daran – wie Mel Stabin mir einmal sagte, PAINT AL DENTE!
Wissen, wann man aufhören muss!

Lassen Sie diesen Teil ruhen und werten Sie ihn dann aus. Entdecken Sie die Möglichkeiten von Glasuren, um einen Bereich zu wärmen, zu kühlen oder zu stärken. Optimieren und kritisieren Sie Ihr Bild. Was muss bleiben, was muss weg?

Der letzte Schritt in meiner Malerei bestand darin, eine Schablone zu schneiden und helle, scharfkantige Baumstämme aus den jetzt trockenen dunklen Passagen herauszuheben. Diese Anpassung und ein etwas negativeres Malen bringen den Fokusbereich zum Leuchten und beenden das Malen.

Mein bester Rat, vertrauen Sie dem Prozess und genießen Sie das Abenteuer beim Lernen und Erkunden der Wunder der Aquarellmalerei!