Nombre de mes tableaux débutent par une photographie soigneusement composée, à partir de laquelle je conçois l'œuvre. Je réalise un dessin au trait relativement simple au crayon et j'utilise souvent une palette assez restreinte.

Cependant, dans le processus créatif, rien n'est figé. Souvent, je constate que le sujet se prête à une technique picturale très différente et à une utilisation moins restrictive de la couleur. Il serait fastidieux et limitant pour moi d'aborder le sujet du feuillage d'automne de la manière très planifiée évoquée plus haut. Outre le sujet qui dicte mon approche, je laisse également mon humeur et mon inspiration me guider.

Avec ce sujet, une magnifique scène d'automne riche en couleurs et en contrastes, la photo de référence n'est qu'un tremplin pour les rythmes, les couleurs et les textures que je souhaite transmettre au spectateur. Pour cette toile, je n'ai pas jugé nécessaire de faire un dessin préparatoire et j'ai laissé la peinture s'exprimer librement. Ce sujet m'invite à laisser libre cours à ma créativité ! J'utiliserai peut-être toutes les couleurs de ma palette qui évoquent l'automne pour moi !

J'ai commencé sur du papier très humide (recto et verso), puis j'ai projeté, éclaboussé, estompé et gravé des images. En intégrant mon imagination, stimulée par une photo et guidée par ce qui se présente à moi, ma peinture se déploie sous mes yeux.

Cette démonstration s'est déroulée exactement de cette manière, et j'ai enregistré le processus au fil de notre collaboration. Cette union entre la peinture, le papier, l'eau et mon intervention a été un agréable voyage vers une conclusion satisfaisante. J'espère que vous entreprendrez un voyage similaire avec moi. Je vous l'expliquerai.

Le processus

1. J'ai utilisé un morceau de carton de 1,25 cm d'épaisseur, légèrement plus grand que le papier, comme support pour le papier aquarelle 140# à grain fin. Ne le fixez pas encore au carton. Si vous devez réhumidifier les bords lors de la réalisation de la sous-couche, vous pouvez soulever le papier et vaporiser de l'eau en dessous afin de ne pas altérer l'image de surface.

2. Humidifiez les deux faces du papier à l'aide d'un grand pinceau plat pour une imprégnation optimale et une répartition uniforme de l'humidité. Appliquez généreusement de l'eau en humidifiant le papier recto et verso à plusieurs reprises, de manière à ce qu'il absorbe l'eau au fur et à mesure que vous en ajoutez.

3. Maintenez le papier bien humide et brillant pendant au moins 10 à 15 minutes.

4. Assurez-vous que la face avant est orientée vers le haut avant d'appliquer la peinture. Laissez-la sécher légèrement, puis humidifiez-la une dernière fois. Cette étape est essentielle pour préparer la surface et vous offre un temps de travail optimal.

5. Lorsque la surface est vraiment mouillée, inclinez la planche pour laisser l'excédent d'eau s'écouler. Une répartition uniforme de l'humidité est essentielle à votre réussite !

Voici mon plan d'attaque !

Je travaille la plupart de mes paysages en commençant par l'arrière-plan, puis le plan intermédiaire et enfin le premier plan. Les valeurs se construisent progressivement, des plus claires aux plus foncées, et les contours, d'abord flous, puis irréguliers, puis nets. Je développe les formes (les masses) des plus grandes aux plus petites, en passant par les moyennes. Le centre d'intérêt se révèle vers la fin du processus.

Restez ouvert à l'idée de changer de plan et de direction, car la peinture a peut-être sa propre idée de l'endroit où elle veut vous emmener. Amusez-vous bien !

Avec votre pinceau plat d'un pouce, ramassez Bleu Verditer mélangé avec Bleu cobalt ou Bleu céruléen; Appliquez une couche de bleu sur le tiers supérieur du tableau pour représenter le ciel. Les contours doivent être flous et indistincts.

Avec des lavages de densité moyenne de Auréoline, Sienne naturelle et Quinacridone Or, créer des formes libres, formant un motif en S dans le tiers central du tableau.

Laissez les lavis se mélanger sur le papier et variez les densités de ces couleurs, en utilisant des masses petites, moyennes et grandes là où apparaîtront les arbres à feuilles caduques.

À l'aide d'une éponge naturelle à texture rugueuse (légèrement humide), ajoutez des touches de Vert de sève et Or vert sur certaines zones. En superposant une couleur sur une autre, laissez-les se mélanger délicatement sur le papier.

À l'aide de votre pinceau rond #14, prélevez la couleur directement dans les godets et déposez-la (pure) sur le papier. J'ai choisi Orange permanent, cramoisi d'alizarine, Quinacridone Orange brûlé et Quinacridone Écarlate brûlée. Essayez d'utiliser des coups de pinceau courts et saccadés.

Ne rincez pas entre les couleurs et laissez la peinture se mélanger sur le papier humide.

Si le mélange ne se produit pas, une légère brumisation d'eau à l'aide d'un vaporisateur peut relancer la dynamique. À ce stade, les tons clairs et moyens doivent dominer, et les formes aléatoires doivent commencer à évoquer des arbres et du feuillage flous. N'oubliez pas d'estomper légèrement les éléments du premier plan pour imiter des buissons et une végétation basse.

Lorsque le papier a perdu son brillant, mais qu'il est encore frais et humide, les bords de la peinture commencent à s'estomper. C'est le moment de créer de magnifiques nuances sombres et profondes, aux tons précieux, à appliquer entre les feuillages clairs. Ces mélanges peuvent être préparés sur la palette puis ajoutés à la toile encore humide.

Pour obtenir des noirs vraiment profonds, le secret est de choisir les couleurs les plus foncées de la palette et d'utiliser le moins d'eau possible. La consistance du mélange doit être celle d'un beurre mou.

Tant que les couleurs restent transparentes, le mélange ne deviendra pas trouble. Cependant, il faut agir vite et surtout ne pas remuer sur le papier !

Pensez à la variation par la répétition. Tissez les teintes foncées comme les fils d'une tapisserie. Mes mélanges préférés pour les teintes foncées sont : Bleu phtalo et Vert de sève pour un bleu sarcelle foncé (neutraliser avec cramoisi d'alizarine), cramoisi d'alizarine et du bleu outremer français pour obtenir un violet foncé (ajouter Quinacridone Orange brûlé (pour les tons neutres foncés).

Expérimentez d'autres combinaisons sombres de deux ou trois couleurs et répétez-les dans les zones que vous souhaitez mettre en valeur. Essayez de mélanger des couleurs chaudes et froides. Les couleurs opposées sur le cercle chromatique offrent une grande variété de teintes neutres foncées. Observez la différence entre le mélange des couleurs préparé à l'avance sur la palette et leur mélange direct sur le papier.

Alternez les couleurs et les valeurs, et jouez avec les contours en utilisant des coups de pinceau fantaisistes et des éclaboussures. J'ai trouvé que le pinceau rond #14 en fibres naturelles ou mélangées était idéal. Les coins inférieurs du tableau ont besoin de tons foncés pour ancrer la scène et faire ressortir les couleurs claires – pensez aux couleurs complémentaires !

À l'aide de l'éponge, appliquez de la peinture pure par petites touches éparses dans les zones humides. Si le papier est suffisamment humide, des bords flous se formeront.

Lorsque le papier perd à nouveau son éclat, prélevez quelques troncs et branches d'arbres légers à l'aide d'un pinceau plat de 2,5 cm, propre et bien essoré.

Peignez les espaces négatifs (“ peignez ce qui n'est pas ”) entre les masses de feuillage et ajoutez un arrière-plan de conifères sombres derrière les arbres d'automne aux couleurs vives.

Si le papier est humide, les contours des arbres sombres paraîtront flous et s'estomperont. Cela crée un magnifique rythme point/contrepoint, ainsi qu'une impression de profondeur.

Si votre papier sèche trop et que les bords semblent rugueux (la peinture ne s'étale plus d'elle-même), vaporisez une infime quantité d'eau et projetez de la peinture dessus, ou projetez-la sur le papier sec et vaporisez immédiatement la peinture projetée.

Alternez les couleurs et les valeurs, et jouez avec les contours, mais avec modération. C'est tellement amusant, mais souvenez-vous – comme me l'a dit un jour Mel Stabin : PEIGNEZ AL DENTE !
Sachez vous arrêter !

Laissez cette partie reposer, puis évaluez-la. Explorez les possibilités des glacis pour réchauffer, refroidir ou intensifier une zone. Ajustez et critiquez votre peinture. Que faut-il conserver ? Que faut-il enlever ?

La dernière étape de ma peinture consistait à découper un pochoir et à faire ressortir des troncs d'arbres clairs et nets dans les passages sombres désormais secs. Cette retouche, ainsi que quelques ajouts de peinture en négatif, permettront de faire ressortir la zone focale et de finaliser l'œuvre.

Mon meilleur conseil : faites confiance au processus et profitez de l'aventure que représente l'apprentissage et la découverte des merveilles de l'aquarelle !