Viele meiner Gemälde entstehen aus einer sorgfältig komponierten Fotografie, nach der ich das Gemälde entwerfe. Ich fertige eine relativ einfache Konturzeichnung mit Bleistift an und verwende häufig eine eher begrenzte Farbpalette.

Im kreativen Prozess ist jedoch nichts in Stein gemeißelt. Oftmals stelle ich fest, dass sich das Motiv für eine ganz andere Maltechnik und einen freieren Umgang mit Farben eignet. Es wäre für mich ziemlich mühsam und einschränkend, das Thema Herbstlaub so durchgeplant anzugehen, wie oben beschrieben. Neben dem Motiv, das meine Herangehensweise bestimmt, lasse ich mich auch von meiner Stimmung und meinem Gefühl leiten.

Bei diesem Motiv, einer wunderschönen Herbstszene voller Farben und Kontraste, dient das Referenzfoto lediglich als Ausgangspunkt für die Rhythmen, Farben und Texturen, die ich dem Betrachter vermitteln möchte. Für dieses Gemälde hielt ich eine Zeichnung für überflüssig und ließ mich ganz von der Farbe leiten. Dieses Motiv ruft mir förmlich zu: “Lass uns die Seele baumeln lassen und mit Farbe um uns werfen!” Ich werde wohl jede Farbe meiner Palette verwenden, die für mich Herbst bedeutet!

Ich begann auf richtig nassem Papier (beidseitig), dann spritzte, tupfte, tupfte und ritzte ich Bilder ein. Indem ich meine Fantasie, angeregt durch ein Foto, einfließen ließ und mich von dem leiten ließ, was sich mir darbot, entfaltete sich mein Gemälde vor meinen Augen.

Diese Demo entstand genau so, und ich habe den Prozess dokumentiert, während das Gemälde und ich zusammenarbeiteten. Das gemeinsame Wirken von Farbe, Papier, Wasser und meiner Mitarbeit war eine angenehme Reise zu einem zufriedenstellenden Ergebnis. Ich hoffe, Sie unternehmen einmal eine ähnliche Reise mit mir. Ich erkläre Ihnen, wie es geht.

Der Prozess

1. Ich habe ein Stück 1,25 cm dicke Pappe, etwas größer als das Papier, als Unterlage für das Aquarellpapier 140# (kaltgepresst) verwendet. Befestigen Sie es jetzt noch nicht an der Pappe. Falls Sie die Ränder während der Untermalung erneut anfeuchten müssen, können Sie das Papier anheben und von unten mit Wasser besprühen, ohne das Bild auf der Oberfläche zu beschädigen.

2. Befeuchten Sie beide Seiten des Papiers mit einem großen, flachen Pinsel, um eine optimale Durchfeuchtung und gleichmäßige Verteilung der Feuchtigkeit zu gewährleisten. Tragen Sie reichlich Wasser auf und befeuchten Sie Vorder- und Rückseite des Papiers mehrmals, sodass es das Wasser beim Hinzufügen von mehr Wasser aufsaugt.

3. Halten Sie das Papier mindestens 10-15 Minuten lang glänzend feucht.

4. Achten Sie darauf, dass die Vorderseite nach oben zeigt, wenn Sie die Farbe auftragen. Lassen Sie die Oberfläche antrocknen und befeuchten Sie sie anschließend noch einmal. Dieser Schritt ist wichtig für die Oberflächenvorbereitung und verlängert Ihre Verarbeitungszeit.

5. Wenn die Oberfläche sehr nass ist, kippen Sie das Brett und lassen Sie überschüssiges Wasser ablaufen. Eine gleichmäßige Feuchtigkeitsverteilung ist einer der Schlüssel zum Erfolg!

Hier ist mein Angriffsplan!

Ich beginne die meisten Landschaftsgemälde mit dem Hintergrund, dann dem Mittelgrund und schließlich dem Vordergrund. Die Tonwerte entwickeln sich von hell über mittel zu dunkel, die Kanten von weich und fließend über schroff bis hart. Die Formen (Massen) entwickle ich von groß über mittel zu klein. Der Mittelpunkt des Bildes kristallisiert sich gegen Ende des Malprozesses heraus.

Seien Sie offen für Planänderungen und Richtungswechsel, denn das Gemälde hat vielleicht seine eigenen Vorstellungen davon, wohin es Sie führen möchte. Viel Spaß!

Nehmen Sie mit Ihrer 2,5 cm breiten Flachbürste auf Verditer Blue gemischt mit Kobaltblau oder Himmelblau; Tragen Sie die blaue Farbe auf das obere Drittel des Gemäldes auf, um den Himmel darzustellen. Die Ränder sollten weich und unscharf sein.

Mit mitteldichten Waschungen von Aureolin, Rohsienna Und Chinacridon Gold, Es entstehen lockere Formen, die im mittleren Drittel des Gemäldes ein S-förmiges Muster bilden.

Lassen Sie die Farbschichten auf dem Papier ineinanderfließen und variieren Sie die Farbdichte, indem Sie kleine, mittlere und große Farbflächen verwenden, wo Laubbäume erscheinen sollen.

Mit einem rauen, natürlichen Schwamm (leicht angefeuchtet) etwas Farbe auftragen Saftgrün Und Grünes Gold in einigen Bereichen. Indem man eine Farbe über die andere gibt, lässt man sie sich auf dem Papier sanft vermischen.

Nehmen Sie mit Ihrem #14 Rundpinsel Farbe direkt aus den Farbnäpfchen auf und tragen Sie diese (unverdünnt) auf das Papier auf. Ich habe gewählt Permanent Orange, Alizarin-Karmesin, Chinacridon Gebrannte Orange Und Chinacridon Gebranntes Scharlachrot. Versuchen Sie es mit kurzen, abgehackten Pinselstrichen.

Zwischen den einzelnen Farben nicht abspülen und die Farbe auf dem nassen Papier vermischen lassen.

Falls sich die Farben nicht vermischen, kann ein feiner Wassernebel aus einer Sprühflasche helfen. Nun sollten helle und mittlere Farbtöne dominieren und die unregelmäßigen Formen wie unscharfe Bäume und Blätter wirken. Vergessen Sie nicht, den Vordergrund mit einigen Flecken zu versehen, die Büsche und niedriges Gestrüpp darstellen sollen.

Wenn das Papier seinen Glanz verloren hat, aber noch kühl und feucht ist, werden die Farbränder unregelmäßig. Jetzt ist der richtige Zeitpunkt, um schöne, satte dunkle Farbtöne anzumischen und zwischen den hellen Blättern aufzutragen. Diese Mischungen können auf der Palette angemischt und dann auf das noch feuchte Bild aufgetragen werden.

Der Trick für richtig satte, dunkle Farben besteht darin, die dunkelsten Farbtöne der Palette zu wählen und so wenig Wasser wie möglich zu verwenden. Die Konsistenz der Farbmischung sollte wie weiche Butter sein.

Solange die Farben transparent sind, wird die Mischung nicht trüb. Aber Achtung: Schnell einrühren und nicht auf dem Papier umrühren!

Denken Sie an Variation durch Wiederholung. Verweben Sie die dunklen Farben wie Fäden in einem Wandteppich. Meine Lieblingsmischungen für dunkle Farben sind: Phthaloblau Und Saftgrün für ein dunkles Türkis (neutralisieren mit Alizarin-Karmesin), Alizarin-Karmesin und Französisch Ultramarin für ein tiefes Lila (hinzufügen) Chinacridon Gebrannte Orange (für dunkle Neutraltöne).

Experimentieren Sie mit anderen dunklen Farbkombinationen aus zwei oder drei Farben und verwenden Sie diese in den Bereichen, die Sie hervorheben möchten. Versuchen Sie, warme und kühle Farben zu mischen. Gegenüberliegende Farben im Farbkreis ergeben eine große Vielfalt an dunklen, neutralen Tönen. Achten Sie auf den Unterschied, wenn Sie Farben auf der Palette vormischen, im Vergleich dazu, wenn Sie sie auf dem Papier vermischen lassen.

Wechseln Sie Farben und Helligkeitswerte ab und gestalten Sie die Ränder mit fantasievollen Pinselstrichen und Spritztechniken. Ich finde, der Rundpinsel #14 mit Natur- oder Mischfasern eignet sich am besten. Die unteren Ecken des Bildes benötigen dunkle Farben, um die Szene zu erden und die hellen Stellen hervorzuheben – denken Sie an Komplementärfarben!

Mit dem Schwamm erneut reine Farbe auftragen und mit wenigen, sparsamen Tupfern leicht in die feuchten Stellen einarbeiten. Ist das Papier ausreichend feucht, entstehen unscharfe Ränder.

Wenn das Papier wieder seinen Glanz verliert, heben Sie mit einem 1 Zoll breiten, flachen Pinsel, der sauber und ziemlich trocken ausgedrückt ist, ein paar helle Baumstämme und Äste heraus.

Male die Zwischenräume zwischen den Laubmassen (“male, was nicht da ist”) und füge einen Hintergrund aus dunklen immergrünen Bäumen hinter den leuchtenden Herbstbäumen hinzu.

Ist das Papier feucht, wirken die Ränder der dunklen Bäume verschwommen und treten in den Hintergrund. Dadurch entsteht ein wunderbarer Kontrast und eine besondere Tiefe.

Wenn Ihr Papier zu stark trocknet und die Ränder hart erscheinen (die Farbe verläuft nicht mehr von selbst), besprühen Sie es mit etwas Wasser und spritzen Sie Farbe hinein, oder spritzen Sie Farbe auf das trockene Papier und besprühen Sie die verspritzte Farbe sofort wieder mit Wasser.

Wechseln Sie Farben und Helligkeitswerte ab und spielen Sie mit den Kanten, aber übertreiben Sie es nicht. Es macht so viel Spaß, aber denken Sie daran – wie Mel Stabin mir einmal sagte: MALEN SIE AL DENTE!
Wissen, wann man aufhören muss!

Lassen Sie diesen Teil ruhen und beurteilen Sie ihn dann. Erforschen Sie die Möglichkeiten von Lasuren, um einen Bereich wärmer, kühler oder kräftiger wirken zu lassen. Optimieren und kritisieren Sie Ihr Gemälde. Was muss bleiben, was muss weg?

Der letzte Schritt meines Gemäldes bestand darin, eine Schablone auszuschneiden und helle, scharfkantige Baumstämme aus den nun trockenen, dunklen Partien herauszuarbeiten. Diese Anpassung und ein paar weitere Negativmalereien lassen den Fokusbereich erstrahlen und vollenden das Gemälde.

Mein bester Rat: Vertraue dem Prozess und genieße das Abenteuer, die Wunder der Aquarellmalerei zu entdecken und zu erlernen!