Déplacer une montagne, c'est exactement ce que j'ai fait avec cette peinture : sublimer un élément fort tiré d'une photo médiocre. Je l'ai utilisée comme point de départ, mais mon intention était de me l'approprier. J'ai pris cette photo en décembre, vers 8 heures du matin, dans une vallée près de chez moi, en périphérie de Seattle, dans l'État de Washington. La première étape de la création d'une peinture est le choix du sujet. Identifiez l'élément ou les éléments de l'image qui ont attiré votre attention. Choisissez ensuite le format, le papier, la palette de couleurs et le point focal. Puis, passez à l'étape suivante. Demandez-vous : que dois-je changer ? Quelle histoire vais-je raconter ? Quels aspects de la scène conserver et où les placer pour un équilibre harmonieux et une composition intéressante ? Dois-je ajouter ou enlever des éléments, ou simplement mieux les agencer ?
J'ai commencé par une analyse approfondie de cette photographie et j'ai défini ma palette de couleurs. Ma palette révisée offre de nouvelles possibilités et j'ai pris plaisir à expérimenter avec de nouvelles couleurs. J'ai fait d'agréables découvertes qui enrichissent ma réflexion sur la couleur et donnent un aspect frais et vivant à mes peintures. J'ai également examiné d'un œil critique la montagne sans intérêt au centre de la composition, ainsi que les arbres sombres, déséquilibrés et trop à gauche, et le groupe d'arbres à droite, trop proche du centre. Il est toujours important de vérifier ses sources pour s'assurer de la solidité des principes de composition. Apportez les modifications nécessaires. Ce qui m'a inspiré, ce sont les longues ombres violettes au premier plan, contrastant avec le jaune-vert éclatant de la prairie. Les textures du feuillage et les différents plans offraient une occasion intéressante de créer de la profondeur et de raconter une histoire de couleurs et de lumière. Je suis lassé des ciels bleus et des nuages blancs cotonneux, trop souvent utilisés comme solution de facilité dans de nombreux paysages. Pourtant, c'est le ciel qui s'offrait à moi (avec bonheur) ce jour-là. J'ai choisi d'exprimer une idée différente dans ma peinture en jouant avec la couleur et la lumière réfléchie, faisant écho aux glacis colorés du ciel dans la route au premier plan. J'aime travailler avec les triades de couleurs primaires et les appliquer séparément en sous-couche pour créer une ambiance et une atmosphère. Cela transforme la peinture dès le départ !
Le processus
J'ai commencé à peindre en choisissant du papier grain fin 140#, que j'ai soutenu avec un carton de 1,25 cm légèrement plus grand que le papier. J'ai réalisé un croquis simple des éléments principaux, que j'ai placés à l'endroit souhaité. J'ai ensuite appliqué généreusement de l'eau au pinceau de 5 cm sur les deux faces du papier. Pendant que le papier absorbait l'humidité, j'ai mélangé les pigments. Sienne naturelle, Corail de quinacridone, et Bleu cobalt, Chacune dans une gamme de valeurs claires à moyennes. Juste avant d'appliquer la première couche avec un pinceau de 3,8 cm, je réhumidifie rapidement la surface pour qu'elle soit brillante et permette à la peinture de glisser et de créer une transition douce.
Le plan de peinture
Les lavis ont été appliqués à la fois au ciel et au sol, d'abord la terre de Sienne naturelle, immédiatement suivie de Corail de quinacridone. Laissez la brillance de la surface s'estomper, puis, à l'aide d'un large pinceau à lavis, appliquez deux ou trois coups de pinceau diagonaux rapides du mélange bleu cobalt, de gauche à droite, dans la zone du ciel, et quelques autres coups de pinceau diagonaux sur la route au premier plan. J'ai ensuite agrafé le papier humide sur le support. Laissez cette couche de lavis s'imprégner et perdre sa brillance, sans toutefois sécher complètement. La couche de peinture suivante crée les reliefs montagneux. Mélangez du bleu outremer français et… Quinacridone Écarlate brûlée, Choisissez une teinte bleu-violet moyenne. Conservez-la plutôt neutre pour qu'elle reste en retrait dans le tableau. À l'aide d'un pinceau rond #14, tracez un contour supérieur net, puis estompez avec le ventre du pinceau pour créer un bord inférieur irrégulier sur vos formes de montagne. Vous peignez ainsi le sommet de la forme suivante tout en peignant le bas des montagnes. Commencez par les bords de votre image, là où le papier est un peu plus sec, et créez plusieurs formes différentes suggérant des collines lointaines et des zones boisées.
J'ai choisi un bleu-vert en utilisant Outremer français et Vert de sève. Je pense aussi que si vous voulez une teinte plus foncée, remplacez le bleu phtalo par du bleu foncé. Si le vert vous semble un peu criard, ajoutez une touche de couleur complémentaire, comme un peu de vert. Quinacridone Écarlate brûlée Pour neutraliser l'intensité des couleurs, j'ai utilisé diverses teintes terreuses pour les arbres à feuilles caduques au second plan. Essayez. Sienne naturelle, Terre de Sienne brûlée, Quinacridone Orange brûlé, Vert de sève et Or vert, Utilisez différentes quantités d'eau pour créer des variations de lumière et d'ombre, et laissez les couleurs se mélanger sur le papier. Votre papier doit rester légèrement humide. Toujours en peignant du clair au foncé, de l'arrière vers l'avant et du grand au petit, travaillez les formes et créez du relief en variant les valeurs, les couleurs, les températures et les formes. Le fond est prêt pour les grands arbres à feuilles caduques qui se dressent vers le ciel. Sur la photo, ces arbres ont peu de feuillage ; vous pouvez les rendre plus ou moins fournis selon vos envies. J'aime que le feuillage paraisse naturel en commençant par les feuilles, puis les troncs et les branches. La simplicité est de mise pour les arbres. À l'aide d'un petit morceau d'éponge de mer, humidifiez-le, essorez-le et trempez-le dans trois couleurs de feuillage différentes. Sur une feuille de papier séparée, tamponnez rapidement l'éponge imbibée. Une fois l'empreinte satisfaisante, commencez à appliquer quelques formes de feuillage sur votre peinture. C'est beaucoup moins stressant comme ça !
Votre pinceau rigger #6 est désormais l'outil idéal pour dessiner les troncs et les branches. Testez à nouveau la charge et les coups de pinceau pour bien appréhender les tailles, les formes et les valeurs souhaitées, puis reliez les zones de feuillage estampées. Si l'effet du feuillage semble un peu artificiel, prenez un petit pinceau rond trempé dans l'eau et estompez les transitions entre les points de feuillage pour créer une impression de volume. Laissez les contours des zones denses et ajourés.
J'ai rapproché les conifères sombres du centre et, à l'aide d'un pinceau rond, j'ai tapoté leurs formes sur les massifs d'arbres du second plan. Passons maintenant au premier plan.
Avec votre pinceau rond #14, appliquez un lavis vert doré clair à moyen sur la prairie de part et d'autre de la route. Tant que la peinture est encore humide, ajoutez de la terre de Sienne naturelle et Nickel jaune azoïque Au centre du lavis, ajoutez de la couleur pour plus de variété, puis incorporez des touches de vert sapin et d'orange brûlé quinacridone à la lisière où les prairies rencontrent la route. Lorsque la brillance disparaît, projetez des couleurs plus foncées pour créer des variations de surface, en ajustant au besoin. Une fois satisfait du premier plan, laissez sécher complètement.
La dernière étape de ce tableau lui donne toute sa force ! Mélangez une grande quantité d'outremer français et d'écarlate brûlée quinacridone pour obtenir un bleu-violet neutre, d'une teinte moyenne à foncée. Il vaut mieux en préparer trop que d'en manquer en plein coup de pinceau. À l'aide d'un gros pinceau plat ou rond, appliquez avec assurance les formes des ombres. Ces ombres sont projetées par des arbres situés hors du plan du tableau. Notez que plus les ombres s'éloignent de l'objet qui les projette, plus elles s'éclaircissent et leurs contours s'adoucissent. Vous pouvez vaporiser légèrement les bords de vos coups de pinceau d'ombre lorsqu'ils s'étendent vers la prairie à gauche. Laissez cette zone sécher complètement. La dernière étape consiste à peindre les poteaux de la clôture. J'ai utilisé un mélange foncé similaire à celui utilisé pour les troncs d'arbres : de l'outremer français et de l'orange brûlée quinacridone. Un léger coup de pinceau rapide suggère joliment le fil de la clôture. Prenez du recul et admirez le tableau. Ajustez si nécessaire, mais ne recherchez pas la perfection. Si vous n'êtes pas satisfait, changez de palette ou réorganisez certains éléments et réalisez un autre tableau. Essayez de varier le moment de la journée ou la saison en conservant le même concept. Ajoutez des animaux ou des personnages pour enrichir votre récit.
Chaque artiste choisit sa palette en fonction de ses préférences personnelles, du sujet traité et de son besoin d'une large palette de couleurs. À l'instar d'un assortiment d'épices bien agencé, toute palette devrait comporter des couleurs essentielles et polyvalentes. Bien que ma palette possède 32 godets, j'utilise principalement certaines couleurs (rarement plus de 6 ou 8 couleurs dans une même toile). Je choisis mes couleurs non seulement pour leur teinte, mais aussi pour les propriétés qu'elles offrent. Lors du choix des couleurs, il est important de se rappeler qu'il est possible de reproduire presque n'importe quelle teinte, mais pas forcément les caractéristiques recherchées. Parfois, je souhaite obtenir des couleurs opaques et terreuses, d'autres fois, je veux contraster une couleur très transparente avec des couleurs granuleuses qui apportent une texture intéressante à la toile.
Devenir un meilleur peintre ne se résume pas à la technique ; il s’agit aussi de solides principes de composition, d’invention, d’innovation, de style, de point de vue, et parfois tout simplement d’un bon talent de conteur ! Soyez ouvert au changement, à la progression et à l’exploration dans le merveilleux monde de l’aquarelle !
