Mover una montaña es justo lo que hice en esta pintura: embellecí el excelente contenido de una foto no tan buena. Usé la foto como punto de partida para la pintura, pero mi intención era hacerla mía. Tomé la fotografía en diciembre alrededor de las 8:00 de la mañana en un valle cerca de mi casa en las afueras de Seattle, Washington. El primer paso para crear una pintura es elegir el tema. Decide qué elemento o elementos de la imagen captaron tu atención. Elige el tamaño y el formato, el papel, la paleta de colores y el área dominante (punto focal). Luego da un paso más. Pregúntate, ¿qué necesito cambiar? ¿Qué historia voy a contar? ¿Qué aspectos de la escena conservo y dónde debo colocarlos para lograr un equilibrio armonioso y un diseño interesante? ¿Agrego o quito contenido o simplemente le doy una mejor ubicación?

Comencé con un análisis exhaustivo de esta fotografía y decidí mi paleta de colores. Mi paleta revisada ofrece algunas opciones nuevas y he disfrutado experimentando con nuevas combinaciones de colores, haciendo descubrimientos gratificantes que impulsan mi reflexión sobre el color y le dan un aspecto fresco y vibrante a mis pinturas. También examiné críticamente la montaña poco interesante justo en el centro y los árboles oscuros desequilibrados, demasiado hacia el borde izquierdo del plano de la imagen, y el grupo de árboles del lado derecho parecía demasiado cerca del centro. Siempre revisa tus fuentes de referencia para asegurarte de que se apliquen principios de diseño sólidos. Realiza los cambios necesarios. Lo que me inspiró fueron las largas sombras violetas en primer plano que contrastaban con el vibrante prado amarillo verdoso. Las texturas del follaje y los diferentes planos brindaron una oportunidad interesante para crear profundidad y contar una historia de color y luz. Me cansan los cielos azules y las nubes blancas y esponjosas que se usan con demasiada frecuencia como recurso fácil en muchas pinturas de paisajes. Sin embargo, este es el cielo que se me presentó (felizmente) ese día. Opté por expresar algo diferente en mi pintura jugando con el color y la luz reflejada, haciendo eco de las veladuras de color en el cielo que se extienden hasta el camino en primer plano. Disfruto trabajando con tríadas de colores primarios y aplicándoles una capa base por separado para crear ambiente y atmósfera. ¡Esto transforma la pintura desde el principio!

El proceso

Comencé el proceso de pintura eligiendo papel 140# de grano fino y apoyándolo con una tabla de ½ pulgada ligeramente más grande que el papel. Hice un dibujo lineal simple de los elementos principales y los coloqué donde quería. Apliqué agua generosamente con un pincel de 2 pulgadas a ambos lados del papel. Mientras el papel absorbía la humedad, mezclé Siena natural, Coral de quinacridona, y Azul de cobalto, cada uno en un rango de valor claro a medio. Justo antes de aplicar la primera capa con un pincel de 1 ½”, humedezco rápidamente la superficie para que quede brillante y húmeda, permitiendo que la pintura se deslice sobre ella y cree una transición suave en los bordes.

El plan de pintura

Los lavados se aplicaron tanto al área del cielo como al suelo, primero el Siena crudo, seguido inmediatamente por Coral de quinacridona. Deja que el brillo de la superficie comience a disiparse y luego, con una pincelada diagonal de un pincel ancho para aguadas, coloca dos o tres pinceladas diagonales rápidas de la mezcla de azul cobalto de izquierda a derecha en el área del cielo y un par de pinceladas diagonales más a través del camino en primer plano. Luego grapé el papel húmedo al tablero. Deja que esta capa de aguadas se asiente y pierda el brillo, pero no se seque por completo. La siguiente capa de pintura crea los planos de la montaña. Combina azul ultramar francés y Escarlata quemada de quinacridona, un tono azul violeta medio. Mantenlo algo neutro para que quede en un segundo plano en la pintura. Con un pincel redondo #14, dibuja un borde superior limpio de la forma, luego arrastra el vientre del pincel creando un borde inferior bastante irregular en las formas de las montañas. En realidad, estás pintando la parte superior de la siguiente forma mientras pintas la parte inferior de las montañas. Comienza en los lados de la imagen donde el papel está un poco más seco y genera varias formas diferentes que sugieran colinas distantes y áreas boscosas.

Elegí un verde azulado usando Ultramar francés y Verde savia. También creo que si lo quieres más oscuro, sustituye el azul ftalo. Si el verde parece un poco chillón, añade un complemento como un poco de Escarlata quemada de quinacridona para neutralizar la intensidad del color. Utilicé una variedad de colores tierra para los árboles de hoja caduca en el plano medio. Inténtalo. Siena natural, Siena tostada, Naranja quemada de quinacridona, Verde savia y Oro verde, Utilizando diferentes cantidades de agua para variaciones claras y oscuras, deja que los colores se mezclen en el papel. El papel debe estar ligeramente húmedo. De nuevo, pintando de claro a oscuro, de atrás hacia adelante y de grande a pequeño, sigue trabajando las formas y crea interés mediante variaciones de valores, colores, temperaturas y formas. Todo el plano medio está listo para los grandes árboles de hoja caduca que se elevan hacia el cielo. Estos árboles tienen muy poco follaje en la foto; puedes hacer el tuyo tan denso o escaso como quieras. Me gusta que el follaje parezca natural empezando por las hojas y luego los troncos y las ramas. Menos es más al pintar árboles. Con un pequeño trozo arrancado de una esponja de lana marina, humedezco y luego exprimo la esponja y la sumerjo en tres colores diferentes de follaje. En un trozo de papel aparte, estampa rápidamente la esponja cargada. Cuando estés satisfecho con la impresión, empieza a aplicar algunas formas de follaje a tu pintura. ¡Es menos estresante así!

Tu pincel de dibujo #6 es ahora la herramienta ideal para dibujar troncos y ramas. Vuelve a probar la presión y las pinceladas para familiarizarte con los tamaños, las formas y los tonos que deseas, y luego procede a "conectar los puntos" desde las áreas estampadas del follaje. Si el efecto del follaje parece un poco artificial, toma un pincel redondo pequeño humedecido en agua y suaviza las transiciones entre los puntos de follaje para crear una mayor sensación de volumen. Deja los bordes de las masas con un aspecto delicado.

Acerqué los árboles de hoja perenne oscuros al centro y, con un pincel redondo, les dibujé las formas sobre las masas de árboles del plano medio. Ahora pasemos al primer plano.

Con su bolígrafo redondo #14, aplique un lavado de tono verde dorado claro a medio al prado a ambos lados del camino. Mientras esté húmedo, agregue Siena cruda y Amarillo azoico de níquel Para añadir variedad, aplica pinceladas de verde savia y naranja quemado de quinacridona en el borde donde los prados se encuentran con el camino. Cuando el brillo desaparezca de la superficie, salpica colores más oscuros para crear variaciones, ajustando según sea necesario. Cuando estés satisfecho con el primer plano, déjalo secar por completo.

¡La fase final de esta pintura es lo que le da tanta fuerza! Mezcla una gran cantidad de azul ultramar francés y escarlata quemada de quinacridona para obtener un azul violeta neutro de tono medio a medio oscuro. Es mejor preparar de más que quedarse sin pintura a mitad de una pincelada. Con un pincel plano grande o un pincel redondo grande, pinta con seguridad las formas de las sombras. Las sombras se proyectan desde árboles fuera del plano de la imagen. Observa que, a medida que las sombras se alejan del objeto que las proyecta, se vuelven más claras y con bordes más suaves. Puedes difuminar los bordes de las sombras a medida que se extienden hacia el prado de la izquierda. Deja que esta zona se seque por completo. El último paso es pintar los postes de la cerca. Utilicé un tono oscuro similar a la mezcla utilizada para los troncos de los árboles: azul ultramar francés y naranja quemada de quinacridona. Una pincelada rápida y ligera de alambre indica claramente el alambre de la cerca. Retrocede y admira la pintura. Ajusta donde sea necesario, pero no busques la perfección. Si no estás satisfecho, cambia tu paleta o reorganiza algunos elementos y haz otra pintura. Prueba con otro momento del día o de la época del año usando el mismo concepto. Añade animales o personas para contar una historia más completa.

Cada artista elige su paleta según sus preferencias personales, el tema de su obra y la necesidad de una amplia gama de posibilidades de mezcla de colores. Al igual que un especiero bien organizado, toda paleta debe incluir colores básicos versátiles. Aunque mi paleta tiene 32 compartimentos para colores, hay colores básicos que uso con mayor frecuencia (rara vez uso más de 6 u 8 colores en una sola pintura). Elijo los colores no solo por su tonalidad, sino también por las características que ofrecen. Al elegir colores, recuerda que puedes replicar casi cualquier tonalidad, pero no necesariamente con las características específicas que buscas. A veces quiero cualidades opacas y terrosas en la pintura; otras veces quiero contrastar colores muy transparentes con colores que se granulan y añadan texturas interesantes al cuadro.

Aprender a ser un mejor pintor no se trata solo de técnica, sino también de sólidos principios de diseño, inventiva, innovación, estilo, perspectiva y, a veces, ¡simplemente de contar buenas historias! ¡Ábrete al cambio, al crecimiento y a la exploración en el maravilloso mundo de la acuarela!