Recientemente regresé de una gira de talleres que incluyó Alaska y Oregón. En mis talleres encuentro que una de las técnicas más difíciles de comprender es el uso de formas y valores conectados. Hace unos años comencé todos mis talleres con un estudio de valor de Tinte Neutro y eso evolucionó gradualmente a mis estudios de valor/composición de grafito que realizo antes de la mayoría de mis pinturas.

En Oregón, decidí volver a una demostración de acuarela semimonocromática para que los estudiantes vieran la correlación directa entre el boceto de configuración y las notas mentales y escritas sobre cómo editar el tema hasta su esencia sin la tentación adicional de color. En mis pinturas, rara vez dejo que la precisión triunfe sobre una buena composición y me libero para editar y mover objetos como deseo. Mi único objetivo es capturar cómo me hace sentir un lugar. Encuentro este tipo de escena muy útil en un entorno de taller porque estamos viendo formas y cómo conectarlas. También estamos usando múltiples tipos de lavados y pinceladas para agregar atmósfera e interés. En el fondo, una pintura es tan difícil como desees hacerla.

Mi primera pregunta al ver una escena, ya sea que esté pintando al aire libre o a partir de fotos y bocetos de referencia, es ¿cómo puedo editar esto? ¿Cuál es el tema real? Hacerme estas preguntas inicia el proceso de eliminar detalles innecesarios y comienza a identificar mis objetivos. En esta pintura, la sensación de distancia, el tamaño de las rocas en la playa y, finalmente, la plataforma de observación fueron lo que me atrajo. En este caso, elegí mostrar la playa durante la marea baja para poder jugar con los reflejos de las pozas de marea y Evite sobrecargar el rompiente de la costa. Para estas decisiones utilizo condiciones recordadas de más temprano en el día o de otros lugares con formas terrestres similares.

Un boceto introductorio antes de comenzar la pintura es esencial para comprender el tema y cómo lo tratará. Estos tienden a estar muy sueltos y doy un paso atrás y miro las formas más grandes y cómo funcionan. Tomaré notas sobre cómo cambiar el dibujo y me guiaré a través de los pasos de la pintura. Les digo a mis alumnos que un buen pintor debe ver algunos pasos por delante y saber que construir de claro a oscuro puede ser muy indulgente si recuerda que los valores más oscuros cubrirán los errores que cometa al hacer los lavados iniciales. Cuanto más practiquen el lavado abigarrado y trabajen la página completa en lugar de "fragmentos", ayuda a unir una composición en lugar de arriesgarse a que se fragmente.

Paleta de acuarelas destacada

• DANIEL SMITH Sombra tostada,
• DANIEL SMITH Siena cruda,
• DANIEL SMITH Ultramar francés,
• DANIEL SMITH Naranja quemada de quinacridona,
• DANIEL SMITH Chino Blanco, y
• DANIEL SMITH Tinte Neutro

El primer paso, simplemente para establecer el estado de ánimo y crear una pintura de fondo que une el trabajo. Mi superficie de pintura es Fabriano Artistico 300lb rugosa y utilicé una Escoda Versatil 14 redonda y una Versatil 3/4” plana.

Las pinturas son DANIEL SMITH Burnt Umber, Raw Sienna, French Ultramarine, Quinacridone Burnt Orange, Chinese White y Neutral Tint. Utilicé una serie de lavados abigarrados junto con pinceladas de secado rápido para sugerir luz sobre el agua y, finalmente, establecer algunos pastos altos y áreas de tonos cálidos con Burnt Orange. Dejé caer una mezcla de French Ultramarine y Burnt Orange en el cielo para sugerir el estado de ánimo y, mientras estaba húmedo, trabajé en las primeras capas de nubes usando Chinese White.

Las siguientes tomas se realizan de una sola vez con diferentes intensidades a medida que avanzamos en la pintura. Bajé un poco de tono extra para darle a Haystack Rock un poco de poder en su base y seguí agregando un poco más a mis charcos de agua mientras me acercaba al primer plano donde introduje un poco de siena cruda para emular la hierba seca en el acantilado. Este es un bloqueo básico. Juzgo la intensidad del valor y la fuerza de las formas de las rocas y otros elementos recordándome que los próximos lavados cubrirán cualquier movimiento que haga si veo algo que no me gusta. Esto me ayuda a no dudar demasiado y me permite pintar con todo el brazo en trazos amplios.

Los pasos finales fueron dar fuertes sombras al primer plano usando una mezcla de Neutral Tint, Burnt Orange y un toque de French Ultramarine. Usando el cepillo plano, cepillé en seco en la barandilla y luego, en un lavado muy húmedo, mezclé Neutral Tint en trazos planos para los oscuros en los pastos. Agregué los postes de luz para conectar el primer plano con el término medio y, usando mi botella de spray, agregué un chorrito o dos para darle textura. Mientras se secaba, usé el Chinese White en el fondo para suavizar el cielo y Haystack Rock.

Volví a la pintura después de dejarla reposar durante la noche. Decidí agregar más reflexión a Haystack Rock para vincular el fondo con el término medio y lavé el cielo nuevamente con agua clara para promover la sensación de perspectiva atmosférica. Estas pinturas tienden a ir rápido para mí. Dudo que haya pasado más de una hora y media de principio a fin, lo que ayuda con las pinceladas espontáneas y una sensación más suelta de toda la pintura. Les digo a mis alumnos que un dibujo suelto ayudará a producir una pintura suelta; pero uno apretado sin duda resultará en un trabajo mucho más controlado. Ya sea que te gusten los detalles o los gestos, estos ejercicios son extremadamente divertidos y te enseñan lecciones valiosas sobre el lavado, las pinceladas y el valor. Cuanto menos decimos claramente, más nuestras pinturas invitan al espectador a sacar sus propias conclusiones sobre el trabajo y crear sus propias historias al respecto. Cuanto más pinto, más encuentro que, para mí, esta forma de trabajar es la más agradable.

Iain Stewart AWS/NWS