1920년대부터 1950년대까지 캘리포니아 수채화 활동은 미국 미술계에 활기차고 혁신적인 지역적 기여를 보여주었습니다. 이른바 '캘리포니아 스타일 수채화' 운동은 주로 남부 캘리포니아를 중심으로 활동한, 비공식적이지만 긴밀한 유대감을 가진 예술가 집단이었습니다. 그중 가장 잘 알려진 인물은 밀라드 시츠(Millard Sheets)로, 1920년대 후반에 그린 그의 지역 풍경 수채화는 쇼이나드 미술학교(Chouinard Art School)와 연관된 많은 젊은 예술가들에게 영감을 주었습니다. 필 다이크(Phil Dike), 렉스 브랜트(Rex Brandt), 바르세 밀러(Barse Miller), 에밀 코사 주니어(Emil Kosa, Jr.), 필 파라다이스(Phil Paradise), 폴 샘플(Paul Sample) 등이 그 대표적인 인물입니다. 이들은 거의 모두 1921년에 설립된 캘리포니아 수채화 협회(California Watercolor Society)에서 활발하게 활동했으며, 협회는 지역 및 순회 전시회를 통해 전국적인 인지도를 높였습니다. 캘리포니아 미술사에서 여전히 가장 잘 알려진 이름 중 하나인 밀라드 시츠는 이 집단에서 가장 먼저 전국적인 명성을 얻은 인물이며, 그의 초기 활동은 동료 예술가들과 그들이 선택한 매체에 대한 관심을 불러일으키는 데 기여했습니다.
수채화라는 매체는 시츠와 그의 주변 화가들의 목표와 생활 방식에 이상적으로 부합했습니다. 이전 세대 화가들이 이미 알고 있었듯이, 수채화는 저렴하고 휴대하기 편리하여 여행을 좋아하고 야외에서 그림을 그리고 싶어하는 젊은 화가들에게 안성맞춤이었습니다. 더욱이 존 마린과 같은 모더니스트 화가들의 예에서 볼 수 있듯이, 수채화는 주제를 보다 간결하고 표현적인 방식으로 표현하는 데 적합했습니다. 캘리포니아 풍경 화가들의 손에서 수채화는 남부 캘리포니아의 눈부신 햇살과 자연스러운 분위기를 포착하는 직접적이고 마치 아무런 노력도 기울이지 않은 듯한 스타일을 가능하게 했습니다. 동시에, 액자를 제외하고 일반적으로 폭이 60cm가 넘는 이 수채화들의 큰 크기는 제작자들이 이 작품들을 전시와 판매에 걸맞은 진지한 작품으로 의도했음을 보여줍니다. 이 화가들은 수채화라는 매체를 매우 진지하게 다루었습니다.
캘리포니아 화가들의 수채화에 나타난 특징들은 당시 미국 전역의 양식적, 문화적 경향을 반영했습니다. 여기에는 사실주의와 지역적 소재에 대한 선호가 포함되는데, 이는 미국 풍경화가들과 중서부 지역주의 화가들, 특히 그랜트 우드와 토머스 하트 벤튼의 특징이었습니다. 지역 예술적 토양에 뿌리를 내리려는 이러한 시도는 조지아 오키프, 존 마린, 마스든 하틀리와 같은 일부 모더니스트들에게서도 찾아볼 수 있었습니다. 캘리포니아 스타일 화가들이 일상생활의 찰나의 순간을 포착하는 데서 느낀 즐거움은 로버트 헨리, 조지 벨로우스, 그리고 후대의 레지널드 마시와 같은 20세기 초 도시 사실주의 화가들의 영향도 크게 받았습니다. 수채화가들은 순수 추상을 지양했지만, 목적에 따라 더욱 양식화되고 역동적인 표현 방식을 채택했습니다. 그러나 대체로 다양한 모더니즘적 특징의 차용은 표면적인 수준에 그쳤으며, 더 깊이 있는 심층적 표현은 드물었습니다. 이 예술가들은 대담하고 생동감 넘치며 직접적인 시각적 효과를 만들어내기 위한 참신한 기술적, 양식적 수단에 주로 매료되었습니다.
캘리포니아 수채화가들은 이 지역의 풍부하고 유구한 풍경화 전통에서 발전했는데, 이 전통은 이 지역의 아름다운 경관과 야외 회화에 이상적인 기후를 최대한 활용했습니다. 20세기 초, 이러한 야외 풍경화 전통을 이어받은 캘리포니아 수채화가 중 한 명은 1900년대 초 남부 캘리포니아에 도착한 프랜시스 맥코마스였습니다. 그는 작품에 단순화를 도입하여 사막 풍경의 추상적 특성을 암시하는 세련되고 형식적인 관계를 만들어냈습니다. 그러나 그의 수채화에 대한 근본적인 접근 방식은 오랜 영국 수채화 전통을 따랐는데, 형태를 연필로 윤곽을 그린 다음 그 윤곽선 안쪽을 채색하는 방식이었습니다. 이러한 기법은 남부 캘리포니아의 초기 수채화가들에게서도 흔히 사용되었는데, 쇼이나드 미술학교(훗날 쇼이나드 미술대학, 캘리포니아 예술대학의 전신)의 교사였던 F. 톨레스 챔벌린이 시츠를 비롯한 학생들에게 수채화 기법을 탐구하도록 장려하면서 사용한 비교적 옅고 절제된 붓질에서 이를 확인할 수 있습니다. 또한 많은 캘리포니아 수채화가들은 아시아의 존경받는 수채화 전통에 대한 인식을 보여주었습니다. 남부 캘리포니아와 북부 캘리포니아에서 활동하던 소규모이지만 주목할 만한 아시아계 미국인 예술가들은 다양한 정도로 자신들의 아시아 문화적 유산을 작품에 직접적으로 반영했다.
남부 캘리포니아를 대표하는 인물로는 히데오 다테와 타이러스 웡이 있었는데, 두 사람 모두 스탠턴 맥도널드 라이트의 영향을 받으며 활동했습니다. 북부 캘리포니아에서는 치우라 오바타가 수채화와 대형 유화 작품으로 명성을 쌓아 UC 버클리 미술학부 교수로 재직했습니다. 샌프란시스코에서 태어난 중국계 미국인 수채화가 동 킹먼은 어린 시절 대부분을 홍콩에서 보내며 서예를 익혔고, 아시아 수묵화에서 흔히 볼 수 있는 표현적이고 즉흥적인 수채화 기법을 익혀 자신만의 독창적인 화풍에 접목했습니다. 도시 풍경을 담은 뛰어난 수채화 작품으로 유명한 킹먼은 남부 캘리포니아 스타일을 계승한 북부 캘리포니아 수채화가 중 가장 주목받는 인물이었습니다. 북부 캘리포니아 화가 그룹이 모더니즘의 영향을 더욱 강하게 받으면서, 두 지역의 미술 운동은 스타일적으로나 사회적으로나 공통점이 점점 줄어들었습니다.
캘리포니아 스타일과 버클리 학파의 수채화가들은 서로 달랐으며, 사실상 거의 교류가 없었습니다. UC 버클리를 중심으로 한 북부 캘리포니아 운동은 초기 추상 표현주의 화가인 방문 화가 한스 호프만의 영향을 크게 받았습니다. 대학에서 탄생한 이 준모더니즘적 스타일은 호프만의 가르침, 특히 형태와 윤곽을 정의하는 역할뿐 아니라 선 자체의 가치, 그리고 윤곽선과 독립적인 색면을 강조하는 것에 대한 다소 신중한 학문적 반응을 보였습니다. 워스 라이더, 존 헤일리, 칼 카스텐, 얼 로런은 이 운동의 대표적인 화가들이었으며, 대학 교수진 화가로서 그들이 채택한 스타일은 샌프란시스코 베이 지역의 수채화에 상당한 영향을 미쳤습니다. 카스텐에 따르면, 수채화에 대한 접근 방식의 차이가 북부와 남부 사이에 "분열"을 초래했습니다. 버클리 학파는 "개방적인" 색채와 독립적인 선을 선호했습니다. 캘리포니아 스타일 화가들은 남부의 풍경과 도시 풍경을 소재로 삼아 자연스러운 지역색을 표현하는 "폐쇄적인" 접근 방식을 사용했습니다. 유럽을 참고한 북부 지역의 모더니즘적 성향이 강한 작품들은 캘리포니아 대학교를 버클리 언덕을 넘어 중요한 예술적 중심지로 자리매김하게 했습니다. 그러나 일부 북부 수채화가들은 자신들의 분야에서 학계가 지나치게 지배적인 위치를 차지하는 것에 불만을 품었습니다.
이 두 가지 경향은 수십 년 동안 캘리포니아 수채화계를 지배했습니다. 국립수채화협회와 관련 전문 단체에서 활발하게 활동하는 많은 현대 화가들은 북부와 남부 모두에서 이러한 전통을 계승하고 있습니다. 그들 중 다수는 고도로 발달된 일러스트레이션 기법을 활용하여 일반적으로 보수적이면서도 접근하기 쉬운 서사적 접근 방식을 바탕으로 저명한 경력을 쌓았습니다. 그러나 수채화는 다양한 관심사를 가진 예술가들에게 여전히 도전적이면서도 보람 있는 매체입니다. 우리는 캘리포니아 지역주의 화가들과 그 후계자들의 탁월한 기교에 감탄할 수 있지만, 이러한 뛰어난 기량은 사진처럼 사실적인 화풍을 구사하는 로버트 베히틀과 같은 다른 현대 예술가들에게도 활용되고 있음을 알 수 있습니다. 그들의 작품 주제 또한 예술적 목표는 매우 다양하지만, 장소의 생생한 특수성을 표현하는 데 매력을 느낍니다.
하지만 이 모든 예술가들에게는 수채화라는 매체의 어려움과 독특한 표현력에 대한 깊은 존경심이 깔려 있습니다. 미래에도 수채화는 특별한 위치를 차지할 것입니다. 어떤 예술가들은 윈슬로 호머, 토머스 이킨스, 존 싱어 사전트와 같은 역사상 가장 위대한 거장들이 세운 미국 수채화 전통을 이어갈 것입니다. 하지만 이는 진보나 경쟁심의 문제가 아닙니다. 시츠, 마린, 코사, 그리고 20세기의 수많은 수채화 거장들은 애초에 이 거장들을 뛰어넘으려 하지 않았습니다. 결국 수채화라는 매체와 그들의 선구자들에 대한 깊은 존경심이 수채화를 다른 스타일과는 차별화된 예술 공동체로 만들어줍니다. 어쩌면 수채화는 일종의 비밀 결사, 클럽과 같을지도 모릅니다. 전통주의자와 현대 실험가를 포함한 그 구성원들은 수채화가 독특한 역사와 모방 불가능한 미적 표현적 정체성을 지니고 있음을 인식하고 있습니다. 그들이 수채화를 선택하는 데에는 분명한 이유가 있습니다.
스미소니언 협회 산하 미국 미술 아카이브의 전 서부 지역 책임자였던 폴 J. 칼스트롬 박사는 2009년 후드 미술관 전시회 "해안선에서 하늘선까지"를 위해 쓴 에세이에 대한 글을 이 기사에 실었습니다.“
스카이라인 패턴 – 에밀 코사 주니어 작, 목탄 위에 수채화 (22.5 x 30인치), 1959년
