저는 오랫동안 현장에서 직접 그림을 그리는 것에 매료되어 왔습니다. 빠른 습작이든 완성된 작품이든, 실물을 보고 그리는 것은 제 스튜디오 작업에 큰 도움이 됩니다. 눈앞에 펼쳐진 풍경을 포착하고(en plein air), 모든 것을 한 번에 담아내는(alla prima) 과정은 명암, 색채, 구도에 대한 빠른 판단을 요구합니다. 이러한 경험은 제게 관찰력을 갈고닦는 데 도움을 줍니다.
저는 국내외 워크숍을 진행하고 야외 풍경화 행사에 참여하면서 항상 물감을 가지고 다니기 때문에 이번 기회에 정말 기대가 컸습니다. 다니엘 스미스 수용성 오일 색소.
물감을 받은 직후, 콜로라도에 45cm가 넘는 갑작스럽고 이례적인 폭설이 내렸습니다. 수용성 유화 물감이 추운 날씨에 어떻게 반응할지 궁금했고, 이번 기회에 이 물감을 사용해 보는 것도 재밌을 것 같았습니다. 눈 덮인 상록수와 멀리 보이는 포플러 나무를 소재로 삼아 흥미로운 구도를 찾아보았습니다. 언뜻 보면 눈 덮인 로키 산맥 깊숙한 곳에 있는 것처럼 보이지만, 실제로는 작업실에서 걸어서 갈 수 있는 거리, 마을 근처였습니다.
이젤을 설치하고 고른 물감을 짜냈습니다. 야외에서 작업할 때는 제한된 색상 팔레트를 사용하는 것을 좋아합니다.
저는 유화를 희석하고 붓을 씻는 데 사용할 물이 담긴 용기 하나를 가지고 있었습니다. 다른 용기에는... 수용성 아마씨유. 저는 보통 일반 유화를 사용할 때는 미디엄을 사용하지 않는데, 이 물감들은 미디엄이 필요한지 궁금해서 사용해 봤습니다.
이젤에 캔버스 패널을 올려놓고 물에 약간 희석한 번트 시엔나 물감으로 톤을 입히기 시작했습니다. 보통이라면 무취 미네랄 스피릿으로 물감을 희석해서 사용했을 텐데, 이번에는 물만 사용해도 된다는 점이 마음에 들었습니다. 저는 여행을 자주 다니는데, 테레빈유나 무취 미네랄 스피릿을 따로 구매하는 대신 현지 물을 사용할 수 있다는 건 정말 큰 장점입니다.
1) 그림을 그리기 시작했을 때, 캔버스를 불규칙한 모양으로 나누려고 했습니다. 중요한 것은 나무 자체가 아니라, 그 모양들을 통해 보는 사람을 그림 속으로, 그리고 그림 속을 돌아다니도록 이끌어내는 것이었습니다. 캔버스에 색을 입힌 후, 작은 붓으로 물에 약간 희석한 번트 시엔나 물감을 사용하여 모양들을 그려 넣기 시작했습니다.
2) 그림의 중심이 될 나무의 어두운 부분을 칠하기 시작했습니다. 샙 그린과 알리자린 크림슨을 살짝 섞어 어두운 부분을 표현했는데 아주 잘 어울렸습니다. 나무의 '밝은' 부분, 즉 어두운 형태의 일부인 부분에는 샙 그린과 퀴나크리돈 골드를 사용했습니다.
3) 프렌치 울트라마린 블루와 티타늄 화이트를 섞어 붓질로 눈 그림자를 조금씩 표현하기 시작했습니다. 이것들도 어두운 형태를 이루는 부분입니다. 이 두 가지 색상만으로도 실제 그림자와 매우 흡사한 색감을 낼 수 있었습니다. 눈 그림자는 자칫하면 너무 칙칙하게 표현하기 쉬운데, 실제로는 아주 선명하고 색감이 풍부해야 합니다. 나중에 하늘에서 반사되는 빛을 이용해 밝게 만들면 됩니다.
4) 두 그루의 큰 나무가 마치 소금 후추통처럼 보여서 두 번째 나무의 모양과 위치를 바꿨습니다. 저는 하나의 주된 나무로 초점을 맞추고 싶었습니다. 나무를 뒤로 물러나게 하기 위해 채도가 낮은 색으로 칠했습니다. 중간 배경의 나무들을 차갑고 뒤로 물러나게 하기 위해 따뜻한 나무색에 프렌치 울트라마린 블루를 아주 소량 섞었습니다.
5) 이제 상록수를 더 추가하고 배경의 포플러 나무들을 대략적으로 묘사했습니다. 멀리 있는 포플러 나무들은 비교적 무채색이었지만, 저는 '차가운' 느낌을 더욱 강조하고 싶었습니다. 먼저 번트 시엔나 색으로 나무들의 막대사탕 모양을 밑색으로 칠한 후, 번트 시엔나, 알리자린 크림슨, 티타늄 화이트 색으로 붓질을 더했습니다. 이렇게 하니 나뭇가지에 눈이 살짝 맺힌 듯한 느낌을 줄 수 있었습니다.
6) 저는 주변 상록수들에 더 풍부한 형태와 볼륨감을 부여하기 시작했고, 전경에 관목의 시작 부분을 추가했습니다. 사실 사진에는 나오지 않았지만 균형을 맞추고 디자인의 흐름을 만들기 위해 버드나무 관목을 옮겨 심었습니다. 물감은 샙 그린(Sap Green)에 알리자린 크림슨(Alizarin Crimson)과 티타늄 화이트(Titanium White)를 약간씩 섞어서 사용했습니다.
7) 오른쪽에는 의도적으로 원래 없던 그림자 형태를 추가했습니다. 이는 구도상 시선을 주된 나무로 유도하는 데 도움이 되었습니다. 두 번째 나무의 그림자 파란색은 앞쪽 나무의 그림자 파란색보다 채도가 낮습니다. 나무 밑칠에 사용된 물감을 약간 섞어 색을 옅게 만들었습니다. 이렇게 함으로써 뒤쪽 나무들이 뒤로 물러나는 듯한 효과를 냈습니다.
8) 멀리 있는 포플러 나무들은 묽은 물감으로 칠했습니다. 그런 다음 두꺼운 하늘색 물감(묽은 물감 위에 굵은 물감을 덧칠하는 방식)으로 '하늘 구멍'과 같은 음영 공간을 채워 나무들을 더욱 돋보이게 하고 개성을 부여했습니다. 그림에서 하늘은 눈 그림자와 명도와 색감이 매우 비슷했습니다. 저는 그림이 하늘에 집중되는 것을 원하지 않았고, 나무와 그림자에 초점을 맞추고 싶었습니다. 눈이 더욱 두드러지고 대비가 강하게 보이도록 하기 위해 의도적으로 하늘색을 약간 흐리게 했습니다. 하늘색은 눈 그림자 색에 흰색과 카드뮴 레드를 약간 섞어 만들었습니다. 그 후 알리자린 크림슨과 티타늄 화이트를 몇 번 덧칠하여 하늘을 약간 따뜻하게 표현했습니다. 약간의 생동감이 좋습니다.
9) 이제 햇볕에 그을린 눈을 덧칠할 차례입니다. 햇볕이 비치는 쪽 눈에는 따뜻한 느낌을 주기 위해 붉은색을 살짝 더했습니다. 티타늄 화이트는 다른 색상보다 약간 뻑뻑해서, 페인팅 미디엄에 담갔다가 흰색 물감을 눈 위에 듬뿍 발랐습니다. 마치 케이크에 크림을 바르듯 평평한 표면에 질감을 더하는 이 과정이 정말 재미있습니다.
그림을 마무리하면서 그림자가 드리워진 눈 덮인 나뭇가지에 반사광을 더했습니다. 밝은 눈은 온갖 아름다운 색을 반사하죠. 여기서는 비리디안과 퀴나크라돈 색을 은은하게 표현하는 게 정말 재밌었어요.
이 그림을 그리는 데 약 1시간 30분이 걸렸습니다. 단순히 장면을 기록하는 것뿐만 아니라 장소와 분위기까지 전달하는 것이 중요합니다. 상록수가 있는 설경은 자칫 흑백의 색감으로만 표현되어 차가워 보일 수 있습니다. 따뜻한 느낌을 더하는 것은 바로 이러한 점을 고려한 것입니다. 따뜻한 색감의 미루나무와 버드나무, 반사광을 강조한 눈 덮인 나뭇가지의 그림자, 그리고 아침 햇살에 물든 따스한 눈 등을 표현하면 그림이 훨씬 더 매력적으로 보일 수 있습니다.
수용성 물감이 제가 평소에 쓰던 유화 물감과 비슷한 느낌이라 만족스러웠습니다. 다만 티타늄 화이트는 약간 더 뻑뻑한 느낌이었죠. 그래서 수용성 아마씨유를 사용해서 질감을 부드럽게 만들었습니다. 어떤 분들은 그림 전체에 오일 미디엄을 사용하는 것을 좋아하실 수도 있겠네요. 저는 대부분 물로 희석하거나 팔레트에서 바로 물감을 꺼내 사용했습니다. 그림을 그리는 데 몰두하다 보면 명암, 가장자리, 색온도, 형태에 집중하느라 도구와 재료는 잊어버리기 쉽습니다. 평소와는 다른 종류의 유화 물감을 사용했지만, 편안하게 작업할 수 있었고 제 화풍에 아주 잘 어울린다는 것을 알았습니다. 저는 물감을 묽게 했다가 걸쭉하게 하는 과정을 반복하며, 바위, 눈, 구름의 빛 표현에는 과감한 붓질을 더하는 것을 좋아합니다.
이 수성 유화 물감은 추운 날씨를 포함한 모든 상황에서 잘 작동했고, 물만으로도 아주 쉽게 세척할 수 있었습니다. 테레빈유나 미네랄 스피릿의 독성에 대해 걱정할 필요도 없었죠. 또한, 물감이 그림을 그리는 내내 (그리고 완성 후에도) 유연한 상태를 유지해서 아크릴 물감처럼 붓이 마를 걱정도 없었습니다. 전반적으로 아주 만족스러운 경험이었습니다!
