실물이나 사진을 보고 성공적으로 그림을 그리는 것은 무엇을 포함하지 않을지 결정하는 과정의 핵심입니다. 어떤 대상을 그리든, 그림을 그리기 시작할 때 눈앞에는 그림에 담아야 할 정보보다 훨씬 더 많은 정보가 있습니다. 우리의 눈은 미묘한 명암, 색감, 질감을 감지할 수 있지만, 우리가 볼 수 있는 것의 절반이라도 그림에 담으려 한다면 보는 이에게 아무런 여지를 남기지 않는 과하게 그려진 그림이 될 것입니다.

제가 가장 감탄하는 그림들은 최소한의 수단만을 사용하는 진정한 절제미를 보여줍니다. 지나치게 구체적으로 묘사하지 않으면서도 대상의 존재감을 느끼게 해 줍니다. 만약 그림이 제게 필요 이상으로 많은 것을 보여준다면, 저는 마치 그 작가가 의도한 관객이 아닌 것처럼 소외감을 느끼게 됩니다. 최고의 작품에서는 작가, 매체, 그리고 관객 사이에 시각적 감수성을 공유하는 경험을 바탕으로 한 교감이 이루어집니다. 저는 제 작품의 관객들도 같은 생각을 할 것이라고 가정하고, 제가 추구하는 것과 같은 경험을 그들에게 선사하려고 노력합니다.

핵심 요소에 집중하여 단순화하세요

눈에 보이는 모든 것을 그림에 담아야 하는 것은 아닙니다. 정보가 너무 많으면 그림 속 공간감이 무너지는 경향이 있습니다. 중요한 것은 정보의 홍수를 단순화하는 방법을 찾는 것입니다. 특히 보는 사람의 시선을 끌 필요가 없는 부분에서 더욱 그렇습니다. 원본 이미지(사진이나 실제 풍경)를 직접 보는 것과 그림을 보는 것은 다릅니다. 원본 이미지에서 시선을 움직이면 어디를 보든 많은 세부 사항을 볼 수 있습니다. 밝은 흰색과 매우 어두운 색은 멀리서도 잘 보이지만, 배경에 모든 명암을 표현하면 배경이 의도한 초점만큼 시각적으로 중요해 보일 수 있습니다. 그러면 배경이 그림 평면에서 앞으로 튀어나와 공간감이 혼란스러워집니다.

그렇다면 우리는 무엇을 구체적으로 보여주고 무엇을 암시할지 어떻게 선택해야 할까요? 대상의 본질적인 요소를 찾는 것은 물론 개별 예술가의 선호도에 달려 있지만, 일반화를 위해 대상의 실체를 설득력 있게 표현하고, 실제 공간의 환상을 만들어내며, 빛의 조화를 이루는 것을 목표로 한다고 가정해 봅시다.

값 – 가장 중요한 변수

사실적인 그림을 그리는 과정에서 작용하는 모든 변수 중 가장 중요한 것은 단연 명암입니다. 색채 사용은 상상력이 풍부하거나 분위기 있을 수 있고, 드로잉은 정확성에서 크게 벗어날 수도 있지만, 명암 관계가 정확하기만 하면 그림은 견고해집니다. 대상을 5단계 명암의 단색 스케치로 시작하는 것은 그림의 기본 구조를 파악하는 좋은 방법입니다. 이미지를 흰색, 밝은 회색, 중간 회색, 어두운 회색, 검정색으로 제한하면 방대한 정보를 단순화할 수 있습니다. 저는 다음과 같은 색상을 선택했습니다. 카르바졸 바이올렛 내 스케치를 위해 블루 도어즈 — 검은색을 표현할 만큼 어두워질 수 있는 색상입니다. 간단해 보이지만, 이 빠른 스케치는 어떤 부분에 더 섬세한 표현이 필요한지, 어떤 부분은 대략적인 처리로 충분한지를 결정하는 데 참고 자료 역할을 합니다.

이 스케치를 다시 살펴보면 몇 가지 사실이 분명해집니다. 우선, 매우 복잡한 그림입니다. 거의 모든 요소가 비교적 얕은 공간 안에서 펼쳐집니다. 직사각형, 타원, 선, 원기둥들이 벽이라는 틀 안에서 각각 따로 떠다니는 듯합니다. 따라서 벽 자체의 복잡한 질감에는 초점을 맞추지 않겠습니다. 이미 그 평면에는 충분히 많은 요소들이 담겨 있기 때문입니다. 주요 형태들의 명확성을 해치지 않으면서 질감의 풍부함을 암시하는 방법을 찾아보겠습니다.

다음으로, 가장 어두운 부분은 드물지만 매우 중요합니다. 표면에 얇게 몇 번만 덧칠해도 깊이감과 견고함을 더해줍니다. 효과가 워낙 강렬해서 많이 덧칠하고 싶은 유혹이 들겠지만, 과하게 칠하기 쉽습니다. 마지막 레이어를 칠할 때는 보통 처음 몇 번 덧칠한 후 뒤로 물러나서 "이 정도면 충분한가?"라고 스스로에게 묻곤 합니다.

다섯 가지 가치로 표현된 설득력 있는 이미지

단 하나의 색상에서 단 다섯 가지 명암만으로도 설득력 있는 이미지를 구현할 수 있다는 사실은 언제나 흥미롭습니다. 이 경우, 좀 더 미묘하거나 구체적인 표현이 필요한 부분은 몇 군데밖에 없습니다. 제가 이 장면에 처음 매료되었던 문은 좀 더 깊이 있고 풍부한 느낌을 주고 싶습니다. 중앙의 문은 중간 회색, 진회색, 검정색 세 가지 색상으로만 칠했습니다. 최종 버전에서는 밝은 색상을 먼저 칠하고, 중간 색상의 두 번째 레이어에는 몇몇 부분을 "빈 공간"처럼 남겨두면 더 좋을 것 같습니다. 또한, 그림 속 좁은 공간을 강조하기 위해 문은 벽보다 조금 더 어둡게 칠해야 할 것 같습니다.

하늘과 도로의 수평 띠는 전체 이미지를 감싸는 액자 역할을 할 수 있습니다. 특히 이미지 양쪽 가장자리가 불규칙적으로 잘려 있기 때문에, 이 띠들은 여러 형태들을 모두 담아낼 것입니다. 하늘은 충분히 넓어서 그 자체로 존재감을 드러내지만, 아래쪽의 좁은 도로는 더욱 명확하게 수평으로 보여야 합니다. 도로를 묘사하는 느슨한 선들이 평평하게 유지되도록 주의해야 합니다.

밝은 것에서 어두운 것으로, 일반적인 것에서 구체적인 것으로

수채화의 유동적이고 투명한 성질은 빛에서 어둠으로, 일반적인 것에서 구체적인 것으로 나아가는 논리적인 그림의 진행 과정을 암시합니다. 최종 그림을 시작하기 전에 저는 주제를 이러한 진행 과정에 따라 겹겹이 쌓인 여러 겹의 레이어로 이해하려고 노력합니다. 마치 투명한 막들이 연속적으로 겹쳐져 이미지의 전체적인 복잡성을 만들어내는 것처럼 상상합니다. 각 레이어에는 칠해지지 않은 부분, 즉 "구멍"이 있어 이전 레이어가 그대로 드러나게 됩니다. 다시 한번, 5단계 명암 스케치는 무엇부터 시작해야 할지 결정하는 데 지침이 되어줍니다.

몇 가지 기본적인 질문을 통해 그림 계획을 세울 수 있습니다.

1. 그림에서 가장 밝은 넓은 부분은 어디인가요? 이 경우에는 분명히 벽이므로, 거기서부터 시작하겠습니다.

2. 저 전체 영역에 칠할 수 있는 단일 색상이 있을까요? 그림 중앙 부분 대부분은 따뜻한 황갈색의 회반죽 색으로 덮여 있는데, 그 색을 칠하기 전에 다른 질문을 하나 더 드려야 할 것 같습니다.

3. 칠해야 할 부분이 있을까요? 큰 형태 안에서 첫 번째 레이어로 옅은 갈색이 칠해지면 안 되는 부분을 찾고 있습니다. 명암 스케치에서 확인한 몇몇 흰색 부분은 그대로 유지해야 합니다. 안쪽 타일에는 하이라이트를 남겨두고 싶어서 일단 그 타원형 부분 전체를 칠해 두겠습니다. 문의 파란색이 선명하게 보이도록 하고 싶어서 벽보다 훨씬 어둡겠지만 문도 흰색으로 남겨두겠습니다. 황토색과 옅은 티타늄색을 섞어서 꽤 젖은 상태로 칠했습니다. 다음 질문을 생각해 볼 시간을 벌기 위해서요.

4. 아직 마르지 않았을 때 해야 할 일이 있을까요? 표면을 너무 복잡하게 만들지 않으면서 벽의 복잡한 질감을 표현할 수 있는 기회입니다. 첫 번째 칠에 다른 고채도의 중성색을 섞어 넣으면 필요한 만큼의 다양성을 더할 수 있고, 부드러운 가장자리 덕분에 나중에 추가될 문과 그림자의 더욱 뚜렷한 형태와 충돌하지 않습니다. 일반적으로 전체적인 질감과 복잡성은 칠이 마르기 전 첫 번째 레이어에 표현하는 것이 좋습니다. 회반죽 벽의 얼룩과 반점이 좋은 예입니다. 나중에 간판의 그림자처럼 더 구체적인 레이어를 그 위에 덧입히면 전체적인 질감을 하나로 묶어주는 역할을 합니다.

레이어 1

저는 그림 전체에 첫 번째 레이어를 먼저 칠한 후, 특정 부분에 두 번째, 세 번째 레이어를 칠하는 것을 추천합니다. 전체적인 구도를 초기에 잡아두면 그림 전체가 하나로 연결된 느낌을 줍니다. 솔직히 말하면, 저도 이 부분에서 제 규칙을 가장 자주 어기곤 하는데, 지금 그리고 있는 부분이 다음 레이어를 칠했을 때 어떻게 보일지 궁금해서 그런 것 같습니다. 예를 들어, 문 자체에 첫 번째 레이어를 칠하기 전에 문 주변의 그림자를 먼저 칠하면 그림 속 공간의 깊이감을 표현하기가 매우 어려워집니다. 하지만 파란색 첫 번째 레이어를 칠하는 순간, 벽이 비로소 연속적이고 견고한 느낌을 주기 시작합니다.

레이어 2

이미지의 각 부분의 상대적인 중요도를 파악했다면 각 부분에 몇 개의 레이어를 사용할지 결정할 수 있습니다. 예를 들어 멀리 있는 산은 한 번의 밝은 칠만으로도 충분할 수 있지만, 중간 거리의 건물은 네 개의 레이어로 이루어진 명암 범위를 모두 사용해야 할 수도 있습니다. 이 그림에서 가장 복잡한 부분은 문이므로, 문을 만드는 데 사용된 레이어의 진행 과정을 살펴보겠습니다. 각 레이어를 적용하기 전에 저는 기본적인 질문들을 다시 한번 던집니다. 오른쪽에 있는 문을 보면 가장 밝은 파란색의 첫 번째 레이어(1, 2)가 보입니다. 파란색을 기본으로 사용할 수 없는 네 개의 직사각형 주변을 칠한 것을 알 수 있습니다(3). 첫 번째 칠 안에는 마르기 전에 색을 덧칠한 부분도 몇 군데 있습니다(4).

다음 이미지에서 같은 문에는 이제 약간 더 어두운 파란색의 두 번째 레이어가 덧입혀져 있습니다. 저는 여기서 네 개의 직사각형을 다시 유지하고, 그 주변의 첫 번째 레이어 일부를 남겨 돌출된 패널의 가장자리가 되도록 하고 싶었습니다. 이 레이어가 이전 레이어보다 더 작고 세밀하다는 것을 알 수 있습니다. 이 레이어를 구성하는 붓질은 모두 연결되어 있지만, 번짐은 점차 개별적인 붓질로 분리되기 시작합니다.

레이어 3

완성된 그림에서 같은 부분을 보면 두 개의 레이어가 더 보입니다. 처마의 그림자는 명암 연구의 어두운 회색에 해당합니다. 또한 돌출된 패널의 음영을 표현하기 위해 몇 가지 특정한 붓질을 추가했습니다.

현재 레이어가 작고 분리된 붓질로 이루어져 있다는 것을 확인하는 순간, 저는 멈춰야 할 적절한 지점에 가까워졌다는 것을 알게 됩니다. 이 순간을 알아차리는 것이 가장 중요한 기술일지도 모릅니다. 마치 다른 사람이 그린 그림처럼 자신의 그림을 바라볼 수 있어야 한다는 뜻입니다. 너무 많은 정보를 제공하는 것보다 정보가 부족한 쪽이 낫다는 것을 기억하세요. 시간이 지나고 그림에서 좀 더 객관적인 시각을 갖게 되면, 그때 부족한 붓질을 추가하면 됩니다.

레이어 4

이제 완성된 그림의 오른쪽에 있는 문을 보고 이 과정을 역순으로 생각해 보세요. 저는 네 개의 층을 세어 봤는데, 각 층은 이전 층보다 더 작고 어둡습니다.

관찰을 통해 배우세요

감탄하는 그림을 분석적으로 살펴보면 얼마나 많은 겹겹이 칠해져 있는지 알 수 있습니다. 어떤 층이 먼저 칠해졌고, 그 다음 층이, 또 그 다음 층이 차례로 칠해졌는지 파악해 보세요. 생각보다 많은 겹겹의 층이 있어도 사실 매우 사실적인 밀도와 빛을 표현할 수 있다는 사실에 놀랄지도 모릅니다. 서전트의 섬세해 보이는 그림들 중 상당수는 단 세 겹의 층으로 이루어져 있습니다. 그의 놀랍도록 복잡하고 유동적인 물 표현은 대부분 세로 방향으로 덧칠한 첫 번째 층과 가로 방향으로 덧칠한 두 번째 층만으로 완성됩니다.

물론, 단순한 레이어의 연속으로 표현하기 어려운 주제들도 있겠지만, 그림 그리는 과정을 단순화하는 일반적인 접근법으로는 효과적인 출발점입니다. 자, 이제 앞으로 나아가 봅시다!

톰 호프만의 블루 도어스