Чому ви займаєтесь мистецтвом?
Мистецтво завжди було моїм способом поєднання раціонального світу інженерії з емоційною сферою вираження. Я створюю мистецтво, щоб втекти від структурованого цифрового середовища моєї професії та знову поєднатися з чимось аналоговим, плинним, непередбачуваним і глибоко людським. Акварель, зокрема, продовжує мене дивувати — це діалог між наміром і спонтанністю, який ніколи не перестає вражати.

Як довго ви малюєте?
Я малюю ще зі школи, почавши з середини 1990-х років з графіті та аерозольного мистецтва в Падуї. Протягом десятиліть я досліджував багато видів мистецтва, але акварель справді захопила мене і стала моїм головним напрямком з моменту, коли я її відкрив для себе. Я залежний від акварелі.

У вас була офіційна художня освіта?
Хоча я починав як художник-самоучка, пізніше відвідував курси з техніки олівцевого, акрилового та олійного живопису. Мій офіційний шлях поглибився, коли я познайомився з аквареллю та почав шукати структурованого навчання через майстер-класи, що зрештою призвело до того, що я сам почав її викладати.

Ви працюючий художник чи любитель?
Я — художниця за фахом — моя друга професія. Я викладаю акварель через асоціацію Onda Creativa, яку я заснувала у 2019 році разом із трьома іншими художниками. Я регулярно проводжу онлайн та очні заняття, а також активно беру участь у виставках, конкурсах та фестивалях.

У чому та/або у кого ви шукаєте натхнення?
Я черпаю натхнення з повсякденного життя — фігур, інтер'єрів та пейзажів, що викликають настрій та світло. Я також люблю дивитися старі відреставровані відео початку 1900-х років, щоб знаходити сюжети з минулого. У художньому плані на мене впливає унікальне поєднання англо-американських та японських майстрів і манґак образного спрощення, чия здатність передавати суть мінімальними штрихами глибоко резонує зі мною. Деякі імена, перш за все, це Едвард Сіаго, Джон Ярдлі, Чарльз Рід, Хірохіко Аракі та, звичайно ж, Хаяо Міядзакі.

Яку музику ви слухаєте під час малювання?
Коли я малюю, я часто віддаю перевагу олдскульному хіп-хопу або японській поп-музиці 1990-х.

У вас був наставник?
Замість одного наставника, мене сформувала спільнота захоплених художників та майстрів, з якими я познайомився через Onda Creativa та міжнародні заходи. Їхня відданість та щедрість навчили мене так багато, як могла б навчити будь-яка формальна освіта.

Ви малюєте щодня?
Так. Я маю малювати або робити ескізи щодня, навіть якщо це лише короткий час з кількома кольоровими зразками. Ввечері, після того, як я вкладаю дітей спати, це щоденний ритуал, який тренує мою руку та підтримує поток моєї творчої енергії.

Ви малюєте одну роботу за раз чи працюєте над кількома одночасно?
Зазвичай я зосереджуюся на одному творі за раз, щоб повністю зануритися в його атмосферу та історію.

Ви спочатку створюєте концептуальний твір?
Зазвичай я починаю з вільної ідеї чи настрою, іноді з швидкого ескізу чи ціннісного дослідження, але залишаю місце для спонтанності. Акварель винагороджує відкритість до неочікуваного.

Ви надаєте перевагу живопису в студії чи на пленері?
Обидва мають свою чарівність. Студійна робота дозволяє глибоко зосередитися та контролювати умови, тоді як живопис на пленері загострює спостереження та передає душу місця, оточеного щастям та дружбою з іншими художниками. Я ціную баланс.

Скільки основних кольорів ви використовуєте?
Я працюю з ретельно підібраною палітрою з 10-12 основних кольорів, що дає мені широкий діапазон, зберігаючи при цьому гармонію. Я використовую як прозорі, так і непрозорі пігменти.

Трубки, сковорідки чи палички?
В першу чергу, це сковорідки та трубки. Сковорідки ідеально підходять для подорожей та роботи на пленері; трубки зручні в студії, коли мені потрібно швидко приготувати більш насичений розчин.

Ви використовуєте маскувальну рідину?
Зазвичай ні, але я думаю, що це техніка, яку варто викладати на своїх уроках. У своїх картинах я надаю перевагу збереженню білих кольорів, малюючи навколо них. Це складно, але на даний момент я вважаю, що це мій улюблений спосіб збереження білих кольорів.

Коли ви знаєте, що ваш твір готовий?
Це ледь помітний момент — зазвичай, коли я відчуваю, що картина сказала те, що мала сказати. Якщо я знову беруся за пензель без чіткої причини, я знаю, що час зупинитися.