Нещодавно я повернувся з екскурсії по майстерні, включаючи Аляску та Орегон. На своїх майстер-класах я вважаю, що одним із найважчих для осягнення прийомів є використання зв’язаних форм і значення. Кілька років тому я розпочав усі свої семінари з дослідження значення нейтрального відтінку, яке поступово переросло в мої дослідження вартості/композиції графіту, які я проводжу до більшості своїх картин.

В штаті Орегон я вирішив повернутися до демонстрації напівмонохроматичної акварелі, щоб студенти побачили пряму кореляцію між ескізом налаштування та розумовими і письмовими нотатками про те, як відредагувати тему до її суті без додаткової спокуси колір. У своїх картинах я рідко дозволяю точності перевершувати гарну композицію і звільняюся від редагування й переміщення об’єктів, як я хочу. Моя єдина мета – відобразити те, як місце викликає у мене відчуття. Я вважаю, що цей тип сцени дуже корисний у майстерні, оскільки ми розглядаємо форми та як їх з’єднати. Ми також використовуємо кілька типів миття та мазків пензля, щоб додати атмосфери та інтересу. По суті, картина настільки складна, наскільки ви хочете її зробити.

Моє перше запитання під час перегляду сцени, чи я малюю зовні, чи з еталонних фотографій та ескізів, — як я можу відредагувати це / що є справжньою темою? Задаючи собі ці запитання, ми починаємо процес усунення непотрібних деталей і починаємо визначати свої цілі. На цій картині мене привабило відчуття відстані, розміри каменів на пляжі та, нарешті, оглядовий майданчик. У цьому випадку я вирішив показати пляж під час відливу, щоб пограти з відблисками від припливних басейнів і уникайте перевантаження берега. Для цих рішень я використовую умови, що запам’яталися раніше вдень або з інших місць з подібними формами рельєфу.

Вступний ескіз перед початком малювання має важливе значення для розуміння вашої теми та того, як ви будете до неї ставитися. Вони, як правило, дуже вільні, і я відступаю назад і дивлюся на більші форми і на те, як вони працюють. Я зроблю нотатки про те, як змінити малюнок, і пройдусь по етапах картини. Я кажу своїм студентам, що хороший художник повинен бачити на кілька кроків попереду і знати, що будівництво від світла до темряви може бути дуже простим, якщо ви пам’ятаєте, що темніші значення покриватимуть помилки, які ви робите під час початкового прання. Чим більше вони практикують різнобарвне прання та обробляють всю сторінку, а не «розділи», це допомагає об’єднати композицію, а не ризикувати її фрагментацією.

Рекомендована палітра акварелі

• ДЕНІЕЛ СМІТ Палена умбра,
• DANIEL SMITH Raw Sienna,
• ДЕНІЕЛ СМІТ французький ультрамарин,
• ДЕНІЕЛ СМІТ хінакридон паленого апельсина,
• ДЕНІЕЛ СМІТ Китайський Білий, і
• DANIEL SMITH Нейтральний відтінок

Перший прохід, лише щоб створити настрій та створити підмалюнок, який пов’язує роботу разом. Моя малярна поверхня груба Fabriano Artistico 300 фунтів, і я використовував Escoda Versatil 14 round і Versatil 3/4” flat.

Фарби DANIEL SMITH Burnt Umber, Raw Sienna, French Ultramarine, Quinacridone Burnt Orange, China White і Neutral Tint. Я використав серію різноманітних змивів у поєднанні з швидкими сухими мазками пензля, щоб запропонувати світло на воді та, нарешті, створити високу траву та ділянки теплих тонів за допомогою Burnt Orange. Я кинув у небо суміш французького ультрамарину та випаленого апельсина, щоб підказати настрій, і, поки це було вологим, попрацював у перших шарах хмар, використовуючи китайський білий.

Кілька наступних знімків зроблені на одному дыханні з різною силою, коли ми просуваємося вперед у картині. Я скинув трохи додаткового тону, щоб надати скелі Haystack трохи потужності в її основі, і продовжував додавати трохи більше своїх водойм, коли я наближався до переднього плану, де я ввів трохи сирої сієни, щоб імітувати суху траву на обриві. Це базове блокування. Я суджу про інтенсивність цінності та міцність форм каменів та інших елементів, нагадуючи собі, що наступні мийки охоплюють будь-які мої рухи, якщо я побачу щось, що мене не влаштовує. Це допомагає мені не вагатися і дає змогу малювати всією рукою широкими мазками.

Останні кроки полягали в тому, щоб надати передньому плану сильні темні відтінки, використовуючи суміш нейтрального відтінку, випаленого помаранчевого та відтінку французького ультрамарину. Використовуючи плоский, я висушував щіткою перила, а потім у дуже вологому пранні люди змішували нейтральний відтінок рівними штрихами для темних відтінків трави. Я додав освітлювальні стовпи, щоб з’єднати передній план із середнім, а за допомогою пляшки з розпилювачем додав пару або два для текстури. Поки це висихало, я використав китайську білу на задньому плані, щоб пом’якшити небо та скелю копиці сіна.

Я повернувся до картини, залишивши її на ніч. Я вирішив додати більше відображення до Haystack Rock, щоб зв’язати фон із серединою, і знову промив небо чистою водою, щоб посилити відчуття атмосферної перспективи. Ці картини, як правило, швидко йдуть у мене. Сумніваюся, що я витратив більше півтори години від початку до кінця, що допомагає зі спонтанними мазками пензля та більш невимушеним відчуттям у всьому малюнку. Я кажу своїм учням, що вільний малюнок допоможе створити вільний малюнок; але жорсткий, безумовно, призведе до набагато більш контрольованої роботи. Незалежно від того, чи ваша фантазія — деталі чи жести, ці вправи надзвичайно приємні, навчаючи цінних уроків про прання, мазки та цінність. Чим менше ми чітко заявляємо, тим більше наші картини заохочують глядача зробити власні висновки про твір і створити власні історії щодо нього. Чим більше я малюю, тим більше вважаю, що для мене такий спосіб роботи є найбільш приємним.

Іен Стюарт AWS/NWS