У міжсезоння я була зайнята роботою у своїй студії, випробовуючи деякі нові (для мене) кольори DANIEL SMITH та вирішуючи, чи варто вносити кілька змін до своєї палітри.. Як завжди з цими новими фарбами, мені подобається порівнювати їх з подібними кольорами, які я вже використовую, та комбінувати їх по-новому та цікаво. Нові кольори, що складають більшість наступних картин, це... Справжній содаліт (а ПрімаТек) Сира Сієна Лайт, та Хінакридон Роуз. Коли я тестую нові кольори, мені подобається спостерігати, як вони змішуватимуться, а також як вони глянсують після попередніх розмивань. Я набагато більше працюю сухим пензлем, що може бути трохи лякаюче, але як тільки ви навчитеся контролювати кількість води/пігменту у вашому пензлі, вологість або сухість паперу, результати можуть бути фантастичними. Ці навички надзвичайно корисні, якщо спочатку потренуватися на чистому аркуші паперу без малюнка. Я вважаю, що експерименти з чимось, на що ви витратили час, роблять людину більш схильною стримуватися та захищати зображення. Якщо немає чого захищати, ви можете експериментувати, скільки забажає ваше серце, та знаходити нові способи самовираження. У цьому випадку три кольори, які я вибрав, безпосередньо вплинули на те, як я уявляв собі атмосферу картини, і, як ви можете бачити на покрокових фотографіях, досить добре поєднують зображення.

Я малюю високоякісними синтетичними пензлями, зокрема круглим № 12, шваброю № 14, пензлем Mottler № 18 та невеликим шпателем для малювання тонких ліній.. Мотлер здебільшого використовується для сухого малювання великих площ, а круглий — для деталей. Швабра — майстер на всі руки, вона дозволяє мені наносити багато води на папір і експериментувати з вологим пензлем у вологих ситуаціях.

Папір, який я використав для цієї картини, — це шорсткий акварельний папір 140#.. Оригінальна картина виконана більшою, ніж я очікував, тому я можу обрізати її за потреби. Фінальне зображення має розмір 18 дюймів x 12 дюймів.

Ієн Стюарт зі своєю аквареллю «Себіл Буфе — Стамбул».

Перш ніж ми почнемо цікавитися, дозвольте мені розповісти вам про те, як я підходжу до своєї роботи.. Якщо я беруся створити шедевр, то зазвичай зазнаю невдачі в цій спробі. Коли я працюю, я намагаюся уявити собі якомога більше образу, тобто які кроки я робитиму і в якому порядку. Де я зберігатиму освітлення. Колірну гаму і, нарешті, неймовірно звільняюче відчуття: “Ну, давайте подивимося, куди це мене приведе”. Після невеликого читання ввечері, коли я починаю засинати, я зазвичай малюю його в голові. Це чудовий спосіб заснути, але будьте попереджені, гарною ідеєю буде те, щоб я сідав прямо і біг до студії, щоб робити нотатки.

Я працюю з розумінням того, що мені дозволено зазнавати невдачі, і що я малюю для власного задоволення.. Я вважаю, що коли дотримуюся цих правил, то гублюся в теперішньому моменті, і для мене це найкраще місце.

Крок 1. Малюнок.

Крок 1 – Малюнок

Гаразд, це виглядає досить складно, і певною мірою так і є. Я маю архітектурну освіту і досі працюю архітектурним ілюстратором. Тож ця деталізація часом мене вражає, і я навчився підлаштовуватися під те, що хочу намалювати, і наскільки вільним чи деталізованим це може бути. Наступна тема — справжній відхід. Те, як я завершую ці малюнки, для деяких є виснажливою вправою. Я починаю з невеликих мініатюрних ескізів, а коли визначаюся з композицією, починаю малювати. Мене навчили цієї техніки в архітектурній школі, і коли мені потрібні деталі, це все ще мій вибір. Я малюю зображення на кальці, а потім покриваю його ще одним шаром кальки, щоб почати підчищати/змінювати речі тут і там. Цей процес може зайняти деякий час, щоб все було правильно. Це, по суті, зняття лушпиння з цибулі. Це означає, що я можу бачити малюнки під ними та масажувати їх по ходу роботи. Як тільки малюнок завершено до мого задоволення, я переношу його на акварельний папір, використовуючи м’який грифель 2B та обводячи намальовані лінії у зворотному порядку. Потім я перевертаю кальку та використовую твердіший грифель F, щоб перенести оригінальні лінії на папір. Немає потреби в світловому коробі чи трасуванні, це лише час і терпіння. Для цього кроку я раджу скористатися гарною книгою на плівці.

Крок 2. Підмивання.

Крок 2 – Підмивання

Першим кроком у всіх моїх картинах є підстилка, яку я використовую для закріплення кольорів зображення та збереження світлих ділянок.. Я є амбасадором Daniel Smith, і вони щедро дали мені багато фарб для випробування. Протягом останнього місяця чи близько того я тестував і вибирав нові кольори для кожної роботи. Цього разу це... ДЕНІЕЛ СМІТ Сира Сієна Лайт, та Хінакридон Роуз з Справжній содаліт для темних тонів. Я малюю великою кількістю води та додаю кольори по ходу малювання. Це вимагає знання вологості вашого паперу порівняно з кількістю води/пігменту у вашому пензлі. Я дуже рідко використовую маскувальну рідину, вважаючи за краще намагатися зберегти світлі ділянки на початку за допомогою пензля, а в кінці розтирати або використовувати трохи гуаші. Зараз я використовую все менше і менше непрозорих кольорів і насолоджуюся дрібними помилками, які трапляються. Як ви можете бачити внизу, я використовую жорсткий 2-дюймовий пензель для розтушовування, щоб створити текстуру за допомогою сухого пензля та штрихування.

Крок 3. Чудовий безлад.

Крок 3 – Чудовий безлад

Як бачите, я починаю вирізати світло та дозволяю малюнку стати більш затемненим.. Мені подобається брати щось досить акуратне та кидати на це все, що можу, щоб порушити відчуття скутості від дуже деталізованого малюнка. Я завжди кажу, що в кожній картині є два малюнки. Один, виконаний олівцем, який ніхто не бачить в кінці, і найважливіший, виконаний пензлем, який видно всім. Ці значення можуть здаватися дуже темними на початку, але будьте певні, що я малюю, знаючи, що мій план цінностей спрацює. Я також не проти зіпсувати один тут і там, і енергія на цих ранніх етапах, безумовно, переноситься на фінал. Багато сухого пензля, пляшки з розпилювачем, мокрого по мокрому, втрачених і знайдених країв.

Крок 4. Блокування та додавання основної колірної схеми.

Крок 4 – Блокування та додавання основної колірної схеми

Це, по суті, ще одна спроба на останньому кроці, але я починаю включати та опрацьовувати деякі основні деталі. Я роблю це, щоб бачити, куди рухається картина з точки зору кольорів, і почати спрямовувати світло туди, де мені потрібна фокусна точка. Трохи Кобальтовий бірюзовий для купола та розміщення основних форм будівель та фігур на задньому плані. Ви можете бачити всі квіти та краплі, що формуються, і я вважаю, що саме тут багато людей втрачають свою початкову ідею. Сподіваючись, що ми все ще на ранніх стадіях картини і що тональність спрацює, я малюю деталі, щоб мати щось, за чим можна оцінити решту картини, коли я вільніше рухаюся до заднього плану.

Крок 5. Натискання світла.

Крок 5 – Натискання світла

Ах, моя улюблена частина. Використовуючи сухий пензель і глибшу суміш для неба кольорів Sodalite Genuine, Quinacridone Rose і Light Raw Sienna, я починаю розтушовувати фон, щоб створити відчуття відстані на зображенні. Набагато більше сухого пензля з важчими сумішами. (Зверніть увагу, що будівлі на фоні починають тьмяніти, хоча на останньому кроці вони були досить вираженими.) Я також знову додаю трохи фінальних темних відтінків, щоб оцінити, наскільки сильно розширити небо та будівлі на фоні. Мені потрібен фінальний тон для роботи звідси, щоб не зайти надто далеко. Штрихове небо починає працювати, але хмара, освітлена сонцем ліворуч, все ще занадто виражена. Не хвилюйтеся, я розберуся з вами пізніше. Також зверніть увагу на форму хмари. Вона майже ідеально повторює побудовану форму ліворуч. Мені доведеться щось з цим зробити. Тут я також дам Ноель поглянути на неї. Її гримаса говорить мені все, що мені потрібно знати. Вона зараз мистецтвознавець після 15 років практики.

Крок 6. Крупний план деталей.

Крок 6 – Крупний план деталей

Просто швидкий детальний знімок, щоб показати вам вплив сухого пензля на будівлю та початок об'єднання фігур..

Крок 7. Чудовий безлад.

Крок 7 – Чудовий безлад

О, моя улюблена частина. Я вже це казав? Хм. Втілюючи останні темряви з Нейтральний відтінок і поглиблення неба. Саме тут мій внутрішній таймер починає ледь чутно гудіти. Я знаю, що я близько, але забагато хорошого може дуже швидко перетворитися на щось погане. Кидати темні кольори праворуч від будівлі та додавати останні деталі до об'єкта. Це дуже тонка межа, якою мені подобається ходити. Це виглядає добре, але я не можу дозволити цьому стати цінним. Якщо є якийсь вірний спосіб щось зіпсувати, то це дозволити цьому стати важливим, перш ніж воно того варте. Ви будете пестити свої картини та хотіти їх “виносити”. Картини, виконані в цьому стилі, завжди виходять краще, коли ви починаєте викидати маленьких пташок з гнізда та дивитися, чи можуть вони літати. Я часто відступаю назад. Дивлюся на це назад через дзеркало над столом і просто відходжу трохи, щоб мої очі могли пристосуватися. Завжди буде щось, що ви пропустили. Я також починаю піднімати деякі темні кольори, щоб дати їм трохи подихати. Я вважаю, що темні кольори найцікавіші, коли їм дозволено змінювати свою яскравість. Знову ж таки, у цьому стилі живопису велика площа майже шовкотрафаретного друку темних кольорів дуже швидко його вбиває. Саме тоді я також часто відкладаю картину в “тайм-аут” і не дивлюся на неї день, тиждень, місяць… залежно від того, наскільки вона була неслухняною.

Sebil Bufe – Стамбул, Ієн Стюарт

Фінал. Себіль Буфе – Стамбул

Найскладніше в будь-якому з них — це знати, коли потрібно піти.. Я пишу собі нотатки після перегляду останнього етапу та дуже критично дивлюся на те, що хочу передати картиною та де я знаходжуся. Я також шукаю візерунки або місця, де основні форми потрібно скоригувати за допомогою сухого пензля або затемнення ділянок. Я вирішила, що небо має стати темнішим, тому використала суміш Quin Rose та Sodalite. Я також змінила форму хмари та додала трохи помаранчевого кольору до дорожніх конусів. Усі дуже незначні зміни, але необхідні. Нарешті, я даю настоятися кілька хвилин і сканую. Тоді починається справжнє задоволення. Я завжди вірю, що скільки б планування я не робила..., Я маю прислухатися до того, що картина намагається мені сказати. Я граюся з різними кадруваннями та коригую тональну ієрархію, доки не буду задоволений. Якщо мені доведеться малювати більше та повторно сканувати, нехай так і буде. Тож, цитуючи Едді Мерфі: “Це так просто!” Тепер вона стоїть у кутку та відпочиває. Я знову подивлюся на неї приблизно через тиждень і подивлюся, чи хочу щось змінити, але поки що я цілком задоволений.

Сподіваюся, вам сподобався цей дещо безладний покроковий огляд, і ви, можливо, почерпнули кілька ідей. Якщо є щось, що, на мою думку, варто наголосити, те, що, на мою думку, ви повинні знати, що на середніх етапах роботи над картиною, Це виглядатиме плоским. Я називаю це занепадом. Усі ваші цінності досить схожі, і лише сміливий крок із кількома темними відтінками додасть вам вітру у вітрила. Вірте в це. Акварелі зазвичай переходять від красивих до досить потворних і, сподіваюся, знову красивих. Ключовим є знання того, що у вас є щось з потенціалом на цих потворних фазах, що витягне це з бруду. Ви зіпсуєте багато картин, використовуючи цей метод, але я вважаю, що зіпсовані картини вчать мене краще, ніж будь-які хороші. Хороші картини, як я вже казав у минулому, схожі на приятелів по чарці. Вони просто кажуть: “Гей, чувак, це просто чудово, чувак... е, передай арахіс”. Погані картини, зіпсовані картини, вчать. Вони є трампліном до яскравіших речей. Поміркуйте над своєю роботою. Я пропоную, щоб після того, як ви плануєте картину і не досягнете бажаних результатів, ви витратили деякий час і записали свій план, як намалювати її знову. Це, як правило, змушує обидві сторони вашого мозку працювати разом, і результати можуть бути досить вражаючими. Дякую, що знайшли час прочитати це, і сподіваюся, що вам сподобається.