J'ai passé la basse saison à travailler dans mon atelier, à tester de nouvelles couleurs (pour moi) de DANIEL SMITH et à réfléchir à d'éventuelles modifications de ma palette.. Comme toujours avec ces nouvelles peintures, j'aime les tester et les comparer à des couleurs similaires que j'utilise déjà, en les combinant de manière originale et intéressante. Les nouvelles couleurs qui composent la majeure partie du tableau suivant sont : Sodalite authentique (un PrimaTek) Sienne naturelle claire, et Rose de quinacridone. Lorsque je teste de nouvelles couleurs, j'aime observer leurs mélanges et leurs effets de glacis sur les lavis précédents. Je pratique beaucoup plus la technique du pinceau sec, qui peut paraître intimidante au premier abord, mais une fois qu'on maîtrise le dosage eau/pigment du pinceau en fonction de l'humidité du papier, les résultats sont fantastiques. Ces techniques sont extrêmement utiles si l'on s'exerce d'abord sur une feuille blanche, sans dessin. J'ai constaté qu'expérimenter sur un dessin déjà réalisé a tendance à nous freiner et à nous rendre plus protecteurs envers notre image. Sans rien à protéger, on peut expérimenter à loisir et trouver de nouvelles façons de s'exprimer. Dans ce cas précis, les trois couleurs que j'ai choisies ont influencé directement l'atmosphère que j'envisageais pour cette peinture et, comme vous pouvez le voir sur les photos étape par étape, elles contribuent à l'harmonie de l'ensemble.
Je peins avec des pinceaux synthétiques de haute qualité, et notamment un pinceau rond n° 12, un pinceau à surfacer n° 14, un pinceau estompeur n° 18 et un petit couteau à palette pour les traits fins.. Le pinceau à dégradé sert principalement au brossage à sec sur de grandes surfaces, tandis que le pinceau rond est idéal pour les détails. Le pinceau à franges est un outil polyvalent qui me permet d'humidifier abondamment le papier et de travailler l'effet humide dans des conditions humides.
Le papier que j'ai utilisé pour cette peinture est du papier aquarelle à grain 140#.. La peinture originale est plus grande que prévu afin de pouvoir la recadrer si nécessaire. L'image finale mesure 18 po x 12 po.
Iain Stewart et son aquarelle Sebil Bufe-Istanbul.
Avant de nous lancer dans des explications techniques, permettez-moi un instant de vous parler de ma façon d'aborder mon travail.. Si je me lance dans la création d'un chef-d'œuvre, j'échoue généralement. Lorsque je travaille, j'essaie d'avoir en tête le maximum d'éléments de l'image : les étapes à suivre et leur ordre, l'emplacement des sources de lumière, la palette de couleurs et, enfin, cette incroyable sensation de liberté : “ Voyons où cela me mène. ” Après une petite lecture le soir, au moment de m'endormir, je peins généralement l'image mentalement. C'est une douce façon de s'endormir, mais attention : une bonne idée me fera sursauter et courir à l'atelier pour prendre des notes.
Je travaille en partant du principe que j'ai le droit à l'erreur et que je peins pour mon plaisir.. Je constate que lorsque je suis ces règles, je suis complètement absorbé par l'instant présent et, pour moi, c'est le meilleur endroit où être.
Étape 1. Le dessin.
Étape 1 – Le dessin
Bon, ça a l'air assez compliqué, et ça l'est dans une certaine mesure.. J'ai une formation en architecture et je suis toujours illustratrice d'architecture. Il m'arrive donc d'être attirée par le détail, et j'ai appris à me laisser guider par mon inspiration, quel que soit le niveau de détail souhaité. Le sujet suivant est un tout autre registre. Ma méthode de dessin peut paraître fastidieuse. Je commence par quelques croquis rapides, puis, une fois la composition définie, je me lance dans le dessin. C'est une technique que j'ai apprise à l'école d'architecture et que j'utilise encore systématiquement pour les détails. Je dessine l'image sur du papier calque, puis je la recouvre d'une autre couche de calque pour pouvoir ensuite peaufiner et modifier certains éléments. Ce processus peut prendre du temps. C'est un peu comme peler un oignon : je peux voir les dessins en dessous et les retoucher au fur et à mesure. Une fois le dessin à mon goût, je le reporte sur du papier aquarelle en traçant les lignes à l'envers avec un crayon 2B tendre. Ensuite, je retourne le calque et j'utilise un crayon F plus dur pour reporter les lignes originales sur le papier. Pas besoin de table lumineuse ni de calque, il faut juste du temps et de la patience. Je vous conseille un bon livre audio pour cette étape.
Étape 2. Le sous-lavage.
Étape 2 – Le sous-lavage
La première étape de toutes mes peintures est le lavis, qui me permet de fixer les couleurs et de réserver les rehauts.. Je suis ambassadrice pour Daniel Smith et ils m'ont généreusement offert de nombreuses peintures à tester. Depuis environ un mois, je teste et choisis de nouvelles couleurs pour chaque œuvre. Cette fois-ci, il s'agit de… DANIEL SMITH Sienne naturelle claire, et Rose de quinacridone avec Sodalite authentique Pour les tons foncés, je peins avec beaucoup d'eau et j'ajoute les couleurs au fur et à mesure. Cela nécessite de bien connaître l'humidité du papier et la quantité d'eau/pigment sur le pinceau. J'utilise très rarement du liquide de masquage, préférant préserver les rehauts dès le début avec le pinceau, puis les estomper ou utiliser un peu de gouache à la fin. J'utilise de moins en moins de peintures opaques et j'apprécie les petites imperfections qui surviennent. Comme vous pouvez le voir en bas, j'utilise un pinceau estompeur rigide de 5 cm pour créer de la texture par brossage à sec et hachures croisées.
Étape 3. Le glorieux désordre.
Étape 3 – Le glorieux désordre
Comme vous pouvez le voir ici, je commence à estomper la lumière et à laisser le dessin s'obscurcir davantage.. J'aime partir d'un dessin assez net et y apporter ma touche personnelle pour en assouplir la rigidité. Je dis toujours qu'il y a deux dessins dans chaque tableau : celui au crayon, invisible à la fin, et le plus important, au pinceau, visible de tous. Ces valeurs peuvent paraître très sombres au départ, mais rassurez-vous, je peins en ayant la certitude que mon plan de valeurs fonctionnera. Je n'hésite pas non plus à en gâcher un ou deux, et l'énergie de ces premières étapes se retrouve indéniablement dans la version finale. Beaucoup de brossage à sec, de vaporisateur, de technique humide sur humide, de contours flous et précis.
Étape 4. Définition et ajout du schéma de couleurs principal.
Étape 4 – Définition et ajout du schéma de couleurs principal
Il s'agit en fait d'une nouvelle tentative pour la dernière étape, mais j'y intègre et travaille certains détails importants.. Je fais cela pour visualiser l'évolution des couleurs du tableau et pour commencer à diriger la lumière vers le point focal. Turquoise cobalt Pour le dôme, je commence par esquisser les formes principales des bâtiments et des personnages en arrière-plan. On voit déjà les touches et les nuances se former, et je constate que c'est souvent à ce stade que les artistes perdent de vue leur idée de départ. Convaincu que nous sommes encore au début de la création et que les valeurs tonales s'harmoniseront, je peins les détails afin d'avoir un point de repère pour le reste du tableau, à mesure que je travaille plus librement l'arrière-plan.
Étape 5. Appuyer sur la lumière.
Étape 5 – Appuyer sur la lumière
Ah, ma partie préférée. J'utilise un pinceau sec et un mélange plus foncé de Sodalite Genuine, de Rose Quinacridone et de Terre de Sienne Naturelle Claire pour estomper le fond et créer une impression de profondeur. J'applique ensuite un pinceau sec plus épais avec des mélanges plus denses. (Remarquez que les bâtiments en arrière-plan commencent à s'estomper, alors qu'ils étaient assez marqués à l'étape précédente.) J'ajoute également quelques touches de noir pour évaluer l'intensité du ciel et des bâtiments. Il me faut une tonalité finale pour ne pas trop forcer. Le ciel hachuré commence à prendre forme, mais le nuage éclairé par le soleil à gauche est encore trop prononcé. Je m'en occuperai plus tard. Notez aussi la forme de ce nuage : il épouse presque parfaitement la silhouette du bâtiment à gauche. Il faudra que je corrige cela. C'est le moment de demander l'avis de Noelle. Sa grimace en dit long. Après quinze ans de pratique, elle est devenue critique d'art.
Étape 6. Gros plan sur un détail.
Étape 6 – Gros plan sur les détails
Voici un petit gros plan pour vous montrer les effets du brossage à sec sur le bâtiment et comment les formes commencent à se dessiner..
Étape 7. Le merveilleux désordre.
Étape 7 – Le merveilleux désordre
Ah, ma partie préférée ! L'ai-je déjà dit ? Hmm. Apporter les dernières nuances sombres avec Teinte neutre et en intensifiant le ciel. C'est là que mon instinct commence à s'emballer. Je sais que je suis proche du but, mais trop, c'est trop, et ça peut vite tourner au désastre. J'ajoute des ombres à droite du bâtiment et peaufine les derniers détails du sujet. C'est un équilibre délicat que j'aime maintenir. Le résultat est prometteur, mais je ne dois pas le laisser devenir précieux. S'il y a bien une façon infaillible de gâcher quelque chose, c'est de lui accorder de l'importance avant qu'il n'en vaille la peine. On a tendance à dorloter ses tableaux, à les materner. Les peintures réalisées dans ce style fonctionnent généralement mieux lorsqu'on commence à laisser les petits détails prendre leur envol. Je prends souvent du recul. Je regarde le tableau à l'envers, dans le miroir au-dessus de mon bureau, et je m'éloigne un instant pour laisser mes yeux se réhabituer. Il y aura toujours quelque chose qui m'aura échappé. Je commence aussi à éclaircir certaines ombres pour leur donner un peu de lumière. Je trouve que les ombres sont plus intéressantes lorsqu'on leur permet de varier leur valeur. Dans ce style pictural, je constate qu'une grande zone de noir, presque sérigraphiée, peut rapidement gâcher l'ensemble. C'est pourquoi je mets souvent une toile de côté pendant un jour, une semaine, un mois… selon son degré de dégradation.
Sebil Bufe – Istanbul, par Iain Stewart
La finale. Sebil Bufe – Istanbul
Le plus difficile dans tout cela, c'est de savoir quand il faut s'en aller.. Après avoir examiné la dernière étape, je prends des notes et j'analyse très attentivement le message que je souhaite transmettre à travers la peinture, ainsi que ma position actuelle. Je repère également les motifs et les endroits où les formes principales nécessitent des ajustements, par exemple à la brosse sèche ou en estompant certaines zones. J'ai décidé d'assombrir le ciel et j'ai donc utilisé un mélange de rose de Quin et de sodalite. J'ai aussi modifié la forme des nuages et ajouté une touche d'orange aux cônes de signalisation. Des modifications subtiles, mais nécessaires. Enfin, je laisse reposer la peinture quelques minutes et je la numérise. C'est là que le vrai plaisir commence. Je suis convaincue que, malgré toute la préparation que je fais, il faut parfois savoir doser les couleurs., Je dois être à l'écoute de ce que la peinture essaie de me dire. Je joue avec différents cadrages et ajuste la hiérarchie des tons jusqu'à ce que le résultat me convienne. S'il faut que je repeigne et que je numérise à nouveau, tant pis. Comme dirait Eddie Murphy : “ C'est aussi simple que ça ! ” Maintenant, elle va se reposer dans un coin. Je la regarderai à nouveau dans une semaine ou deux pour voir si je veux y apporter des modifications, mais pour l'instant, j'en suis assez content.
J'espère que vous avez apprécié ce guide un peu décousu et que vous y avez peut-être glané quelques idées.. S'il y a une chose que je devrais souligner, c'est bien celle-ci., Il me semble qu'il faut savoir que pendant les étapes intermédiaires d'une peinture, Ça va paraître plat. J'appelle ça le marasme. Toutes vos valeurs sont assez similaires et seul un geste audacieux avec des tons foncés pourra redonner du souffle à votre travail. Croyez-y. Les aquarelles passent généralement de magnifiques à assez laides, puis, avec un peu de chance, à nouveau à la beauté. Savoir que vous avez quelque chose de potentiel dans ces phases difficiles, quelque chose qui finira par se révéler, est essentiel. Vous gâcherez beaucoup de tableaux en utilisant cette méthode, mais je trouve que les tableaux ratés sont plus instructifs que les réussis. Les bons tableaux, comme je l'ai déjà dit, sont comme des copains de beuverie. Ils vous disent simplement : “ Hé, mec, c'est vraiment génial… passe-moi les cacahuètes. ” Les mauvais tableaux, les tableaux ratés, sont instructifs. Ce sont les tremplins vers des créations plus brillantes. Réfléchissez à votre travail. Je vous suggère, après avoir planifié un tableau et n'avoir pas obtenu les résultats escomptés, de prendre le temps de noter comment vous comptez le peindre à nouveau. Cela a tendance à faire travailler les deux hémisphères de votre cerveau ensemble et les résultats peuvent être très percutants. Merci d'avoir pris le temps de lire ceci et j'espère que vous l'apprécierez.
