Ik ben in het laagseizoen druk bezig geweest in mijn studio, waar ik een aantal nieuwe (voor mij) kleuren van DANIEL SMITH heb uitgeprobeerd en heb besloten of ik mijn kleurenpalet wil aanpassen.. Zoals altijd test ik met deze nieuwe verfsoorten graag hoe ze zich verhouden tot vergelijkbare kleuren die ik al gebruik, en combineer ik ze op nieuwe en interessante manieren. De nieuwe kleuren die het grootste deel van het volgende schilderij vormen, zijn: Echte sodaliet (A PrimaTek) Rauwe Sienna Licht, En Quinacridone Rose. Bij het testen van nieuwe kleuren kijk ik graag hoe ze zich mengen en hoe ze glanzen op eerdere verflagen. Ik ben de laatste tijd veel meer met de droge kwast aan het werken, wat best intimiderend kan zijn, maar als je eenmaal doorhebt hoeveel water/pigment er in je kwast zit en hoe nat of droog het papier is, kunnen de resultaten fantastisch zijn. Deze vaardigheden zijn enorm nuttig als je ze eerst oefent op een blanco vel papier zonder tekening. Ik merk dat experimenteren op iets waar je al tijd in hebt gestoken, je eerder terughoudend maakt en je beeld gaat beschermen. Als er niets is om te beschermen, kun je naar hartenlust experimenteren en nieuwe manieren vinden om jezelf uit te drukken. In dit geval hadden de drie kleuren die ik koos een directe invloed op hoe ik de sfeer van het schilderij voor me zag en, zoals je kunt zien op de stap-voor-stap foto's, verbinden ze het beeld heel mooi met elkaar.
Ik schilder met hoogwaardige, synthetische penselen, met name een rond penseel nr. 12, een moppenseel nr. 14, een Mottler-penseel nr. 18 en een klein paletmes voor fijne lijnen.. De Mottler gebruik ik vooral voor mijn drybrush-techniek op grote oppervlakken, en de ronde kwast voor de details. De mopkwast is een alleskunner en stelt me in staat om veel water op het papier aan te brengen en te experimenteren met nat-in-nat-technieken.
Het papier dat ik voor dit schilderij heb gebruikt is 140# ruw aquarelpapier.. Het originele schilderij is groter dan ik had verwacht, zodat ik het indien nodig kan bijsnijden. De uiteindelijke afbeelding is 18 x 12 inch.
Iain Stewart met zijn aquarel Sebil Bufe - Istanbul.
Voordat we de diepte in duiken en helemaal in de technische details duiken, wil ik je graag even uitleggen hoe ik mijn werk aanpak.. Als ik probeer een meesterwerk te creëren, mislukt dat meestal. Tijdens het werken probeer ik zoveel mogelijk van het beeld in mijn hoofd te hebben, dat wil zeggen: welke stappen ik zal nemen en in welke volgorde. Waar ik mijn lampen zal plaatsen. Het kleurenschema en ten slotte, het ongelooflijk bevrijdende gevoel van "nou, laten we eens kijken waar dit me brengt". Na wat lezen 's avonds en als ik in slaap begin te vallen, schilder ik het meestal in mijn hoofd. Het is een heerlijke manier om in slaap te vallen, maar wees gewaarschuwd: een goed idee kan me rechtop doen zitten en naar mijn atelier doen rennen om aantekeningen te maken.
Ik werk vanuit het besef dat ik mag falen en dat ik schilder voor mijn eigen plezier.. Ik merk dat wanneer ik deze regels volg, ik helemaal opga in het moment, en dat is voor mij de beste gemoedstoestand.
Stap 1. De tekening.
Stap 1 – De tekening
Oké, dit ziet er vrij ingewikkeld uit, en dat is het tot op zekere hoogte ook.. Ik heb een achtergrond in architectuur en ben nog steeds architectuurillustrator. De neiging om details te benadrukken slaat soms wel toe, maar ik heb geleerd om te werken volgens mijn eigen ideeën en hoe los of gedetailleerd dat mag zijn. Het volgende onderwerp is een heel ander verhaal. De manier waarop ik deze tekeningen maak, is voor sommigen een tijdrovende klus. Ik begin met een paar kleine schetsjes en als ik een compositie heb gevonden, begin ik te tekenen. Deze techniek heb ik geleerd op de architectuurschool en is nog steeds mijn favoriete methode als ik details wil weergeven. Ik teken de afbeelding op calqueerpapier en bedek het vervolgens met een nieuwe laag calqueerpapier, zodat ik hier en daar dingen kan bijwerken en aanpassen. Dit proces kan even duren voordat het goed is. Het is eigenlijk een soort 'uienschil'-techniek. Ik kan de onderliggende tekeningen zien en ze gaandeweg bewerken. Zodra de tekening naar mijn tevredenheid is, breng ik hem over op aquarelpapier door met een zacht potlood (2B) de getekende lijnen in spiegelbeeld over te trekken. Daarna draai ik het calqueerpapier om en gebruik ik een harder potlood (F) om de originele lijnen op het papier over te brengen. Er komt geen lichtbak of overtrektechniek aan te pas, het is gewoon een kwestie van tijd en geduld. Ik raad een goed luisterboek aan voor deze stap.
Stap 2. De onderspoeling.
Stap 2 – De onderspoeling
De eerste stap bij al mijn schilderijen is de onderlaag, die ik gebruik om de kleuren van het beeld vast te leggen en mijn highlights te reserveren.. Ik ben ambassadeur voor Daniel Smith en ze hebben me genereus veel verf gegeven om uit te proberen. De afgelopen maand heb ik nieuwe kleuren getest en uitgekozen voor elk werk. Deze keer is het... DANIEL SMITH Rauwe Sienna Licht, En Quinacridone Rose met Echte sodaliet Voor de donkere tinten. Ik schilder met veel water en breng de kleuren gaandeweg aan. Dit vereist dat je weet hoe nat je papier is in verhouding tot de hoeveelheid water/pigment in je penseel. Ik gebruik zelden maskeervloeistof; ik probeer de highlights liever vanaf het begin met het penseel aan te brengen en ze aan het einde te deppen of een beetje gouache te gebruiken. Ik gebruik steeds minder dekkende verf en geniet van de kleine foutjes die daarbij ontstaan. Zoals je onderaan kunt zien, gebruik ik een stijf 5 cm breed mengpenseel om textuur te creëren door middel van drybrushing en kruisarcering.
Stap 3. De glorieuze chaos.
Stap 3 – De glorieuze chaos
Zoals je hier kunt zien, begin ik het licht te filteren en de tekening wat vager te maken.. Ik vind het leuk om iets heel netjes te nemen en er van alles aan toe te voegen om het stijve gevoel van een gedetailleerde tekening te doorbreken. Ik zeg altijd dat er twee tekeningen in elk schilderij zitten. Eén gemaakt met potlood die uiteindelijk niemand ziet, en de belangrijkste, gemaakt met penseel, die voor iedereen zichtbaar is. Deze waarden lijken in het begin misschien erg donker, maar wees gerust, ik schilder met de wetenschap dat mijn waardeplan zal werken. Ik vind het ook niet erg om er hier en daar eentje te verpesten, en de energie in deze vroege stadia vertaalt zich zeker naar het eindresultaat. Veel droge penseeltechniek, spuitbus, nat-in-nat, verloren en gevonden randen.
Stap 4. Het basiskleurenschema bepalen en toevoegen.
Stap 4 – Het basiskleurenschema uitwerken en toevoegen
Dit is in principe een nieuwe poging om de laatste stap te voltooien, maar ik begin nu enkele belangrijke details te verwerken en uit te werken.. Ik doe dit zodat ik kan zien welke kant het schilderij qua kleur opgaat, en om het licht te sturen naar waar ik het focuspunt wil hebben. Een beetje Kobalt Turkoois Voor de koepel en het aanbrengen van de belangrijkste vormen van de gebouwen en figuren op de achtergrond. Je ziet alle bloesems en druppels ontstaan, en ik merk dat veel mensen hier hun oorspronkelijke idee uit het oog verliezen. Vertrouwend op het feit dat we nog in de beginfase van het schilderij zitten en dat de toonwaarden zullen werken, schilder ik de details zodat ik iets heb om de rest van het schilderij mee te vergelijken wanneer ik de achtergrond losser ga schilderen.
Stap 5. De lamp indrukken.
Stap 5 – Het licht indrukken
Ah, mijn favoriete onderdeel. Met een droge kwast en een diepere mix van sodaliet echt, quinacridone roze en licht rauwe sienna voor de lucht, begin ik de achtergrond naar achteren te duwen om een gevoel van diepte in het beeld te creëren. Veel meer droge kwast met zwaardere mengsels. (Let op: de gebouwen op de achtergrond beginnen te vervagen, terwijl ze in de vorige stap nog vrij prominent waren.) Ik breng ook weer wat donkere tinten aan om te bepalen hoe ver ik de lucht en de gebouwen op de achtergrond moet opdikken. Ik heb een eindtoon nodig om mee te werken, zodat ik niet te ver ga. De gearceerde lucht begint te werken, maar de wolk die links door de zon wordt verlicht, is nog steeds te prominent. Geen zorgen, ik pak dat later aan. Let ook op de vorm van de wolk. Die volgt bijna perfect de vorm van het gebouw links. Daar moet ik iets aan doen. Dit is ook het moment waarop ik Noelle er even naar laat kijken. Haar grimas zegt me alles wat ik moet weten. Ze is nu kunstcriticus na vijftien jaar ervaring.
Stap 6. Detailweergave.
Stap 6 – Detailweergave
Even een korte detailopname om het effect van de droge kwasttechniek op het gebouw te laten zien en hoe de vormen zich beginnen samen te voegen..
Stap 7. De wonderlijke chaos.
Stap 7 – De heerlijke chaos
Ah, mijn favoriete onderdeel. Had ik dat al gezegd? Hmm. De laatste donkere tinten erbij betrekken met Neutrale tint En de lucht dieper maken. Hier begint mijn interne timer zachtjes te zoemen. Ik weet dat ik er bijna ben, maar te veel van het goede kan heel snel mislukken. Donkere tinten rechts van het gebouw aanbrengen en de laatste details van het onderwerp invullen. Dit is een dunne lijn waar ik graag op balanceer. Het ziet er goed uit, maar ik mag het niet te kostbaar laten worden. Als er één manier is om iets te verpesten, is het wel om het belangrijk te maken voordat het de moeite waard is. Je gaat je schilderijen koesteren en ze als een soort moederbeer behandelen. Schilderijen in deze stijl werken vaak beter als je de kleine vogeltjes uit het nest gooit en kijkt of ze kunnen vliegen. Ik neem vaak afstand. Ik kijk er achterstevoren naar in de spiegel boven mijn bureau en loop even weg zodat mijn ogen zich kunnen aanpassen. Er is altijd wel iets dat je over het hoofd hebt gezien. Ik begin ook wat van de donkere tinten lichter te maken om ze wat ademruimte te geven. Ik vind donkere tinten het interessantst als ze van waarde kunnen veranderen. Ook bij deze schilderstijl merk ik dat een groot vlak met bijna zeefdrukachtige donkere tinten het schilderij snel kan verpesten. Dit is ook vaak het moment waarop ik een schilderij even "op de strafstoel" zet en er een dag, een week, een maand... niet naar kijk, afhankelijk van hoe stout het is geweest.
Sebil Bufe – Istanboel, door Iain Stewart
De finale. Sebil Bufe-Istanboel
Het moeilijkste aan dit alles is weten wanneer je moet stoppen.. Ik maak aantekeningen voor mezelf nadat ik de laatste fase heb bekeken en kijk heel kritisch naar wat ik met het schilderij wil overbrengen en waar ik sta. Ik zoek ook naar patronen of plekken waar belangrijke vormen moeten worden aangepast met een droge kwast of door bepaalde gebieden te verbergen. Ik besloot dat de lucht donkerder moest worden, dus bracht ik een mengsel van Quin Rose en Sodalite aan. Ik veranderde ook de vorm van de wolk en voegde wat oranje toe aan de verkeerskegels. Allemaal kleine, maar noodzakelijke veranderingen. Tot slot laat ik het een paar minuten rusten en scan ik het. Dan begint het echte plezier. Ik geloof altijd dat, hoeveel ik ook plan, het resultaat uiteindelijk niet zo leuk zal zijn., Ik moet luisteren naar wat het schilderij me probeert te vertellen. Ik experimenteer met verschillende uitsneden en pas de toonhiërarchie aan totdat ik tevreden ben. Als ik meer moet schilderen en opnieuw moet scannen, dan zij het zo. Om Eddie Murphy te citeren: "Zo simpel is het!" Nu gaat het in de hoek staan om te rusten. Over een week of zo kijk ik er weer naar en zie ik of ik iets wil veranderen, maar voor nu ben ik er tevreden mee.
Ik hoop dat u genoten heeft van deze ietwat warrige stapsgewijze handleiding en er wellicht wat ideeën uit hebt gehaald.. Als er iets is dat ik zou moeten benadrukken..., Ik vind dat je dat moet weten tijdens de middenfase van een schilderij., Het zal er vlak uitzien. Ik noem dit de sleur. Al je waarden zijn vrijwel gelijk en alleen een gedurfde zet met wat donkere tinten kan je weer wat wind in de zeilen geven. Geloof erin. Aquarellen gaan meestal van mooi naar behoorlijk lelijk en hopelijk weer mooi. Weten dat je in deze lelijke fases potentie hebt om het schilderij uit de modder te trekken, is essentieel. Je zult veel schilderijen verpesten met deze methode, maar ik merk dat verpeste schilderijen me meer leren dan welke goede dan ook. Goede schilderijen, zoals ik al eerder heb gezegd, zijn als drinkmaatjes. Ze zeggen gewoon: "Hé man, dat is echt geweldig... eh, geef me de pinda's eens." Slechte schilderijen, verpeste schilderijen, leren je iets. Ze zijn de opstapjes naar betere dingen. Denk na over je werk. Ik raad je aan om, nadat je een schilderij hebt gepland en niet het gewenste resultaat hebt bereikt, even de tijd te nemen om je plan op te schrijven voor hoe je het opnieuw kunt schilderen. Dat zorgt ervoor dat beide hersenhelften samenwerken en de resultaten kunnen heel krachtig zijn. Bedankt voor het lezen en ik hoop dat je het leuk vond.
