Durante la bassa stagione mi sono tenuta impegnata lavorando nel mio studio e provando alcuni dei nuovi colori (per me) di DANIEL SMITH, valutando anche se apportare o meno qualche modifica alla mia tavolozza.. Come sempre con questi nuovi colori mi piace testare come si confrontano con colori simili che già uso e combinarli in modi nuovi e interessanti. I nuovi colori che compongono la maggior parte del dipinto seguente sono Sodalite originale (UN PrimaTek) Terra di Siena Naturale Leggera, E Rosa chinacridone. Quando provo nuovi colori, mi piace vedere come si mescolano tra loro e anche come si velano sulle precedenti velature. Ultimamente mi sto dedicando molto alla tecnica del pennello asciutto, che può essere un po' intimidatoria, ma una volta che si impara a controllare la quantità di acqua/pigmento nel pennello in base all'umidità o all'asciuttezza della carta, i risultati possono essere fantastici. Queste tecniche sono estremamente utili se prima vengono praticate su un foglio bianco senza alcun disegno. Trovo che sperimentare su qualcosa che si è disegnato con cura renda più probabile essere più cauti e protettivi nei confronti dell'immagine. Se non c'è nulla da proteggere, si può sperimentare a piacimento e trovare nuovi modi di esprimersi. In questo caso, i tre colori che ho scelto hanno avuto un effetto diretto su come immaginavo l'atmosfera del dipinto e, come si può vedere dalle foto passo passo, legano l'immagine in modo molto armonioso.
Dipingo utilizzando pennelli sintetici di alta qualità, in particolare un pennello rotondo n. 12, un pennello a punta tonda n. 14, un pennello Mottler n. 18 e una piccola spatola per le linee sottili.. Il pennello Mottler lo uso principalmente per la tecnica del pennello asciutto su ampie superfici, mentre quello rotondo è per i dettagli. Il pennello a mop è un vero jolly e mi permette di applicare molta acqua sulla carta e di sperimentare con la tecnica bagnato su bagnato.
La carta che ho usato per questo dipinto è la carta per acquerello ruvida 140#.. Il dipinto originale è più grande di quanto mi aspettassi, in modo da poterlo ritagliare se necessario. L'immagine finale misura 18" x 12".
Iain Stewart con il suo acquerello "Sebil Bufe - Istanbul".
Prima di addentrarci nei dettagli tecnici, permettetemi un attimo di parlarvi del mio approccio al lavoro.. Se mi propongo di creare un capolavoro, di solito fallisco. Quando lavoro, cerco di avere in mente il più possibile dell'immagine, ovvero quali passaggi farò e in quale ordine. Dove imposterò le luci. La combinazione di colori e, infine, l'incredibile sensazione di libertà di "vediamo dove mi porta". Dopo aver letto un po' la sera e mentre inizio ad addormentarmi, di solito la dipingo mentalmente. È un modo delizioso per addormentarsi, ma attenzione: una buona idea mi farà sobbalzare e correre in studio a prendere appunti.
Lavoro con la consapevolezza che mi è concesso sbagliare e che dipingo per puro piacere.. Ho scoperto che quando seguo queste regole mi perdo nel momento presente e, per me, quello è il posto migliore in cui trovarsi.
Fase 1. Il disegno.
Passaggio 1 – Il disegno
Ok, quindi questo sembra piuttosto complicato e in una certa misura lo è.. Ho una formazione in architettura e sono tuttora un illustratore di architettura. Quindi, a volte, la voglia di dettagli mi assale, e ho imparato a seguire l'istinto e a decidere quanto il disegno debba essere libero o dettagliato. Il prossimo soggetto rappresenta una vera svolta. Il modo in cui realizzo questi disegni è per alcuni un esercizio tedioso. Inizio con dei piccoli schizzi preliminari e, una volta definita la composizione, inizio a disegnare. La tecnica mi è stata insegnata alla facoltà di architettura e, quando voglio dettagliare, è ancora quella che utilizzo di solito. Disegno l'immagine su carta da lucido e poi la ricopro con un altro strato di carta da lucido in modo da poter iniziare a ripulire/modificare qua e là. Questo processo può richiedere un po' di tempo per essere perfezionato. È fondamentalmente come la tecnica della "buccia di cipolla", ovvero posso vedere i disegni sottostanti e modellarli man mano che procedo. Una volta completato il disegno a mio piacimento, lo trasferisco su carta per acquerello usando una mina morbida 2B e ricalcando le linee che ho disegnato al contrario. Quindi capovolgo il ricalco e uso una mina più dura F per trasferire le linee originali sulla carta. Non serve né tavolo luminoso né ricalco, solo tempo e pazienza. Per questa fase consiglio un buon audiolibro.
Fase 2. Il lavaggio di base.
Fase 2 – Il lavaggio di base
Il primo passo in tutti i miei dipinti è la stesura di base, che utilizzo per fissare i colori dell'immagine e riservare le luci.. Sono ambasciatrice di Daniel Smith e mi hanno gentilmente dato molti colori da provare. Nell'ultimo mese circa ho testato e scelto nuovi colori per ogni opera. Questa volta è DANIEL SMITH Terra di Siena Naturale Leggera, E Rosa chinacridone con Sodalite originale Per le zone scure, dipingo con molta acqua e aggiungo i colori man mano che procedo. Questo richiede di conoscere il grado di umidità della carta rispetto alla quantità di acqua/pigmento presente nel pennello. Raramente uso il liquido mascherante, preferendo cercare di preservare le luci fin dall'inizio con il pennello, sfumando o usando un po' di guazzo alla fine. Ora uso sempre meno i colori opachi e apprezzo i piccoli errori che capitano. Come potete vedere in basso, uso un pennello rigido da 5 cm per sfumare e creare texture con la tecnica del pennello asciutto e del tratteggio incrociato.
Passo 3. Il glorioso caos.
Passaggio 3 – Il glorioso caos
Come potete vedere, sto iniziando a scolpire la luce e a far sì che il disegno diventi più oscurato.. Mi piace prendere qualcosa di abbastanza preciso e stravolgerlo con tutto quello che posso per rompere la rigidità di un disegno molto dettagliato. Dico sempre che in ogni dipinto ci sono due disegni. Uno fatto a matita che nessuno vede alla fine, e il più importante fatto a pennello che è visibile a tutti. Questi valori tonali possono sembrare molto scuri all'inizio, ma state certi che dipingo con la consapevolezza che il mio schema di valori funzionerà. Inoltre, non mi dispiace rovinarne qualcuno qua e là, e l'energia di queste fasi iniziali si trasferisce sicuramente al risultato finale. Un sacco di pennellate a secco, spruzzino, bagnato su bagnato, bordi persi e ritrovati.
Passaggio 4. Definizione e aggiunta della combinazione di colori principale.
Passaggio 4 – Definizione e aggiunta della combinazione di colori principale
Si tratta fondamentalmente di un altro tentativo dell'ultimo passaggio, ma inizio a incorporare e a lavorare su alcuni dei dettagli principali.. Lo faccio per vedere dove sta andando il dipinto dal punto di vista cromatico e per iniziare a spostare la luce dove voglio che sia il punto focale. Un po' turchese cobalto per la cupola e per definire le forme principali degli edifici e delle figure sullo sfondo. Si possono vedere tutti i boccioli e le gocce che si formano, e trovo che sia qui che molti perdono di vista l'idea originale. Confidando nel fatto che siamo ancora nelle fasi iniziali del dipinto e che i valori tonali funzioneranno, dipingo i dettagli in modo da avere un punto di riferimento per valutare il resto del dipinto man mano che mi lascio andare con maggiore libertà nello sfondo.
Passaggio 5. Premere la luce.
Passaggio 5 – Premere la luce
Ah, la mia parte preferita. Utilizzando un pennello asciutto e una miscela più densa di Sodalite Genuine, Rosa di Quinacridone e Terra di Siena Naturale Chiara per il cielo, inizio a spingere lo sfondo in avanti per creare un senso di profondità nell'immagine. Molto altro pennello asciutto con miscele più dense. (Notate che gli edifici sullo sfondo stanno iniziando a sbiadire, mentre nel passaggio precedente erano piuttosto pronunciati.) Ho anche aggiunto di nuovo alcune delle ombre finali per valutare fino a che punto spingere il cielo e gli edifici sullo sfondo. Ho bisogno di una tonalità finale da cui partire, in modo da non esagerare. Il cielo tratteggiato sta iniziando a funzionare, ma la nuvola illuminata dal sole a sinistra è ancora troppo pronunciata. Non preoccupatevi, me ne occuperò più tardi. Notate anche la forma della nuvola. Segue quasi perfettamente la forma dell'edificio a sinistra. Dovrò fare qualcosa al riguardo. È anche il momento di farla vedere a Noelle. La sua smorfia mi dice tutto ciò che devo sapere. Ora è una critica d'arte, dopo 15 anni di esperienza.
Passaggio 6. Primo piano di un dettaglio.
Passaggio 6 – Primo piano del dettaglio
Solo una rapida inquadratura di dettaglio per mostrarvi gli effetti del pennello asciutto sull'edificio e per iniziare a delineare le forme..
Passaggio 7. Il meraviglioso caos.
Passaggio 7 – Il meraviglioso caos
Ah, la mia parte preferita. L'ho già detto? Hmm. Portando le ultime ombre con Tinta neutra e intensificando il cielo. È qui che il mio timer interno inizia a ronzare leggermente. So di essere vicino, ma anche le cose belle, se eccessive, possono rovinarsi molto velocemente. Aggiungo delle zone scure a destra dell'edificio e aggiungo gli ultimi dettagli al soggetto. È un equilibrio molto sottile che mi piace mantenere. Sta venendo bene, ma non posso permettere che diventi troppo prezioso. Se c'è un modo infallibile per rovinare qualcosa, è quello di farla diventare importante prima che ne valga la pena. Si tende a coccolare i propri quadri e a volerli "proteggere come una mamma orsa". I dipinti realizzati in questo stile tendono sempre a funzionare meglio quando si inizia a far uscire gli uccellini dal nido e a vedere se riescono a volare. Faccio spesso un passo indietro. Guardo il quadro al contrario con lo specchio sopra la mia scrivania e mi allontano per un po' in modo che i miei occhi possano riadattarsi. Ci sarà sempre qualcosa che ti è sfuggito. Inizio anche ad alzare alcune zone scure per permettere loro di respirare un po'. Trovo che le zone scure siano più interessanti quando è permesso loro di cambiare valore. Anche in questo stile pittorico, trovo che un'ampia area di scuri quasi serigrafati possa rovinare l'opera molto rapidamente. È anche in questi casi che spesso metto il dipinto in "pausa" e non lo guardo per un giorno, una settimana, un mese... dipende da quanto è stato "difettoso".
Sebil Bufe – Istanbul, di Iain Stewart
La finale. Sebil Bufe – Istanbul
La parte più difficile di tutte queste situazioni è capire quando è il momento di andarsene.. Prendo appunti per me stesso dopo aver guardato l'ultima fase e osservo in modo molto critico ciò che voglio che il dipinto trasmetta e a che punto sono. Cerco anche schemi o punti in cui le forme principali necessitano di essere modificate tramite pennello asciutto o oscurando aree. Ho deciso che il cielo doveva diventare più scuro, quindi ho introdotto una miscela di rosa di china e sodalite. Ho anche cambiato la forma della nuvola e aggiunto un po' di arancione ai coni stradali. Tutti cambiamenti molto piccoli ma necessari. Infine lo lascio riposare per qualche minuto e lo scansiono. Poi inizia il vero divertimento. Credo sempre che non importa quanta pianificazione io faccia, Devo ascoltare ciò che il dipinto cerca di comunicarmi. Sperimento con diverse inquadrature e regolando la gerarchia tonale finché non sono soddisfatto. Se devo dipingere di più e scansionare di nuovo, pazienza. Quindi, per citare Eddie Murphy: "È semplice come sembra!". Ora lo metto da parte in un angolo a riposare. Lo guarderò di nuovo tra una settimana circa e vedrò se voglio cambiare qualcosa, ma per ora sono abbastanza contento.
Spero che questa guida passo passo, un po' divagante, vi sia piaciuta e che magari abbiate tratto qualche spunto.. Se c'è qualcosa che penso di dover sottolineare, è che sento che devi sapere che durante le fasi intermedie di un dipinto, Sembrerà piatto. Io lo chiamo il periodo di stallo. Tutti i tuoi valori tonali sono abbastanza simili e solo una mossa audace con delle tonalità scure ti darà la spinta giusta. Credici. Gli acquerelli in genere passano da belli a piuttosto brutti e, si spera, di nuovo belli. Sapere di avere del potenziale in queste fasi brutte, qualcosa che ti tirerà fuori dal fango, è fondamentale. Rovinerai molti dipinti usando questo metodo, ma ho scoperto che i dipinti rovinati mi insegnano meglio di qualsiasi dipinto riuscito. I bei dipinti, come ho detto in passato, sono come compagni di bevute. Ti dicono solo "ehi amico, è fantastico... uhm, passami le noccioline". I dipinti brutti, i dipinti rovinati, insegnano. Sono i gradini verso cose migliori. Rifletti sul tuo lavoro. Ti suggerisco che dopo aver pianificato un dipinto e non aver ottenuto i risultati sperati, ti prendi del tempo per scrivere il tuo piano su come dipingerlo di nuovo. Questo tende a far lavorare insieme entrambi gli emisferi del cervello e i risultati possono essere molto efficaci. Grazie per aver dedicato del tempo a leggere questo e spero che ti sia piaciuto.
